Acuarela para urban sketchers: recursos para dibujar, pintar y narrar historias en color 9788425232084

Table of contents :
ÍNDICE
INTRODUCCIÓN
PRIMEROS INTENTOS
EXCURSIÓN A L A TEORÍA DEL COLOR
ESTILO P ROPIO
ELEMENTOS BÁSICOS / HERRAMIENTAS
CALLEJEANDO
CONSEJOS Y TRUCOS
ÍNDICE ALFABETICO

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ACUARELA PARA URBAN SKETCHERS RECURSOS PARA DIBUJAR, PINTAR Y NARRAR HISTORIAS EN COLOR

FELIX SCHEINBERGER

GG

Título original: Wasserfarbe für Gestalter Publicado originalmente por Verlag Hermann Schmidt, 2011 Diseño: Nicola Aehle, Felix Scheinberger

Traducción: Elena Fresco Diseño de cubierta: Toni Cabré/Editorial Gustavo Gili

Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación pública o transformación de esta obra solo puede ser realizada con la autorización de sus titulares, salvo excepción prevista por la ley. Diríjase a Cedro (Centro Español de Derechos Reprográficos, www.cedro.org) si necesita fotocopiar o escanear algún fragmento de esta obra. La Editorial no se pronuncia ni expresa ni implícitamente respecto a la exactitud de la información contenida en este libro, razón por la cual no puede asumir ningún tipo de responsabilidad en caso de error u omisión.

© Felix Scheinberger y Verlag Hermann Schmidt, 2011 para la edición castellana: © Editorial Gustavo Gili, SL, Barcelona, 2015

ISBN: 978-84-252-3208-4 (PDF digital) www.ggili.com

Editorial Gustavo Gili, SL Via Laietana 47, 2º, 08003 Barcelona, España. Tel. (+34) 93 322 81 61 Valle de Bravo 21, 53050 Naucalpan, México. Tel. (+52) 55 55 60 60 11

ACUARELA PARA URBAN SKETCHERS RECURSOS PARA DIBUJAR, PINTAR Y NARRAR HISTORIAS EN COLOR

GG

®

ÍND I C E

04 INTRODUCCIÓN 06 Acuarela: ¿sí o no? 08 Un cuadro para el emperador 10 Goma arábiga: donde crecen las acuarelas 12 Pigmentos: la materia de la que están hechos los sueños 14 Amarillo y naranja: de camellos y crocus 16 Rojo y púrpura: de bichos y caracoles 18 Azul: de lapislázuli, índigo y añil 20 Verde: de plantas y venenos 22 Introducir color en los dibujos

PRIMEROS INTENTOS 24 Selección múltiple: diseñar es decidir 26 De la noche a la mañana: sombras y luz 28 Black is back: glasear con tinta china 30 Capa a capa: el glaseado 32 Mezclar colores con glaseados 34 Practicar el glaseado: sopa de pescado 36 Lavados: la pintura hace lo que le place 38 A la fuga: lavados en degradado 40 Lavados: ¡Otra vez, con sentimiento! 42 Un toma y daca: añadir y eliminar pintura 44 Húmedo sobre húmedo 46 Combinar técnicas: un poco de esto y de aquello

EXCURSIÓN A L A TEORÍA DEL COLOR 48 ¿De dónde vienen los colores?: ciencia básica 50 Organizar los colores 52 Contrastes de color: los opuestos se atraen 54 Tipos de color: de South Park a los semáforos 56 Color verdadero: el efecto de la luz 58 Cada color cuenta una historia: intensificar los dibujos 60 Los efectos de los colores: todo es relativo 62 Armonías de color: sencillas y complejas

64 Armonías análogas, monocromáticas y complementarias

CALLE JE ANDO

66 Armonías triádicas y tetrádicas

116 Pintar al aire libre: mal tiempo

68 Armonías frías-frías y cálidas-cálidas

118 Cambiar la perspectiva: el otro punto de vista

70 Coleccionar colores

120 Pintar el agua

72 Diseñar armonías de color:

122 Aire, niebla, humo

trabajar con tiras de códigos cromáticos 74 Sal de tu zona de confort cromática

124 Smog y atmósfera 126 Y además, ¿qué es la belleza?

76 Color y perspectiva: las montañas Blue Ridge CONSE JOS Y TRUCOS ESTILO PROPIO

128 Composición y diseño

78 Menos es más

130 Borrones y manchas

80 Yo, yo y yo: encontrar tu estilo

132 Espacio negativo: pintar lo que no está ahí

82 Estilo y creatividad

134 Blanco: un caso especial

84 Relajar el cuadro: tirar pintura

136 Estudios, sketches y bocetos

86 La imaginación vs Internet: si no buscas, encontrarás

138 Deshacer

88 Haz que te importe

140 Fusionar los colores: trabajar a partir de un color

90 Prioridades

142 Trabajar con papel de color 144 Efectos especiales

E L E M E N T O S B Á S I C O S / H E R R A M I E N TA S

146 Letras y escritura

92 Cajas de pinturas

148 Maquetas, garabatos y storyboards

94 Lápices de acuarela

150 Ilustraciones con acuarelas

96 Comprar pinturas

152 ¿Cuánto vale tu obra?

98 Mezclar pinturas

154 Todo llega a su fin: ¿cuándo se acaba un cuadro?

100 Tonos imposibles: colores vivos 102 Tunear las acuarelas: que resalten los colores 104 Acuarelas líquidas: ahora vivo, pálido más tarde 106 Pinceles 108 Aún más pinceles 110 Papel 112 Estirar el papel: la onda permanente 114 Lo que hay en mi bolsa

156 Índice

IN T R O D U C C I Ó N

06

ACUARELA: ¿SÍ O NO?

Al oír hablar de acuarela, muchas personas se

no podríamos expresar de un modo consciente.

imaginan inmediatamente cuadros con paisajes

Cuando sacrificamos la dosis adecuada de control

sentimentales, ruinas antiguas y escenas pintorescas.

en el proceso creativo, las cualidades inherentes de la acuarela empiezan a jugar a nuestro favor.

Si bien los artistas ingleses de los siglos XVIII y XIX reivindicaron la acuarela como un medio pictórico sofisticado, esta provoca a menudo reacciones

Este libro tiene dos propósitos: enseñar técnicas de acuarela y contar algunas cosas sobre el color. Aun así, no tiene el objetivo de explicar, por

sorprendentemente negativas por parte de los artistas

ejemplo, cómo pintar un cielo determinado en cuatro

contemporáneos. Una generación entera la relega

pasos. Tengo verdaderas dudas sobre si los lectores

rápidamente a la categoría de medio para aficionados.

aprenden más de tales libros de instrucciones de lo

Pero la acuarela es mucho más que un medio para

que aprenden cuando simplemente se ponen a pintar el

aficionados, la concentración y la práctica que requiere

cielo. ¿Y si de repente el cielo se nubla? Por eso, lo que

son intensas. Una vez sobre el papel, los errores son

pretende este libro es mostrar los principios básicos de

difíciles de enmendar y solo cuando se sabe aplicar

la pintura a la acuarela para que cada uno los aplique

con seguridad, produce resultados verdaderamente

libremente a aquello que quiera lograr.

positivos. La acuarela implica un cierto grado de incertidumbre, pero también nos enseña a ver. La acuarela fue la primera técnica que permitió al

Me imagino que debe de ser un poco como aprender los acordes de una guitarra. Personalmente, me parece importante que aprendas las posiciones

artista salir libremente de su estudio porque se podía

de los dedos, pero saber qué canción quieres tocar

llevar con facilidad al exterior. No hacían falta tubos,

depende de ti.

caballete, lienzos o instrumentos similares, sino

Y no te preocupes: todo lo que hay que saber sobre

solamente una caja de pinturas y papel. Y hoy en día,

el color se puede aprender de una simple caja de

la acuarela sigue liberándonos del estudio, de los

pinturas.

ordenadores portátiles y de los innumerables cables y baterías. Sin embargo, la acuarela no es simplemente una técnica: es casi una actitud. La acuarela hace lo que

Lo importante no es si la pintura a la acuarela es un medio sofisticado y legítimo. La acuarela puede ir a cualquier sitio. Es un medio autónomo, libre y creativo, y hace del mundo nuestro estudio.

quiere. En cierto modo, es obstinada y anárquica. Por ello, para mí el secreto de usar acuarelas para pintar cuadros reside en establecer un equilibrio entre el controlar y el dejarse llevar. Los cuadros normalmente solo son “muy buenos” cuando nos sorprenden, cuando revelan aquello que hemos percibido y sentido pero que

Cordialmente,

INTRODUCCIÓN

08

UN CUADRO PAR A EL EMPER ADOR

Pero claro, el emperador no estaba acostumbrado a esperar, y cuando la semana tocó a su fin, se presentó en persona, acompañado de miembros

Esta historia nos llega desde la antigua China. Un día,

de la casa real, a visitar al pintor. Le preguntó si el

un emisario del emperador fue a visitar a un pintor

gallo estaba ya acabado. El pintor levantó la vista

célebre. “El emperador desea un cuadro”, le dijo el

y respondió que sí, por supuesto, el gallo ya estaba

emisario, y le preguntó si podría pintar un gallo para

acabado. Y delante del mismísimo emperador, cogió

su majestad.

una hoja de papel en blanco, tomó un pincel y pintó un gallo para el emperador.

El pintor contestó que sí, pero que le llevaría un tiempo,

El emperador se quedó sin habla. ¿Por qué había

ya que la creación de un buen cuadro así lo requería.

hecho esperar a su emperador tanto tiempo por

El emisario sabía que la paciencia no era una de las

algo que podía pintar en un santiamén?, le preguntó,

virtudes del emperador, así que le concedió al pintor

gritando, al pintor. El pintor no perdió la calma. Cruzó

dos semanas para retratar el gallo. Al pasar las dos

su estudio y abrió una puerta que daba a una habitación

semanas, apareció de nuevo.

trasera. Y cuando todos los presentes se asomaron al

“¿Dónde está el gallo?”, preguntó al pintor, quien

interior de la habitación, vieron un espacio tan grande

respondió que estaba trabajando en él, pero que el

como el estudio del artista lleno hasta el techo de

cuadro aún no estaba acabado. El emisario maldijo,

dibujos realizados durante semanas, intentonas y

pero le concedió otra semana, ya que sabía que el

bocetos del gallo del emperador que tan rápido había

pintor era un gran maestro de su arte. Por su parte,

pintado.

el pintor se comprometió a acabar el cuadro a tiempo. Sin embargo, al final de la semana, cuando el emisario apareció otra vez, el cuadro aún no

Esta historia tiene mucho que ver con la acuarela. La acuarela exige técnicas que requieren cierto tiempo de perfeccionamiento. No obstante, el acto efectivo de pintar con acuarelas no se demora mucho: es un medio

estaba terminado.

muy rápido, inmediato. Aun así, aunque se tarde tan

El emisario

poco en pintar, es importante dedicar tiempo

despotricó y vociferó, pero

a practicar y dominar las técnicas. Francamente, puede que este no sea el

no sirvió de nada.

consejo que la gente espera de un libro

El pintor exigió una

para aprender acuarela, el cual, por

semana más para

definición, intenta ayudar a los lectores

trabajar en el gallo.

a conseguir resultados rápidos y

llamativos. Sin embargo, la técnica de acuarela del maestro chino tiene un gran potencial. Y ya que ni siquiera el maestro chino más dotado se hizo en un día, pongámonos en marcha juntos cuanto antes, tan rápido como podamos.

INTRODUCCIÓN

10

GOMA AR ÁBIGA Donde crecen las acuarelas

Hace calor donde crecen las acuarelas, y si hay un bien que sea escaso, es el agua. Sudán es una de las zonas más duras del mundo: un área semidesértica en el noreste de África con tormentas de arena y temperaturas extremas que han llegado a alcanzar los 49 °C. Sin embargo, las sustancias con las que se hacen las acuarelas provienen del corazón de Sudán, de Kordofan, Kassala y Darfur. Para entender cómo funcionan las pinturas, debemos ver primero de qué están hechas. La acuarela es uno de los tipos de pintura más antiguos, y su secreto reside en una sustancia amarilla ambarina que ha recorrido un largo camino desde el lejano y tórrido desierto hasta llegar a nuestras cajas de pintura. Enseguida nos ocuparemos de esto. La materia prima de la pintura es el pigmento, un material que normalmente viene en polvo y que refleja un color concreto con viveza.

Este polvo, que en realidad es el tinte de la pintura,

procesos de momificación y los chinos mezclaban en

puede provenir de una planta o de un mineral, de

ella su tinta.

un metal o de un óxido. La pintura contiene cientos

Para hacer acuarelas, los extraños trozos de

de sustancias orgánicas o inorgánicas, todas las

resina color miel se muelen y se disuelven en agua

cuales se originan en polvo y, por ello, suponen

templada, y a esta mezcla se le añade el polvo del

un problema para el artista, ya que el polvo no

pigmento. Hoy en día, la pintura a la acuarela se

se adhiere automáticamente al soporte (es decir,

sigue produciendo más o menos del mismo modo

al papel o lienzo).

que hace mil años, ya que no existe un sustituto

Para convertirse en lo que conocemos como pintura, el pigmento necesita un adhesivo, un

químico adecuado para la goma arábiga. La goma arábiga es única: el aglutinante es

“vehículo” que permita mantener unida la pintura

traslúcido

y, al secarse, la adhiera al papel.

y refleja la luz, lo que intensifica la luminosidad de la

A lo largo de los siglos, han sido muchos los modos empleados para resolver este problema. En la Edad Media, los artistas utilizaban yema de huevo, a la que añadían pigmentos para hacer temple de huevo. En el Renacimiento, usaban aceite de linaza hervido para crear pinturas al óleo. En realidad es el “vehículo” (la sustancia aglutinante) lo que distingue a un tipo de pintura de otro. El que un pigmento se convierta en pintura acrílica o pintura al óleo, que se introduzca a presión en un lápiz de color o en forma de pintura de cera, depende del aglutinante. La acuarela se hace con una resina llamada goma arábiga, la cual, como hemos dicho, proviene de Sudán. Los pequeños árboles espinosos de los que se extrae se llaman

Acacia seyal (acacia roja) y Acacia senegal (árbol de la goma). Para obtenerla, se raja de arriba abajo la corteza del árbol, que desprende un jugo lechoso que se recoge y se seca. Esta resina seca y molida ha servido como aglutinante para pintura desde tiempos inmemoriales. Los antiguos egipcios también la usaban en sus

pintura. Además, la goma arábiga es inocua y se puede volver a disolver en agua cuando se ha secado.

INTRODUCCIÓN

12

PIGMENTOS La idea de mezclar pigmentos y goma arábiga para hacer pintura a la acuarela es muy

La materia de la que están hechos los sueños

antigua, pero, a principios del siglo XIX , los químicos W. Winsor y H. Newton fueron los primeros en añadir glicerina a la mezcla para que las

El tinte en sí, o lo que da a las pinturas su color, es el pigmento, que es distinto del aglutinante. Los pigmentos vienen en polvos coloridos y molidos

pinturas mantuviesen una

muy finos. Se crean a partir de sustancias molidas

consistencia semihúmeda al

orgánicas e inorgánicas que se mezclan con un

guardarse en cajas de pintura.

aglutinante para hacer pintura.

Parece que la miel también produce este efecto.

Los pigmentos, ese secreto tan bien guardado de la pintura, se han comercializado a lo largo de los siglos como un producto precioso, ya que poseen una cualidad que, aunque a primera vista nos puede sonar rara, los hace únicos: los pigmentos son colores que mantienen de forma permanente su color. Los colores están en todas partes. Las flores presentan una amplia variedad de tonos, igual que la fruta, los campos, los bosques, la luz de las puestas de sol, los pájaros espectaculares o las mariposas. El problema de estos colores, sin embargo, es que no duran. Siempre que llega el invierno, los colores desaparecen. Cuando se pone el sol, solo hay noche. Si algo vivo se muere, sus colores se atenúan: las flores se marchitan, las frutas pierden su intensidad y, al llegar el otoño, el verde de la primavera se transforma en tonos terrosos. Puede resultar difícil conseguir que los colores se mantengan y perduren. Por ejemplo, si exprimimos una fruta roja, lo más probable es que el zumo al principio también sea rojo. Pero este color se irá desvaneciendo

gradualmente a medida que el zumo se seca. Si lo exponemos de forma premeditada a la luz, su brillo se atenúa cada vez más conforme pasa el tiempo. Lo más seguro es que su tono se No obstante, también existen pinturas

convierta pronto en marrón o gris y, desde luego, que no resplandezca del mismo modo que cuando estaba recién exprimido. La mayor parte de los colores se desvae, lo cual supone un problema para los artistas que quieren

resistentes a la luz cuyos colores no se desvanecen porque están hechas con pigmentos especiales. Los pigmentos pueden estar formados por sustancias orgánicas e inorgánicas —minerales, plantas o incluso insectos— y también se pueden producir químicamente. La pintura a la acuarela suele hacerse con pigmentos químicos que se muelen con una finura especial para favorecer unas cualidades óptimas de glaseado. Con frecuencia, las pinturas de nuestras paletas actuales contienen dosis muy elevadas de pigmentos, de modo que incluso en pequeñas cantidades

que sus dibujos y cuadros se mantengan luminosos

pueden proporcionar

y brillantes.

un golpe de color

En gran medida, la luz es la responsable de que la mayoría de las pinturas pierdan el color. Aunque

adecuado. Los pigmentos

la pintura puede resplandecer a la luz, también puede

son el corazón de las

verse destruida por el mismo motivo. Si las pinturas

pinturas. Cuando se

se exponen a la luz y el aire mucho tiempo, se desvaen

combinan con goma

incluso más rápidamente. El efecto es menor en

arábiga, glicerina y

pigmentos inorgánicos, óxidos o colores terrosos, pero

miel, dan un soplo de

muchas de estas pinturas también desaparecen con

vida a los cuadros.

el tiempo.

Y una cosa más: Las pinturas a la acuarela pueden cambiar de color cuando se secan. Hay muchos tonos que se alteran solo ligeramente, así que aunque ello no significa que un rojo se vaya a convertir de repente en verde, sí que puede, por ejemplo, tener una apariencia más apagada al secarse. Lo único que puede ayudar a anticipar estos cambios es la experiencia. Con el tiempo, llegarás a conocer mejor tus pinturas y podrás trabajar con estas características particulares.

INTRODUC CIÓN

14

AMARILLO Y NAR ANJA

De camellos y crocus

Hay una historia sobre el amarillo indio que se ha incluido en casi todos los libros que existen sobre color. Según cuenta la historia, el amarillo indio llegó a nosotros de mano de unos

camellos a los que se alimentaba con una dieta fija de hojas de mango y se les daba muy poca agua. Para obtener el pigmento, se calentaba la orina de los pobres animales y se conseguía una sustancia de un intenso color amarillo llamada “purree”. Este método se prohibió a principios del siglo XX por su crueldad. Por razones evidentes, en los últimos años hay cada vez más dudas sobre esta historia. En la India, por ejemplo, la historia o bien no se conoce o solo se ha transmitido través de fuentes europeas.

Las hojas de mango, por su parte, no tienen virtudes de pigmentación, así que podemos suponer que el color amarillo procedía probablemente de los minerales o el fosfato de calcio al cual se añadía la orina. Es posible que la historia de los camellos se añadiese para hacer el pigmento más interesante y por lo tanto más caro. El amarillo es el color primario más claro y por ello el más sensible a las manchas y a enturbiarse. Hasta las impurezas más pequeñas pueden hacer que los tonos amarillos se vean

fuego, descubrieron con sorpresa el cambio en el

sucios o débiles. Durante siglos, los pigmentos

blanco de plomo: se había convertido en un color

amarillos se hacían con arsénico tóxico, cadmio

naranja rojizo. Desde entonces, este color pasó

o cromo. Los tintes alternativos, como el azafrán

a conocerse como “rojo de plomo”.

(que proviene del polen de los crocus de azafrán),

Las mujeres y los gladiadores lo usaban para

eran muy caros. Además, solo las telas muy

maquillarse, se empleaba para pintar paredes

blancas (y por ello muy caras) se podían teñir

y para iluminar libros. Lamentablemente, en

de amarillo, ya que hasta las impurezas más

el siglo XX se descubrió que el rojo de plomo es

pequeñas podían enturbiar el brillo del color. Así,

enormemente tóxico y el color desapareció de las

en la China antigua únicamente el emperador y los dignatarios religiosos podían llevar

paletas de pintura. Con frecuencia, el naranja también se extraía

túnicas amarillas teñidas con azafrán.

del cártamo o de la resina de drago. No está

Posteriormente, además, en la

muy claro si el color naranja se denominó así

Europa medieval el color amarillo adoptó

por la fruta o viceversa. Se cree que la fruta

connotaciones negativas. Cuando en una ciudad ondeaban banderas amarillas quería decir que la peste negra estaba allí en su máximo apogeo. Solo vas a necesitar dos tonos de amarillo

era originaria de Asia y probablemente era muy común en Europa después del Renacimiento. La ciudad francesa de Orange (que tiene naranjas en su escudo) también puede haber sido el epónimo, ya que está cerca de las canteras de ocres de

en la caja de pinturas: amarillo de cadmio, o

Roussillon, de las se han extraído pigmentos

amarillo puro, y amarillo Nápoles. En realidad,

naranjas y rojos durante siglos.

el componente blanco del amarillo Nápoles

Durante mucho tiempo, el naranja no se

hace que se descomponga en un tono pálido al

consideró un color por sí mismo, sino más bien

mezclarse con otros colores, dando lugar, por

un amarillo rojizo, y se categorizaba como uno de

ejemplo, a grises muy apropiados para pintar

estos dos colores según la saturación que

cielos de tormenta.

presentara. El naranja no debutó como

La historia del pigmento naranja empieza en

color independiente hasta que Vincent

la antigüedad, concretamente en el siglo I, en un

Van Gogh y Edvard Munch empezaron a

incendio en el puerto de Atenas. Se dice que en

usarlo de forma habitual en sus obras.

el desastre ardieron unos barriles de pigmento

El naranja es fácil de mezclar, pero es

blanco de plomo y que, cuando los capitanes del

mejor tener uno ya mezclado en la caja

puerto estudiaron los daños una vez apagado el

para pintar con rapidez.

Consejo: el amarillo es muy sensible a las impurezas. Cuando pintes, antes de mojar el pincel en el amarillo asegúrate de que no está manchado con ninguna otra pintura. Al trabajar con este color, emplea mucha agua fresca y limpia.

16

ROJO Y PÚRPUR A De bichos y caracoles

Percibimos el color rojo cuando

Otra fuente de color rojo

una luz de intensidad superior a

la aportó una planta conocida

los 600 nanómetros incide en las

como rubia. Utilizada desde

células fotorreceptoras cónicas de nuestra retina.

la antigüedad, aún la puedes

Pero el color rojo —por lo menos en su forma más

encontrar hoy en día en las cajas de

básica— es de lo más terrenal.

acuarelas en forma de carmesí de alizarina o rosa madder.

La tierra roja que contiene un óxido de hierro

El púrpura, color que los

denominado hematita se ha utilizado desde la época

romanos utilizaban para teñir

neolítica. Según el tono deseado, se puede usar tal y

sus togas, también era difícil

como está, o se puede quemar para obtener rojo indio

de obtener. Antiguamente se

o rojo inglés.

utilizaban las secreciones de un

No obstante, el rojo fuerte no se puede obtener

pequeño caracol de mar para crear

por medio de la simple extracción minera. El rojo ocre

el tinte púrpura conocido como

siempre es un poco terroso, un tono entre el óxido y las

púrpura de Tiro.

hojas de otoño, pero nunca lo que consideraríamos un rojo

En este caso, la proporción de color por bicho era incluso

fuerte. Aunque suene

menos favorable que la de la

raro, durante miles

cochinilla: para obtener unos

de años el rojo

100 gramos de color había

se obtuvo de la

que sacrificar cerca de

cochinilla. Y no

100.000 caracoles de mar.

estamos hablando

Por cierto, a pesar de las

de un solo bicho,

connotaciones que tiene el color rojo

sino de miles: para hacer

como señal de alerta, la mayor parte

unos 100 gramos de color, se necesitaban unas

de los mamíferos no lo pueden ver. En

14.000 cochinillas, que se recolectaban de las plantas

ese sentido, los seres humanos somos

(normalmente en algunos tipos de hierba o en el

la excepción.

nopal). Cuando se secaban y pulverizaban constituían

Sin embargo, los pájaros ven muy

la materia prima para fabricar el púrpura, el carmesí

bien el rojo, lo cual podría explicar por qué vuelan

y el escarlata.

como locos a la fruta roja.

Los rojos y púrpuras más aconsejables para una caja de acuarelas de tamaño medio son: el rojo de cadmio, el carmesí de alizarina, el magenta y el violeta de manganeso.

INTRODUCCIÓN

18

Antiguamente, el azul venía de muy lejos. El índigo de buena calidad provenía de la India y el ultramar brillante solo se podía obtener en Afganistán.

AZUL

De lapislázuli, índigo y añil

Antes, el azul suponía un

del índigo azul apagado producía un olor nauseabundo.

problema para los pintores, no

A partir de la Edad Media, el índigo empezó a traerse

solo por ser un color melancólico

de la India, donde se descubrió una variedad de añil

(de ahí el término inglés blues), sino

que teñía con mucha más facilidad que la variedad

fundamentalmente por su precio elevado. No había nada tan caro como el azul puro, brillante.

originaria de Europa central. Este índigo acabó sustituyendo al añil tradicional. Como color primario para pintar, el azul es irreemplazable. En mi opinión, un buen set de pintura

El azul era el color de los

debe incluir el azul cobalto, el ultramar y el índigo.

príncipes, las estatuas de

El azul turquesa también es conveniente ya que es

madonas vestían túnicas azules

un color difícil de obtener mezclándolo uno mismo.

y, por supuesto, el nombre

P. D.: Se dice que una persona es de “sangre azul”

“azul real” no era una

cuando no ha de trabajar al aire libre, al sol, y a través

denominación casual. Antaño,

de la palidez de su piel se adivinan sus venas.

el azul puro solo se podía obtener de dos maneras: una era mezclar las hojas de la planta de añil con orina y fermentar la mezcla; la otra era obtener el pigmento molido de una piedra preciosa que provenía exclusivamente de una mina afgana increíblemente remota. El ultramar, o lapislázuli, era más preciado que el oro, y, hasta que llegaba a manos de los pintores, tenía que pasar por muchas otras manos. Es decir, que el azul suponía un problema. El azul intenso era prácticamente inalcanzable y la fabricación

Consejo: los azules tienen un color muy intenso y por ello ofrecen una maravillosa gama tonal. Un azul oscuro (como el índigo) puede parecer casi negro, mientras que los tonos más delicados pueden asemejarse al blanco. Por ello el azul es excelente para retratar matices sutiles de color.

INTRODUCCIÓN

20

Consejo: un buen set de pintura necesita por lo menos dos verdes distintos. Dos tonos buenos son el verde savia y el verde Winsor.

VERDE

De plantas y venenos El verde no es solo el color que domina en el paisaje, los árboles y los campos, sino que juega un papel esencial en la marcha de la naturaleza. La clorofila verde que contienen las hojas produce oxígeno, que es lo que hace posible la vida en la tierra. Por ello, no es de extrañar que el verde se considere un color sagrado en muchas culturas. En los lugares en los que el verde escasea en el paisaje, como por ejemplo las zonas desérticas, es un color especialmente apreciado. Aunque el verde se considere el color de la naturaleza, durante siglos se ha asociado también con algo mortífero. En ocasiones, el veneno se retrata en tonos verdes, una asociación que se remonta a la época

Por ejemplo, si pintas un árbol utilizando solamente un verde claro, parecerá de plástico. Así, es conveniente intentar

en que los pigmentos verdes se hacían con óxidos de

romper un poco el verde, sobre

metal, como el óxido de cobre disuelto en arsénico.

todo para cuadros de naturaleza.

En los viejos tiempos, chupar o morder un pincel podía

Prueba a mezclar una pequeña

costar la vida a los pintores.

gota de amarillo o de rojo, el

Hoy en día se especula con la teoría de que fue

color complementario del verde,

el diseño de interiores escogido por Napoleón lo que

en la pintura y tus prados tendrán

acabó por matarlo, ya que el papel pintado de la pared

un aspecto mucho más natural.

de su casa era verde y había sido tratado con un tinte que contenía arsénico. El verde es más difícil de utilizar de lo que puede parecer a simple vista. En un cuadro, si no se mezcla bien puede verse poco natural.

INTRODUCCIÓN

22

INTRODUCIR COLOR EN LOS DIBUJOS

¿A qué responde ese cambio tan impactante que se produce al pasar del blanco y negro al color? ¿Cómo se puede explicar la gran diferencia que hay entre un dibujo y un cuadro?

Exceptuando los dibujos hiperrealistas, la técnica del dibujo resulta más útil para hacer bocetos o modelos de imágenes coloreadas.

En comparación con una pintura, un dibujo puede parecer a veces inusitadamente falto de

La pintura es un medio arriesgado, pero

color, el panorama cambia radicalmente.

también maravilloso. El color es muy exigente y

El color está vivo, está cargado de emoción

enriquece nuestros cuadros con un aspecto sensual.

nuevo. Si echas un vistazo a un dibujo y luego a quiero decir.

pintura es el propio mundo. Así que salgamos de

captar, algo que hace que parezca indeterminado. Podría decirse que al añadirle color nos adentramos

que los colores enfatizan

en el “mundo real”. Esto puede deberse a que los dibujos en blanco y negro operan en un nivel sorprendentemente distante y limitado. Por medio de líneas y contornos, el dibujo

el dibujo. Además de

define el mundo de un modo muy diferente de como lo

crear una sensación

hace la pintura. El dibujo pertenece al ámbito de la

de espacio, la pintura

planificación y el borrador. La realidad es multicolor.

también produce un efecto sensual: la galleta se vuelve apetitosa.

pero un cuadro de una tarta conseguirá que se te haga la boca agua. Un dibujo es un modelo. Una

hecho con tinta o lápiz— tiene algo que es difícil de

en esos lugares en los

Un dibujo de una tarta solo describirá su forma,

una imagen en color, entenderás en seguida lo que Un dibujo —y mucho más si se trata de un boceto

La galleta “cobra vida”

que el dibujo pretende explicarnos algo.

sentimiento. Pero en cuanto se le añade

y nos transporta a un lugar completamente

Dibujar con color añadido

La pintura quiere crear una ilusión, mientras

nuestro escondite.

P R IME R O S IN T E N T O S

24

SELECCIÓN MÚLTIPLE Diseñar es decidir

En pintura, no hay nada correcto o incorrecto. Todas las decisiones de diseño contienen múltiples posibilidades y matices. Por ello, mi consejo es no pensar en términos de resultados, de “cuadros acabados”, sino más bien en En primer lugar, el proceso de diseño implica tomar una serie de decisiones y debemos entender cómo

términos de cientos de pequeños pasos intermedios. En cuanto te pongas en camino, el cuadro

las tomamos. El resultado final evolucionará según el

crecerá solo. Y normalmente las decisiones solo son

camino que decidamos tomar. Más azul, más amarillo.

difíciles de tomar en los estadios iniciales: en cuanto

Es tu obra y solo tú decides lo que esta va a incluir.

empiezas, todo te parece más fácil, y resulta asombroso ver qué fácil puede ser pintar. Con un

Todo eso hace que diseñar una imagen sea, desde

poco de práctica, también llevarás esta facilidad

luego, algo difícil. Los artistas crean mundos y los

a tu siguiente obra, con todas sus innumerables

pueblan con temas. De este modo, toman un sinfín

decisiones.

de pequeñas decisiones: el color de un jersey o de un coche, el tamaño de cada uno de los elementos individuales, la importancia de cada color o forma concretos... Así, tu dibujo será el resultado de una serie de decisiones. Solo quienes la vean desde fuera verán una obra cerrada, acabada. Tú, sin embargo, la percibirás más como una cadena de decisiones que forman parte del proceso creativo. Ahí radica precisamente la dificultad del arte, porque las decisiones a veces son muy difíciles de tomar. ¿Y esto por qué? Nuestra visión general del mundo es lo que dificulta tanto la toma de decisiones. Desde la antigüedad, nuestro modo de ver las cosas ha estado marcado por las polaridades. Pensamos en términos de luz y oscuridad, del bien y el mal, el cielo y el infierno; y suponiendo que todas las monedas tengan dos caras, desarrollamos de modo inconsciente la idea de que todo lo que no sea la decisión “correcta” es “incorrecto”. ¡Basta!

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Cuaderno de Jordania. Medio: rotuladores negros de punta fina y de punta más ancha sobre papel. Las zonas grises fueron unos discretos añadidos rápidos.

Cuaderno de Jerusalén. En este caso se utilizó un rotulador para rellenar las zonas grises (gorra y jersey).

DE LA NOCHE A LA MAÑANA Sombras y luz

Es muy sencillo: las sombras se producen allí donde no incide la luz directa. Esto explica casi todo lo que tienes que saber sobre pintura. Cuando pintes con acuarela, para producir una sensación de espacio lo importante es sobre todo saber pintar las sombras. No te preocupes demasiado por pintar la luz, porque el color más luminoso de una acuarela será siempre el blanco del papel. Los contornos se establecen con el dibujo, y el acabado glasé es lo que une la luz con los contornos. Con el objetivo de practicar un poco y desarrollar un buen instinto en lo tocante a la técnica del glaseado, nuestro primer paso no será apagar la luz usando mucha pintura. Lo que haremos, por el contrario, será empezar con una pequeña sombra. Para este sencillo ejercicio necesitarás un rotulador. Prueba a dar un segundo tono a los dibujos que ya tienes en tu cuaderno de bocetos; un tono medio, por ejemplo. Utiliza un rotulador de un tono medio-gris (como el gris claro) y de punta más o menos ancha para añadir zonas grises al dibujo. Para captar mejor las sombras del modelo real que estás dibujando, prueba a achinar un poco los ojos. Este gesto simplifica tu mirada, intensifica los grises y hará más fácil que puedas copiarlos en el papel. Al hacerlo, descubrirás cómo realzan el dibujo. Además, el glaseado otorga a las formas una sensación de espacio y dimensión y el dibujo adquiere profundidad.

Consejo: un modo de desarrollar tu instinto para las zonas grises o de tonos medios es estudiar viejas fotos en blanco y negro.

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BLACK IS BACK

Glasear con tinta china

A grandes rasgos, la tinta china es como un rotulador mágico de los de antes. Las zonas grises que se pueden crear con un rotulador también pueden hacerse con un pincel y tinta diluida. No solo eso, sino que además la tinta tiene una ventaja añadida muy poco valorada: te evita la necesidad de tener todo un surtido de rotuladores en varios tonos. Con la tinta china puedes mezclar tú el tono y obtener diferentes matices de claro y oscuro. Cuanta más agua utilices, más claro será el tono. Con este método, y con un solo bote de tinta, se pueden crear innumerables tonalidades. Por eso la tinta china es un buen paso intermedio para trabajar con acuarelas, ya que funciona como un glaseado pero también te permite experimentar con tonos y con distintos valores. La tinta china está compuesta por una mezcla de hollín, agua y un aglutinante como la laca, el acrílico o la goma arábiga. Para obtener el color negro, antaño se usaba madera quemada o hierro, y los huesos quemados y el marfil chamuscado daban tonos negros muy oscuros. Para los marrones, se empleaba ceniza de madera de haya, denominada bistre. Otros dos tipos “clásicos” eran la tinta sepia —un marrón elaborado con tinta de sepia— y la tinta de oro, de tonos dorados y elaborada con arsénico y mercurio. Desde luego, estos materiales que suenan tan rústicos son cosa del pasado. Pero pocas cosas han cambiado en el transcurso de las generaciones en lo que se refiere a la funcionalidad y la versatilidad de la tinta como material de dibujo y pintura. El único inconveniente son las manchas de tinta. Quizá por eso los pintores siempre van de negro.

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CAPA A CAPA El glaseado

Los ejemplos del coche y del cubo ilustran cómo se utiliza el glaseado. Dejamos blanca la capa más clara, pintamos la segunda capa, dejamos que se seque y añadimos otra capa por encima de esta para crear zonas oscuras.

A grandes rasgos, el acabado glasé se puede comparar con un par de gafas de sol, en el sentido de que aporta una capa oscura sobre la luz.

Pero demos unos pasos atrás. Como las acuarelas son hasta cierto punto translúcidas, detrás de cada capa de pintura podemos percibir no solo el blanco del papel, sino también

Si te pusieses un par de gafas encima de otro,

todas las capas de color subyacentes. Y como cada

notarías que todo se oscurece un poquito más con

una de ellas es igual que una película de color, las

cada par. El glaseado funciona, básicamente, del

múltiples capas van creando tonos cada vez más

mismo modo: vemos nuestro dibujo (o partes de él)

oscuros. Cuando pintamos dos capas del mismo color,

a través de una capa de color.

una sobre otra, este se va oscureciendo, efecto que se hace más intenso con cada nueva capa que se añade.

Esto es lo que hace que la acuarela sea tan especial. Con cualquier otro medio de pintura, el espacio blanco de apoyo se cubre con medios opacos. En una pintura a la acuarela o un dibujo, este espacio blanco desempeña un papel de gran importancia —si no decisivo— en el glaseado: se convierte en la luz de la pintura, y lo que pintas es la sombra. El autobús escolar también se ha pintado utilizando dos capas de acuarela amarilla. Para las ventanillas se ha empledo un poco de azul.

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MEZCLAR COLORES CON GLASEADOS En pocas palabras, la diferencia principal entre tinta y pintura se hace evidente cuando mezclamos colores. Cuando superponemos capas de pintura, el color se va intensificando progresivamente. Con la tinta, ocurre igual. Pero la pintura hace algo más, se mezcla con otros colores. Si las capas superpuestas son del mismo color, el color, desde luego, se intensificará con cada nueva capa. Pero cuando al glasear empleas colores distintos, estos se afectan unos a otros y se mezclan, creando tonos nuevos. Con la tinta no ocurre esto, y cuando se mezcla así no se obtienen resultados tan buenos. El glaseado es el equivalente del modo “multiplicar” de Photoshop. Imagínate que estuvieses trabajando con cristal o con transparencias coloreadas. Si superpusieras muchas transparencias unas sobre otras, los tonos no solo se verían más oscuros, como sucede con la tinta, sino que se mezclarían. Una capa azul y una capa amarilla superpuestas surtirían el mismo efecto que si se mezclasen los colores en la paleta: darían como resultado el verde. Esto hace que al principio trabajar con acuarelas sea un poco más difícil. Debes pensar no solo en los valores, sino también en los tonos, teniendo en cuenta que los glaseados se mezclan en el papel y crean nuevos colores. Por eso es aconsejable empezar a pintar empleando unos cuantos colores relacionados. Con un poco de práctica, enseguida cogerás el tranquillo y serás capaz de sacarte de la manga mezclas nuevas de un modo relativamente rápido y sencillo.

Consejo: cuando dos zonas pintadas se superponen en el glaseado, la saturación y el color se ven afectados. Las pinturas se mezclan en el papel igual que en una paleta. Por eso el azul y el amarillo en este caso dan verde.

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PR ACTICAR EL GLASEADO Sopa de pescado

Para practicar la técnica del glaseado, un buen ejercicio es pintar tu comida favorita. Hay alimentos de casi todos los colores y tienen la gran ventaja de que su espectro cromático parece natural, no de plástico (esperemos). Por eso, pintar tu plato favorito es un ejercicio ideal. Así que, ¿por qué no pintar una receta antes de cocinarla? ¡Pinta los ingredientes, pinta los utensilios de cocina y pinta el plato resultante! Añade una capa tras otra y observa cómo tus dibujos evolucionan con cada pincelada. Te sorprenderás de cuántos colores contienen, por ejemplo, las escamas de pescado o la piel de una cebolla. Pintar tu plato favorito, como verás, no sirve solo como ejercicio de pintura, sino que también aporta un placer visual y culinario.

Consejo: en la mayoría de los casos, para obtener un glaseado con color y profundidad, dos o tres capas de pintura son suficientes. Acuérdate de dejar que cada capa se seque bien antes de añadir la siguiente.

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LAVADOS

La pintura hace lo que le place Splash, splash. A medida que empiezas a usar una mayor cantidad de agua en tus acuarelas, la cosa se pone interesante. Sin embargo, las dificultades que entraña “abrir el grifo” se harán patentes después de las primeras pinceladas: te darás cuenta de que la pintura hace lo que quiere. No hay manera de controlarla, pero te abrirá un sinfín de posibilidades si eres capaz de dejarla “pintar” a sus anchas. Hay dos técnicas básicas de acuarela: el glaseado y la aguada o lavado. Todas las otras técnicas son, en realidad, combinaciones de estas dos. Glasear, o añadir la pintura a capas, implica pintar con control. El lavado, también llamado en ocasiones aguada, funciona de otro modo. La pintura muy diluida se niega directamente a comportarse con la precisión de un rotulador; se rige más bien por la casualidad. Puede ser que en una parte del cuadro se seque más rápido y en otra haga charcos. Y del mismo modo que la pintura se seca de manera irregular, sucederán otras cosas irregulares en el dibujo. Sin embargo, lo que a primera vista te puede parecer una fea mancha de pintura, es en realidad una preciosa característica de la acuarela. Cuando se acumula mucha agua en una zona y mucha pintura en la otra, se crea una transición cromática difuminada y sutil de la que te puedes beneficiar. En realidad, este fenómeno se asemeja mucho a la forma natural en la que percibimos la luz. La luz

Consejo: los botes o tazas con tapa de rosca (por ejemplo, los botes usados de mermelada o los frascos de pastillas de la farmacia) resultan prácticos cuando se pinta fuera de casa.

aporta sutiles matices intermedios, no es un objeto que está presente (o no) como las bombillas en las lámparas de nuestro salón. Si empleas la técnica del lavado evitarás que tus acuarelas retraten la realidad con graduaciones de color duras y carentes de matices, y ganarás profundidad entremezclando los tonos. Así que… ¡no tengas miedo al agua!

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A LA FUGA Lavados en degradado La pintura húmeda tiene un comportamiento extraño. No se seca de modo predecible como un rotulador, sino que cambia. Unas veces se contrae, otras se expande. Su comportamiento es especialmente peculiar cuando en su camino encuentra más pintura húmeda: entonces los colores se mezclan y crean tonos intermedios, zonas de transición y márgenes. De esta forma, los colores se mezclan sin necesidad de una paleta. Este tipo de comportamiento es precisamente el que necesitamos para crear un lavado degradado en un cuadro. La luz aporta profundidad porque no llega a todas las partes de una estancia del mismo modo. Las zonas donde esta incide quedan iluminadas, las zonas en las que no incide permanecen oscuras. Crea gradaciones de grises y de colores entre el blanco y el negro. Esto es lo que intentamos reproducir con la pintura. Colocamos juntos ciertos colores para crear zonas más oscuras y dejamos —especialmente con las acuarelas— que el blanco del papel asuma la función de las zonas más claras. En el capítulo anterior hemos visto que podemos emplear glaseados para crear matices y transiciones. Ahora vamos a crear tonos intermedios dejando que algunas zonas del cuadro se unifiquen. No importa que para ello mezclemos la pintura o que simplemente aclaremos una zona empleando, por ejemplo, agua. En ambos casos, para crear las transiciones dependemos de la tendencia que tiene la pintura a moverse a su antojo por el papel. En la práctica, esto implica dejar que las zonas pintadas se unan con cuidado allí donde queremos que los colores se mezclen (por ejemplo, para aportar profundidad con dos sombras). Por el contrario, en aquellos lugares donde las transiciones no están indicadas —como entre el vestido y la piel de la bailarina— dejamos un poquito de blanco como borde.

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Técnicas de lavado en el cuaderno de dibujo. Arriba: Cúpula de la roca, Jerusalén. Abajo: Zeche Zollverein, Essen. .

LAVADOS

¡Otra vez, con sentimiento! Al dejar que la pintura se mezcle, la dificultad estriba en alcanzar la proporción adecuada entre agua y pintura. “Eso es fácil de decir”, pensarás. Ojalá pudiese darte una receta para la mezcla perfecta de agua y pintura. Algo como “coge dos cucharadas de agua y cuatro cucharadas de pintura y bátelas a toda velocidad durante 15 minutos”. Por desgracia, tal receta no existe. Insisto, el control es esencial. Tan inútil es usar agua en exceso como quedarse corto. Tampoco ayuda que un color simplemente elimine a otro o se lo coma. Debes desarrollar un instinto especial. Es una combinación entre dejarse llevar y mantener el control. La manera más fácil de aprender es sencillamente intentarlo una y otra vez. Puedes utilizar un pincel de acuarela para aplicar la pintura y retirar la que sobra. Yo normalmente manejo el pincel con la mano derecha y en la izquierda tengo un trapo o pañuelo de papel. Cuando quiero añadir pintura, la mezclo antes con agua. Cuando he usado demasiada, seco el pincel en el trapo y luego lo utilizo para absorber el exceso de pintura del papel. Es sorprendente lo bien que funciona este método.

Consejo: la pintura a la acuarela debe diluirse bien. No puede estar demasiado seca, pero si está demasiado húmeda es difícil de controlar. Con el tiempo, desarrollarás el instinto necesario para calcular las cantidades justas.

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UN TOMA Y DACA

Añadir y eliminar pintura Primero intenta darle intensidad a una zona determinada del cuadro. Moja un poquito de pintura y aplícala con una única pincelada. Ya verás: los colores adquieren intensidad. Si te parece que hay demasiada pintura húmeda en una zona, usa el pincel seco para quitar un poco. Observa el comportamiento de la pintura cuando intervienes de este modo y deja que te sorprenda. Con cada intento aprenderás un poco más. Cuando ya te sientas cómodo aplicando y quitando pintura con un pincel seco, verás que es una técnica muy rápida y muy útil para añadir a tu arsenal. Unas cuantas pinceladas y podrás lograr maravillosos efectos de color, textura y profundidad.

Consejo: también puedes distribuir la pintura húmeda sosteniendo el papel en ángulo. Si lo inclinas un poco, conseguirás que las zonas pintadas se mezclen unas con otras.

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HÚMEDO SOBRE HÚMEDO

Llevar la técnica de lavado degradado al extremo es lo que se conoce como “húmedo sobre húmedo”. En esencia, el método funciona tal y como su nombre indica: la pintura húmeda se añade directamente sobre una base húmeda.

Nubes en húmedo sobre

Esta técnica se usa normalmente para temas que

húmedo.

tienen bordes borrosos y fluidos, como el cielo, las

Colores utilizados: ultramar e

nubes, el aire y el agua. Para ser sincero, el húmedo

índigo para el cielo, mezcla muy diluida de ocre oscuro y ultramar para las sombras de las nubes.

sobre húmedo puede resultar un poco kitsch. Pero también hay algo bello en la vaguedad de esta técnica, porque el ambiente, el color y el tono no se pueden transmitir igual de bien con ningún otro método. Para el húmedo sobre húmedo empapamos completamente el papel con agua —si quieres puedes teñirla con un poco de color para obtener un tono de base— y a continuación añadimos la pintura directamente sobre la superficie mojada. Esto crea zonas difuminadas cuyo control y dominio exige cierta práctica. La pintura se extiende suavemente y todas las transiciones transmiten una naturalidad sorprendente. La mayor dificultad del húmedo sobre húmedo estriba en aclarar todos los contornos de las formas y hacer que lo que era “insípido” vuelva a adquirir solidez. ¿Y esto cómo se hace? Un modo de hacerlo es esperar a que la pintura esté casi seca para solidificar las formas usando el pincel. Otro método eficaz es dejar pequeñas zonas de blanco entre las áreas pintadas para evitar que los colores converjan. Pero lo más sencillo es utilizar húmedo sobre húmedo en los estadios iniciales del

Consejo: al aplicar la técnica de húmedo sobre húmedo notarás que la acuarela parece que resplandece mucho más, algo característico de este tipo de pintura. Sin embargo, la intensidad del color se perderá un poco cuando se seque. Lo mejor es tener esto en cuenta de antemano y usar un poco más de pintura desde el principio.

cuadro. Primero se utiliza esta técnica para crear un ambiente nebuloso y vago y luego, cuando la pintura se seca, se añaden los detalles más específicos del cuadro. El húmedo sobre húmedo se convertirá en tu fiel aliado a la hora de pintar cuadros cada vez mejores.

Lonja de pescado en Corea: para esta imagen, primero humedecí la superficie entera y utilicé una técnica de húmedo sobre húmedo para que los colores se deslizaran sobre ella. Dejé algunos detalles en blanco, como la cara de la mujer o las letras, y les añadí color más tarde.

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COMBINAR TÉCNICAS Un poco de esto y aquello Si te limitas a emplear exclusivamente una de estas dos técnicas, el glaseado o el lavado, pronto te darás cuenta de que, por separado, y por muy prestigiosas que sean, ni cubren todas tus necesidades. A estas alturas es muy probable que ya hayas comprobado que cada una tiene sus ventajas, pero que no sirven para solventar según qué problemas pictóricos. El lavado es un método ideal para crear transiciones y obligar a los colores a que se mezclen, mientras que el glaseado es mucho más apropiado para delimitar y tratar zonas específicas o reproducir texturas. ¿Qué hay que hacer? Mi solución es tirar por la borda la idea de “una sola técnica”. Alcanzarás tu objetivo mucho antes si combinas los dos. Por ello, mi consejo es que te olvides de la técnica pura y que pruebes un poco de esto y de aquello. Normalmente, cuando un lavado ya está seco aguanta muy bien otra capa de glaseado, que sirve para matizar y definir mejor el tema de la composición. El resultado final del cuadro también mejorará si dejas que en algunas zonas los bordes del glaseado se mezclen con partes aún húmedas del lavado. A primera vista esta alternancia de técnicas puede parecer poco ortodoxa, pero es precisamente su combinación lo que da vida a la acuarela.

Consejo: combina técnicas de lavado y glaseado. En el ejemplo de la izquierda se añadió un lavado y luego se acentuó con elementos glaseados.

¿DE DÓNDE VIENEN LOS COLORES? Ciencia básica

Los colores pueden acariciarnos o atacarnos.

está compuesto de todos los colores, que, vistos todos

Pueden superponerse para crear puestas de sol

juntos, parecen blancos. Cuando una superficie se

o incluso incrementar el precio de un coche. Los

traga todas las partes de un rayo que incide en ella y

colores son completamente maravillosos, pero la

refleja, por ejemplo, solo las partes azules, vemos azul.

respuesta a la pregunta de qué son en realidad aún no

Únicamente percibimos los elementos del rayo de luz

está del todo clara.

que no se absorben. Por eso, que veamos un color u otro depende

¿De qué está hecho eso que da vida a nuestro mundo?

de la forma que tiene de absorber los rayos de luz

Demos paso a la ciencia: la luz del sol, producto de una

cada superficie en concreto. Puede resultar difícil

fusión de hidrógeno que ocurre a millones de grados,

imaginárselo, pero a nuestro alrededor todo está

contiene una mezcla de ondas electromagnéticas.

iluminado con miles de millones de elementos que

Como sucede con el calor o los rayos ultravioletas,

se lanzan por el espacio e iluminan nuestro mundo

nos llega en primer lugar como parte de una oleada

o —por decirlo de un modo más poético— crean una

de energía. Los colores que vemos proceden de esas

explosión de rojo, azul o amarillo, dependiendo de qué

ondas electromagnéticas. Son elementos minúsculos

alcancen.

que atraviesan veloces el espacio como trozos de una

A lo mejor es un tópico, pero hay un par de razones

onda más grande y que, al encontrarse con nuestros

que explican la gran diferencia que existe entre los

ojos, desencadenan señales eléctricas en nuestros

colores que vemos y los colores que usamos para

nervios ópticos. Pero ¿qué determina cada color?, ¿por qué son rojas las manzanas?, ¿por qué es azul el mar? Tras su viaje por el espacio, la luz llega aquí como una onda de energía con un espectro visible y uno invisible. Al principio, toda la parte visible del espectro aparece blanca. Los colores no entran en juego hasta que el espectro no se encuentra con una superficie, pongamos por caso una molécula de agua, un trozo de carbón o una manzana. En ese momento, el rayo de luz que hasta entonces era blanco se absorbe o se refleja. Cuando el rayo de luz se absorbe completamente, las

pintar. Esto también es un fenómeno físico: el color

superficies nos parecen negras, y cuando se refleja

luminoso y el no luminoso (o de superficie).

del todo nos parecen blancas. En algunos casos, sin

Podemos ver que la luz blanca contiene todos los

embargo, algunas partes del rayo de luz se reflejan y

colores cuando, en su camino desde las nubes, de

entonces vemos un color en concreto. Cada rayo de luz

pronto se rompe para formar un arcoíris. Debido a este

fenómeno de refracción, la luz se fragmenta en cada

mayor del espectro, lo cual hace los colores más

uno de los colores posibles.

oscuros.

Pero el reflejo y la absorción de las ondas de luz no lo explica todo. En términos físicos, la luz de color y los

Pero ya basta de teoría. Te voy a contar un secreto. La clave para entender

colores que empleamos para pintar son cosas muy

y saber usar los colores no radica tanto en conocer

distintas.

su estructura o cómo llegan a nuestro mundo sino en

Para comprobar la diferencia basta con mezclar

entender cómo los percibimos y qué significan para

pintura de distintos colores. Cuando mezclas los

nosotros. La teoría siempre será teórica, pero la

colores entre sí te das cuenta de que siempre que

práctica es multicolor.

añades un tono nuevo la mezcla se oscurece. Cuantos más colores utilices, más oscura resultará la mezcla (en realidad, si mezclases todos los colores de la caja, obtendrías un color casi negro). Curiosamente, la luz de color se comporta exactamente al revés. Si mezclases luz de color, todos los colores del espectro se acabarían uniendo para crear una luz blanca. Puede parecer extraño, pero esto explica mucho sobre la estructura de los colores. La luz es energía. A medida que añades un color de luz diferente, tal y como una estancia iluminada se hace más resplandeciente, el espectro de color se hace más completo, produciendo así una luz blanca brillante. Como he dicho, en los colores “sólidos” (como los de una manzana o las pinturas de una caja) se da el fenómeno contrario. En estos casos, el color viene determinado por las partes específicas de la onda de luz original que se reflejan. Recuerda, el color es lo que queda cuando se absorbe parte del rayo original. Cuando mezclamos pintura, estamos contribuyendo a crear la sustancia que absorbe el espectro. Por supuesto, esto lleva a que se absorba una parte aún

Consejo: la diferencia entre colores luminosos y no luminosos se ejemplifica muy bien en la impresión. Los colores mezclados de nuestras pantallas son aditivos, o lo que es lo mismo, una mezcla de colores luminosos. Por el contrario, los colores impresos o pintados sobre el papel son sustractivos, es decir, una mezcla de colores no luminosos.

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Rueda cromática según Goethe, 1809 (detalle).

Abajo: rueda cromática de Newton de 1704.

Arriba, izquierda: rueda cromática simplificada hecha de colores primarios y secundarios.

ORGANIZAR LOS COLORES

Arriba, derecha: rueda cromática de Itten. Los colores primarios están en el medio y junto a ellos están los colores secundarios rodeados por un círculo de colores primarios, secundarios y terciarios.

La primera rueda cromática apareció en un libro médico

ejemplo, nuestro color de luto es el negro, mientras que

publicado en Inglaterra a finales de la Edad Media.

en Japón la pérdida se simboliza con el color blanco.

Su autor, Robert Fludd, recomendaba su uso para detectar anomalías en la orina de los pacientes.

Entonces ¿por qué necesitamos un sistema para organizar el color? Un vistazo a tu caja de pinturas te dará la

Los primeros estudios certeros sobre la naturaleza

respuesta.

del color se los debemos a Isaac Newton, que fue

La sistematización

el primero en relacionar luz y color. En 1704 publicó su rueda de color de Opticks (izquierda), en

facilita el trabajo. La

la que organizaba los colores primarios en círculo,

rueda de color es de

poniendo los colores complementarios entre cada

gran ayuda porque

primario y obteniendo así una rueda cromática

proporciona un

de aspecto muy moderno, aunque incluía siete

sistema simple y fácil de entender que nos

colores en asimetría.

permite derivar los

Otro ejemplo, la muy citada rueda simétrica

contrastes y las armonías

de color de Goethe,

de color. Por ejemplo: en

representaba seis colores. Durante

la rueda de color los colores complementarios siempre

toda su vida,

están enfrente unos de otros.

Goethe —quien, por cierto,

Además, la mayoría de los sistemas de armonía de color también se basan en la rueda cromática. La rueda cromática no solo organiza, sino que

consideraba

también cartografía la percepción humana de los

su trabajo

colores.

en ciencias

La rueda de color más útil para nuestros propósitos

naturales, y no

es una versión simplificada de la que diseñó el profesor

en poesía, su obra

de la Bauhaus Johannes Itten (ver arriba). Su modelo

definitiva— se opuso

consistía en tres colores primarios (rojo, amarillo y azul)

con vehemencia a las enseñanzas de Newton.

y sus combinaciones (colores secundarios) de naranja,

Arguyó que los colores están asociados con estados

verde y púrpura. El anillo exterior incluía la combinación

emocionales (“la razón y la bondad son amarillos”),

de tonos primarios y secundarios, llamados colores

teoría que, aun siendo interesante, no gozó de mucha

terciarios. Sin embargo, para nuestro trabajo, el modelo

aceptación, ya que nuestra percepción de los colores es

simplificado de seis colores que reproducimos a la

sumamente subjetiva. Newton, por su parte, sí iba bien

izquierda es suficiente.

encaminado con su análisis exclusivamente científico de los colores. Vocablos como “belleza” y “estética” tienen mucho que ver con la cultura en la que vivimos. Por

Volveremos luego sobre esto.

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Consejo: los colores complementarios son aquellos que percibimos como más desiguales y por eso se ubican en lados opuestos de la rueda cromática.

CONTRASTES DE COLOR Los opuestos se atraen Los contrastes crean diferencias llamativas: pequeño

cuanto se mezclan los tonos; como vecinos, los colores

y grande, frío y caliente, negro y blanco. Podemos

complementarios se intensifican mutuamente.

utilizarlos para enfatizar nuestros dibujos. Piénsalo:

Cuando se mezclan, se neutralizan unos a otros.

un gigante no parece muy grande a no ser que lo

La teoría del color define siete tipos de contrastes,

pongamos junto a un niño. Solo podemos conseguir una

“los siete magníficos”, que puedes utilizar para resaltar

noche muy oscura si está junto a un cielo estrellado.

e iluminar tus dibujos.

En otras palabras, utilizamos elementos opuestos

1. Contraste luz-oscuridad es el efecto de contrastar

para hacer que se intensifiquen mutuamente. Para

los brillos, especialmente en el negro, el blanco y los

las pinturas que no están muy pigmentadas, como la

grises.

acuarela, es un buen truco.

2. Contraste cálido-frío es el resultado de contrastar

Los colores complementarios se intensifican

colores cálidos y fríos en la misma composición.

mutuamente. Por eso, si queremos acentuar,

3. Contraste de color puro es el efecto de contraste que

por ejemplo, el tono de una puesta de sol de un

se da entre los colores puros que no se han mezclado

naranja fuerte, basta con añadir un poco de azul

con otros.

complementario en las sombras que pintemos en

4. Contraste de calidad es el efecto que se da en

primer plano. Las fresas rojas parecen mucho más

aquellas superficies que se tratan de modo distinto;

frescas con tallos y hojas verdes. Y un pequeño toque

por ejemplo: zonas luminosas y difuminadas, saturadas

de púrpura resalta considerablemente un dibujo

y no saturadas, definidas con precisión y borrosas, etc.

dominado por amarillos y naranjas. En definitiva,

5. Contraste de cantidad es la oposición entre

cuando ponemos colores complementarios unos junto

superficies coloreadas de distintos tamaños.

a otros, sus tonos y su brillo se intensifican.

6. Contraste simultáneo es el efecto recíproco que los

Ahora bien, si mezclamos directamente colores

colores adyacentes ejercen entre sí.

complementarios este efecto iluminador desaparece.

7. Contraste complementario es el efecto intensificador

Si mezclamos rojo y verde obtendremos un marrón

de los colores complementarios colocados juntos.

oscuro; el púrpura y amarillo o azul y naranja también dan como resultado tonos marrones grisáceos. Es como si el intenso efecto de los colores complementarios se invirtiese por completo en

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TIPOS DE COLOR

De South Park a los semáforos Cuando hablamos de colores, vale la pena analizar primero de qué manera podemos utilizarlos. Básicamente, distinguimos tres tipos de color: color local, color iconográfico y color verdadero. Lo primero es lo primero. De los tres tipos, el color local es el más sencillo de todos: crea una imagen

comics suelen usar con profusión este tipo de color. La

gráfica simple, sin gradación de sombras que puedan

chaqueta del Tío Gilito es de un rojo plano, no supeditado

añadir profundidad. La luz y las sombras no tienen

a luces ni sombras ni matizado por diferentes tonos. Del

cabida: la hierba es verde y el cielo es azul. Los

mismo modo, el cohete de la portada de Hergé o la ropa de los personajes de South Park no aparece en distintos tonos. El color del objeto simplemente se transfiere en dos dimensiones a la imagen, sin cambios. El color local es una buena herramienta de trabajo cuando queremos que las cosas sean sencillas sin renunciar por ello a un efecto llamativo, o simplemente cuando no tenemos tiempo para mezclar las pinturas. En lo relativo al esfuerzo, el color local te da el máximo rendimiento: es sencillo pero a la vez transmite con precisión la naturaleza del tema o sujeto escogido. El segundo tipo de color, el color iconográfico, va en otra dirección completamente distinta, sin preocuparse de la apariencia externa del color. El color iconográfico apela al significado social de un tono (la palabra griega eikon significa “imagen”, la palabra graphein significa “escribir”). El color iconográfico es un viejo principio que, curiosamente, desde el punto de vista contemporáneo se antoja arcaico y moderno a la vez.

Este tipo de color tiene que ver más con el significado de los colores que con la apariencia real del sujeto o tema retratado. El color iconográfico relaciona tonos con contenido o significado. Por ejemplo, en la época medieval la pintura más cara era la azul. El pigmento azul era algo precioso porque provenía de las lejanas minas de lapislázuli de Afganistán y era tan caro como el oro. También era sinónimo de calidad y rango: los reyes iban vestidos de azul (de ahí viene la expresión “azul real”) y en las imágenes de la época, la Virgen María siempre lleva un manto de este color. Por aquel entonces en pintura también se utilizaba el oro, y no un simple color dorado: los artistas pintaban con polvo de oro. Por tanto, en los cuadros de esta época asociamos el azul y el dorado con la opulencia y la luminosidad. Al asociar el color con un significado, abrimos otro nivel de interpretación al espectador. Este principio asociativo aún existe hoy en día. Piensa en los colores de los partidos políticos, los colores de duelo, el verde de los semáforos o términos como “barrio rojo”. Todos son ejemplos de color iconográfico.

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COLOR VERDADERO El efecto de la luz

Las cosas se complican más con el color verdadero,

la luz sobre el color y la verdadera impresión de

que usamos cuando queremos pintar “en condiciones”

ambos en el artista.

o intentamos retratar la realidad tal y como se nos

A priori, parece que el uso del color verdadero

ofrece. En este caso los colores ya no son meras

debería ser sencillo, pero la cosa se complica porque

zonas planas, sino que están sujetos a la influencia

puede ser completamente subjetivo: cada uno de

de la luz.

nosotros parece tener una idea muy clara del aspecto que deberían tener las cosas, pero, por extraño que

En general, desde el Renacimiento toda la pintura ha

parezca, esta imagen pocas veces se corresponde con

intentado captar la ilusión de la luz y el espacio

su apariencia real.

haciendo uso del color verdadero. El cuadro La joven de la perla (abajo) es un ejemplo clásico de esto. Deja patente la influencia de

Nos parece evidente que un tomate es rojo y que tiene un tallo verde, y nos arriesgamos a pintarlo de esta manera. Si lo hacemos, acabará pareciendo de plástico. Con demasiada frecuencia, pintamos las cosas como nos imaginamos que son y no como las vivimos a partir de la observación. Aprender a ver como pintor es un primer paso esencial. El color verdadero nos obliga a mirar. En el mundo real,

Los retratos aparentemente realistas se suelen crear a partir de estudios de modelos reales y no de la

los colores no son los campos planos y delineados propios del color local. Si te fijas bien, te darás cuenta de que el aspecto de un color depende en realidad de los juegos de luz y sombra. El rojo del tomate no es solo rojo. Puede que la piel del tomate tienda un poco hacia el púrpura en la zona de sombra

imaginación. Hacer

y puede que el verde del tallo no sea solo verde hierba

uso de esta práctica

sino que refleje otros colores de su entorno. Los

nos enseña a

contrastes de color, en concreto, no parecen recortes

observar y a ver.

de distintas procedencias, sino que en realidad funcionan juntos. Si incorporas estas observaciones a tus cuadros, tus obras empezarán a tener vida propia y a parecer creíbles y armónicas. Pero claro, los cuadros no son fotografías…

Ejemplo de color verdadero Se pintan los colores tal como se ven.

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CADA COLOR CUENTA UNA HISTORIA Intensificar los dibujos Asumámoslo: nadie te puede obligar a aplicar colores a un dibujo exactamente tal y como los ves. Esta es una de las ventajas de la pintura frente

Tu dibujo está hecho exclusivamente de los fragmentos que quedan de tus impresiones. La realidad exacta, verificable, no existe ni por

a la fotografía.

un segundo.

Por supuesto, querrás darles a los elementos

la luz habrá cambiado y nadie volverá para comprobar

formales de tu cuadro un pequeño empujoncito, pero,

si el rojo era tan rojo. Lo que importa es cómo lo

insistimos, todo lo que retratas es más que su forma

percibes. Si lo que te gusta es medir, pesar o contar,

externa y su superficie. Toda silla tiene una historia,

entonces el arte no es el medio indicado para ti.

Cuando te vayas a casa, el pájaro habrá volado,

todo paisaje puede transmitir una emoción. Por eso tiene sentido intensificar los elementos narrativos de

Así que agarra el momento antes de que vuele y se lleve consigo todos los colores.

una imagen, y el color es un buen lugar para empezar. Deja que los colores te digan cosas. Lo más probable es que en la vida real la mujer del ejemplo de la izquierda no tuviera el pelo de un rojo tan llameante, ni el hombre que bebe en el cuaderno de la derecha la boca tan roja. Pero en arte esto no es problema. Incluso si el color de un sujeto no es de un rojo tan fuerte como parece, exagerar tu percepción te puede ayudar a transmitirlo. Es simplemente una cuestión de lo que significa para ti. Quizás intensificar un color tiene sentido en tu dibujo y cuenta una verdad visual que una fotografía no sería capaz de transmitir.

Una página de mi cuaderno dibujada de madrugada en una vinoteca. Incluso si el hombre no tenía una complexión tan roja en realidad, tiene sentido narrativo describirla de este modo en la imagen.

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LOS EFECTOS DE LOS COLORES Todo es relativo

Si te pidiese que retratases la pasión, la emoción y la

lo acompañe. Al lado del rosa, por ejemplo, el rojo

calidez, probablemente pintarías un cuadro dominado

nos sonríe amistosamente. Pero al lado del negro nos

por el rojo. El rojo representa el sentimiento y la

golpea con fuerza.

emoción. El rojo es el color del amor.

Nuestra historia evolutiva puede ofrecer una explicación para esto. En realidad, nuestro cerebro no

Pero, curiosamente, seguro que también me creerías

está “programado” para percibir los colores de manera

si te dijese que el rojo puede simbolizar odio, violencia

aislada, ya que estos no se dan prácticamente nunca

y hostilidad. ¿Una contradicción?

aislados en la naturaleza, sino que casi siempre se

Lo mismo se puede decir del verde. Desde luego,

nos presentan en relaciones complejas. Por ejemplo,

el verde representa esperanza, armonía y fiabilidad.

el rojo de una cereza en un cerezo está conectado al

El verde se suele considerar el color de la primavera

verde de las hojas o al marrón del tronco del árbol.

y el rejuvenecimiento. Por otro lado, el veneno también

Tanto si hablamos del rojo de la sangre de una herida

suele representarse con ese mismo color, al igual que

o del rojo del fuego, el entorno del color siempre es

la falta de experiencia o la inocencia. Fijémonos en el

distinto. Por lo tanto, dependiendo del contexto, un tono

azul: claridad, lealtad pero ¿también depresión?

puede sugerir asociaciones positivas o negativas. Esto

Visto de cerca, todo lo que creíamos saber sobre

también explica por qué la observación de colores

el color se vuelve paradójico. ¿Por qué algunos

aislados da una impresión extrañamente abstracta.

colores pueden evocar al mismo tiempo sentimientos

Cuando los colores se desvinculan y se separan

radicalmente opuestos?

de otros, se convierten en un lienzo en blanco para

En realidad, la respuesta se encuentra en los

nuestros pensamientos y pueden provocarnos

demás colores de la composición. Que el rojo transmita

cualquier tipo de sentimiento. Por el contrario, si

agresividad o el verde implique esperanza no es

los colores están entretejidos con tonos o imágenes,

una cuestión que atañe únicamente a estos tonos.

conllevan asociaciones.

Los colores pueden tener sus propios efectos, pero los

Esto nos permite entender por qué el rojo puede

colores que los rodean también influyen sobremaner

significar amor y también odio. Así que hay razones

a en cómo los percibimos. Por ello, que el rojo sea o

suficientes para que miremos más de cerca los

no agresivo dependerá en gran medida del color que

contextos del color. Nada, ni siquiera los colores, es una isla.

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Consejo: la percepción de la belleza y de contextos cromáticamente bellos también está vinculada a la cultura. En Asia o en la India se consideran bellas composiciones de color muy diferentes de las que se aprecian en Escandinavia, por ejemplo. La apreciación del color siempre depende del contexto cultural desde el que percibe el individuo.

ARMONÍAS DE COLOR Sencillas y complejas

Entonces, ¿qué colores van bien juntos? Como sucede con todas las preguntas candentes de la vida, Internet ofrece una respuesta sorprendentemente sencilla: generadores de color. Existen webs que te permiten introducir colores y, mediante un programa, generar los tonos que combinan bien con ellos. El resultado funciona y es atractivo. O sea, que puedo dejar de escribir sobre esto. Es decir, si trabajamos exclusivamente con color en pantalla, estos generadores funcionarán muy

Rueda cromática:

bien, igual que las tablas de mezclas o las ruedas

Disco de cartón para mezclar colores. Con un

cromáticas.

“generador de armonías” al otro lado (triádicas,

Pero en la vida real, para imágenes reales, estas

tetrádicas y complementarias divididas).

herramientas son solo una ayuda. Pintar un cuadro no consiste únicamente en componer de forma calculada unas cuantas zonas de color, sino que exige manejar sistemas de color complejos. Enseguida te darás cuenta de esto cuando dibujes.

A pesar de toda esta teoría, me gusta pensar en el color como un sentimiento. El mundo no está hecho de superficies planas, esquemas y dibujos mecánicos

La imagen se transforma con cada pincelada. Por

calculados: está hecho de olores, sonidos, texturas

ejemplo, cuando aplicas un segundo color junto

y sabores.

al que ya tenías, el efecto del primero cambia inmediatamente. Los colores relacionados se

El mundo está hecho de luz y de color. Por tanto, examinemos primero las armonías de

atenúan mutuamente, los colores complementarios

color, empezando con las que nos encontramos con

se intensifican.

más frecuencia en la pintura.

Aspectos como la intensidad del color y el tamaño de una zona coloreada desempeñan un papel fundamental en la pintura. En definitiva, cuando pintes, estarás lidiando con sistemas complejos de color que las herramientas digitales solo nos pueden presentar brevemente.

Generador de color de Internet (monocromático).

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ARMONÍAS ANÁLOGAS, MONOCROMÁTICAS Y COMPLEMENTARIAS La manera más sencilla e ingeniosa de crear colores armónicos en una composición consiste en usar tan pocos colores como sea posible. Empleando un solo color no hay margen de error. Así, por ejemplo, puedes combinar un tono más claro o uno más oscuro con tu color principal. De esta forma obtendrás una armonía monocromática. Te aseguro que así conseguirás casi siempre colores armónicos. También que los resultados serán la mayor parte de las veces poco espectaculares. Las imágenes monocromáticas a menudo parecen haber

La coloración de la estatua maya solo incluye un tono. Por eso se denomina armonía monocromática.

sido pintadas en la niebla. Sin duda el resultado será más interesante si combinas el color principal con dos o tres colores adyacentes en la rueda cromática. Esto se llama armonía análoga. Cuando unos de estos tonos domina ligeramente a los otros, esta combinación enseguida tiene una apariencia armónica. Pero obtener un bonito retrato de familia no pasa solo por colocar juntos a los parientes. Los opuestos también pueden quedar bien. Si empleas colores complementarios en distintas proporciones (como una pequeña mariquita en una gran hoja verde), el efecto puede parecer armónico. La transición entre tonos complementarios también produce armonías (como en el ejemplo de la izquierda, donde la oscuridad separa los colores complementarios azul y naranja). Puede que sea un poco difícil meterte en la cabeza las armonías complementarias, pero su efecto es sorprendente y mágico.

Consejo: una variación de la armonía complementaria es la armonía complementaria dividida. En lugar de depender del complemento de un color, los sistemas complementarios divididos emplean los colores que están a la izquierda y a la derecha del color complementario (tal y como aparecen en la rueda cromática). Por ejemplo, una tríada complementaria dividida podría ser verde con naranja rojizo y púrpura rojizo.

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ARMONÍAS TRIÁDICAS Y TETR ÁDICAS

Estos términos parecen sacados de La guerra de

las galaxias, pero no te asustes. Las palabras triádico y tetrádico, aunque suenen inquietantes, quieren decir que los colores están situados a intervalos fijos en la rueda cromática. Las armonías triádicas se refieren a tres colores y las tetrádicas a cuatro. Imagínate un triángulo o un cuadrado en medio de la rueda cromática de doce colores (que incluye los colores primarios, secundarios y terciarios). Cada vértice descansaría sobre colores que son armónicos entre sí. En la práctica, esto solo significa que los colores que están a la misma distancia en la rueda cromática generan espectros de color más armónicos que aquellos organizados en torno a distancias distintas entre sí. Una cosa más: A pesar de toda esta teoría del color, siempre hay cosas que encajan con facilidad en cualquier estructura. Hasta los colores chillones pueden resultar maravillosos en armonías análogas, triádicas y tetrádicas. En mi opinión, mucho de esto es sencillamente cuestión de gustos y depende de qué y cómo pintemos. Quizás una página repleta de mariposas de colorines alegres sea bella y armónica porque las mariposas son un tema bello y armónico, independientemente del color del que las pintemos. Así que no cumplas siempre las normas. Si sales por ahí equipado solo con herramientas de color y ruedas de mezclas podrías perderte unas vistas preciosas.

Consejo: una regla de oro es que si dos colores producen un color marrón o gris apagado al mezclarse, entonces es posible que armonicen bastante bien al usarse por separado.

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ARMONÍAS FRÍAS-FRÍAS Y CÁLIDAS-CÁLIDAS Los nombres “colores fríos” y “colores cálidos” son

parecen más cálidos (por ejemplo, el ultramar

un poco equívocos. Desde luego, los estudios han

con tintes rojos) y otros que parecen más fríos (por

mostrado que las habitaciones pintadas con tonos rojos

ejemplo, los tonos azules con un brillo turquesa).

o naranjas les suelen resultar a sus ocupantes unos

Cuando compras una caja de acuarelas, los tonos

grados más cálidas que las habitaciones blancas. Del

ya están clasificados en fríos y cálidos. Normalmente

mismo modo, en un entorno azul o verde tendemos a

en esas cajas suele haber una versión fría y otra cálida

sentir más frío, independientemente de la temperatura

de cada color.

ambiente.

A menudo aprovechamos los efectos cálidos y fríos de los colores para transmitir una emoción concreta

Esta reacción tiene que ver, probablemente, con

en nuestros cuadros. Evidentemente, solemos escoger

nuestro proceso evolutivo, y se ha transmitido desde

colores cálidos para crear un ambiente amistoso y

la época en que nuestros antepasados se sentaban

acogedor. O, por ejemplo, si necesitamos evocar una

junto al fuego: los colores que nos recuerdan a fuentes

emoción melancólica, puede que recurramos a colores

de calor nos parecen más cálidos, mientras que los

fríos.

colores que nos recuerdan a la nieve, el agua o la

Recuerda bien esta regla tan sencilla: los

lluvia parecen fríos. De ahí que el rojo, el naranja y

colores fríos siempre parecen armónicos cuando

el amarillo surtan un efecto más cálido en nosotros.

los combinamos con otros colores fríos y los colores

Dentro de cada familia de color también hay tonos que

cálidos son armónicos con otros cálidos.

tienen un efecto más frío o más cálido. Hay azules que

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Farbklänge finden sich unterwegs. Unten: Farbskizze der Stadt an einem Abend in Frühsommer.

COLECCIONAR COLORES Las armonías de color no forman parte únicamente de la teoría del color, sino que también se pueden encontrar en el día a día de la vida real, un poco al modo en que Juan descubre por casualidad la casa del gigante en el cielo (y también su riqueza) en Juan

y las habichuelas mágicas. Las acuarelas se pueden emplear fácilmente para esbozar armonías de color, y prácticamente en todas partes descubrirás combinaciones que merece la pena guardar. Al igual que los dibujos de tu cuaderno, estas mezclas se pueden desarrollar más tarde y con más precisión en otras obras. Reúne en tu cuaderno una colección de posibles combinaciones de color que te gusten e intenta reciclar alguna de ellas en nuevos cuadros y dibujos. Yo pienso en esto como si se tratase de recordar la melodía (o los acordes) de una canción para después tocarla con una letra nueva (por algo se llaman “armonías de color”). Así que ya sabes, a por ellas. Encontrar combinaciones bonitas y estimulantes es gratis. Solo tienes que abrir los ojos.

Consejo: desde luego, también puedes recopilar armonías cromáticas de revistas, fotografías o cuadros. Cuando se sacan de contexto, dan lugar a algo totalmente nuevo.

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Consejo: la ventaja de los códigos de color, o códigos de barras de color, es que puedes ver de antemano qué colores funcionan de forma armónica y cuáles no.

DISEÑAR ARMONÍAS DE COLOR Trabajar con tiras de códigos cromáticos Por supuesto, también puedes inventar tus propias armonías de color. Los códigos de color (muestras de color que representan cada una un tono distinto dentro de una combinación general) son sumamente útiles y proporcionan de un solo vistazo una impresión general de un esquema de color. Esta herramienta es sumamente útil y se emplea a menudo en producción cinematográfica, por ejemplo para probar por anticipado el efecto de la combinación de colores de un decorado. Cuando estás planificando un cuadro, un diseño o una ilustración es conveniente tomar previamente notas de los colores para no tener que diseñar las combinaciones cromáticas directamente en el dibujo de preparación. Es mejor que intentes “ensayar” primero el cuadro. Empieza dibujando unas cuantas tiras de los colores que estás seguro que quieres utilizar, y a continuación añade gradualmente otros colores que creas que son armónicos. Es mejor que utilices dos hojas de papel: una de borrador para mezclar colores y probar cosas y otra para tus códigos de color. La armonía resultante puede servir de modelo para el cuadro que quieres pintar. La técnica de las tiras de colores no solo te permite probar por anticipado las combinaciones de colores, sino determinar qué cantidad de cada color va a aparecer en el cuadro. Cuantas más tiras del mismo color tengas en tu código de color significará mayores zonas de color en la obra final. Te darás cuenta de lo valioso que es el papel de borrador cuando empieces a crear combinaciones de colores.

Consejo: ten a mano papel de borrador. Organizar primero las armonías de color te pondrá las cosas mucho más fáciles.

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SAL DE TU ZONA DE CONFORT CROMÁTICA De igual manera que uno tiene una música o una comida favorita también tiene unos colores predilectos que utiliza una y otra vez. A mí, por ejemplo, me encanta el índigo; me gustan también el amarillo Nápoles, el rojo, el azul montaña y el turquesa. Tener colores y armonías de color favoritos es natural; todos los artistas tienen sus paletas personales. Échale un vistazo a tu caja: ¿qué pinturas estás siempre reponiendo y cuáles te duran mucho? Los colores favoritos son aquellos cuyos pocillos o tubos están siempre vacíos. Por un lado, preferir un color u otro es cuestión de gustos, pero también tiene que ver con la comodidad: nos sentimos a gusto con colores que nos resultan familiares. Y lo que pasa con la comodidad es que nos cuesta salir de ella. Por eso, “otros sitios” quedan sin explorar y no los frecuentamos con asiduidad. La comodidad es comprensible pero peligrosa para los artistas. Si miramos a nuestro alrededor, nos damos cuenta de que otras combinaciones de color que no nos resultan tan familiares también son magníficas. Te aconsejo que de vez en cuando des un rodeo y salgas de la carretera principal que son tus colores favoritos para adentrarte en las vías secundarias. Deja que la moda, las películas o las revistas te den nuevas ideas; fíjate en las armonías de color de otros artistas o copia algunas de la naturaleza. Verás que las armonías de color desconocidas pueden inspirarte y abrirte nuevas perspectivas. ¡Y si te quedas bloqueado del todo, intercambiar cajas de pintura con alguien puede ser una gran experiencia!

Consejo: esta escena de playa la pinté con las acuarelas de otro artista y, por tanto, con su paleta de color.

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COLOR Y PERSPECTIVA Las montañas Blue Ridge

¿Cómo se retrata algo que está lejos? ¿Y algo que está cerca? Olvídate de la perspectiva lineal; el color también nos permite transmitir distancia. Fíjate, por ejemplo, en las montañas Blue Ridge en los Apalaches, en las Montañas Azules de Nueva Gales del Sur o en cualquier conjunto de cordilleras del mundo que se denominen “montañas azules”. En realidad, deberían llamarse las montañas Azul Pálido. Quizá las hayas visto en fotos: una cadena montañosa al fondo, lejos, borrosa, azul, y que compensa con suavidad los contornos claros del primer plano. ¿Por qué tienen esta apariencia? ¿Acaso las laderas no son por definición marrones

Cuaderno de bocetos, Francia, Costa Azul. La distancia hace que las montañas del fondo se vean de color azul claro.

y verdes? La explicación nos la da la física. Como ya hemos señalado anteriormente, la luz es una mezcla de ondas electromagnéticas que van desde el rojo de las ondas largas al azul y el púrpura de las más cortas. El aire y sus partículas dispersan mejor las ondas de longitud más corta que las de longitud más larga. Por ello, cuando un rayo de luz conecta con nuestros ojos desde lejos —por ejemplo, desde una cordillera montañosa distante— lo que nos alcanza son las ondas de longitud corta. Por eso las montañas parecen azules desde lejos. Además, la intensidad de los rayos de luz disminuye con la distancia. En su trayecto hacia nosotros, la luz pasa a través de capas de aire cada vez más espesas, lo que reduce la

Las montañas del horizonte parecen azules en la lejanía, pero en realidad sus colores dominantes son el verde o el marrón.

intensidad de los rayos. Esto hace que los colores nos parezcan pálidos. Podemos hacer un muy buen uso de este efecto para retratar las distancias: cuanto más lejos estamos de algo, más pequeño, pálido y azul deberíamos pintarlo. Los colores cálidos avanzan a primer plano y los fríos quedan relegados al fondo. Además, las capas de aire hacen que los objetos más distantes se vean borrosos. Los objetos que están lejos pierden sus colores característicos y su contraste. Mientras que las cosas cercanas abarcan un espectro de contrastes que va desde los tonos muy claros hasta los muy oscuros, las cosas alejadas se quedan con lo intermedio, con el tono medio. Por lo tanto, los objetos en primer plano están enfocados

Las montañas deberían llamarse las “montañas

y delineados y los objetos del fondo están más

pequeñas, borrosas, de bajo contraste, frías, azul

borrosos.

pálido”. Pero eso es más fácil de pintar que de encajar

Esto es especialmente beneficioso para la pintura a la acuarela, porque nos resulta muy fácil retratar la palidez y lo borroso si usamos mucha agua. Para dejar constancia de la distancia de una cordillera montañosa, solo tenemos que añadir un tono de azul al papel usando la técnica de húmedo sobre húmedo. El componente borroso del húmedo sobre húmedo y el tono concreto de azul producen un efecto de profundidad fantástico.

como nombre en un mapa.

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No hace falta que el tejado de la casa esté en color, porque los ojos del espectador completan la imagen.

MENOS ES MÁS Dosifica bien los colores. Con frecuencia lograrás un efecto mucho mejor si no pintas todos los espacios vacíos del cuadro. Intenta reducir las zonas pintadas y deja algunas partes sin tocar. Utiliza el blanco del papel como elemento pictórico. Si te atreves a dejar en blanco las zonas en las que incide la luz y solo usas color en las sombras, tus ojos entenderán el cuadro de inmediato. Ten presente este consejo: las zonas blancas del cuadro se bañan de luz y se convierten en zonas reflectantes que acentúan aún más las sombras de color. Ya lo verás: menos es más.

Figuras humanas que se han beneficiado especialmente de un uso económico del color.

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YO, YO Y YO

Encontrar tu estilo Uno de los procesos más importantes para los artistas es el de desarrollar un estilo propio. Porque las palabras “esto me recuerda a fulanito…”

En el arte las cosas suelen ser un poco más complicadas. Por lo general los movimientos se desarrollan de la mano de un grupo de artistas que

pueden ser una sentencia de muerte artística.

trabajan juntos. Hazañas culturales construidas las

Todos tenemos la necesidad de ser únicos

unas sobre las otras. Los nuevos caminos se pueden

e inconfundibles. ¿Pero de qué va todo esto?

abrir incluso a partir de lo que parecen obstáculos o pasos intermedios.

¿De ser algo nuevo, de destacar, de descollar entre la multitud? ¿De encontar un hueco en el mercado? ¿De alcanzar la inmortalidad? Es bastante raro que todos sintamos que en

tus miras. Habla con otros pintores, aprende sobre

momento de deshacerse de los tocadiscos. Cuando aparecieron los libros electrónicos todo el mundo se preocupó por si iban a desaparecer los libros en papel. Nuestra sociedad valora notablemente el progreso, y los inventores han puesto el listón muy

nuevo y moderno también va a envejecer. Pero lo esencial nunca desaparece.

te inspiren (que no es lo mismo que copiar) y evoluciona a partir de ahí. Intenta ampliar siempre

inmediato se desató un debate sobre si era el

Lo que ahora es

no inventar la máquina de vapor. Déja que otros

lo anterior queda obsoleto, que toda novedad artística Por ejemplo, cuando apareció el CD, de

esencia de las cosas.

En última instancia, lo que tú quieres solo es pintar,

cuanto surge un nuevo movimiento o tendencia, todo automáticamente sustituye a lo previo.

Céntrate en la

Así que, en realidad, la cosa no es para tanto.

alto a lo largo de la historia: la imprenta y la penicilina se inventaron en Europa; el corazón artificial y el avión en América. Además, pensamos en términos de éxito personal. Seguimos cada desarrollo hasta llegar a su creador. Colón descubrió América y Newton descubrió la gravedad. Es sencillamente un modo más fácil de pensar.

movimientos y vete a exposiciones de arte y diseño. Todo esto va a influir en tu estilo. Y un secreto más: probablemente serás el último en reconocer tu “estilo inconfundible”, simplemente porque nos resulta muy difícil distanciarnos de nuestro propio trabajo. Pero al final verás que tu estilo es tan inconfundible como lo eres tú.

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ESTILO Y CREATIVIDAD Otro comentario sobre este tema: tu estilo personal crece solo; no debe convertirse en una camisa de fuerza. Aunque parezca raro, “tu estilo” y “creatividad” con frecuencia son principios opuestos. De un artista se espera que sea creativo, que se le

La razón de ser de la innovación y la inspiración

ocurran nuevas ideas y que siga nuevos caminos.

es no saber de antemano cuál va a ser el resultado

Curiosamente, también se espera que sea reconocible.

(algunos fans de Bob Dylan aún no le han perdonado

El artista ha de ser innovador y tener un estilo único.

que siguiera probando cosas nuevas en 1967).

Esto facilita la clasificación del arte a lo largo de la historia y nos enseña cómo funciona el mercado del arte. En resumen, se espera que el artista A sea inmediatamente diferenciable del artista B. La gente espera que Picasso pinte algo que “parezca” un Picasso. Y esto esconde una trampa: innovar y cumplir las expectativas estéticas de todo el mundo tiene poco que ver con los procesos creativos. La creatividad es impredecible: en última instancia, ¡estamos creando algo nuevo!. Por tanto, la ambición de crear siempre algo nuevo y, al mismo tiempo, no cambiar nada no tiene mucho sentido. Este tipo de nichos pueden beneficiar a los críticos de arte, pero inhiben la creatividad.

Debes pintar cuadros porque te apetece pintarlos, no porque los demás quieran que los pintes.

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RELAJAR EL CUADRO Tirar pintura

“¡Venga, relájate!” es una orden muy estúpida. El esfuerzo consciente por estar relajado y natural suele llevarnos a lo contrario. Las expectativas nos causan tensión. No puedes ser natural a propósito. La idea de satisfacer el deseo de otros o una demanda que nos hacemos a nosotros mismos extingue hasta la chispa de creatividad más pequeña. Aconsejar a los pintores que tiren sin más un poco de pintura, que desarrollen una línea suelta, demuestra una colosal falta de comprensión de la naturaleza humana. Solo nos soltamos cuando sabemos que algo

Así que lo mejor es que intentes establecer

no tiene importancia. En cuanto queremos cumplir

un poco de distancia entre tus expectativas

con expectativas, las cosas se vuelven relevantes de

y tú. Sé pillo contigo mismo. Por ello debes

inmediato.

intentar crear tus obras en cuadernos de dibujo

Desde luego, esto no quita para que las acuarelas

o en papel liso y no en paneles gigantes de dos

se empleen con espontaneidad, cómodamente. Buena

metros. Pelearse con materiales como pinceles

parte de esto se debe a la propia naturaleza del

de pelo de marta siberiana que cuestan casi

medio. La pintura a la acuarela alcanza su máxima

como un coche nuevo no va a relajar la tensión.

luminosidad cuando la aplicamos con gesto rápido sobre el papel y no pasamos mucho tiempo pintando. Siempre que pintamos una nueva capa o la volvemos a humedecer un poco más, la imagen pierde algo de vida. Pero claro, saber esto no hace las cosas más fáciles. Hace que cada pincelada cargue con una presión increíble: “sin fallos, concéntrate, concéntrate, tengo que, tengo que, tengo

Consejo: si ves que solo pintas cuando estás bajo presión, distráete un poco con otras cosas. Vete a correr. Después serás capaz de concentrarte mucho mejor en la pintura.

que…”. Es un verdadero dilema.

A pesar de la supuesta importancia de los buenos materiales, nos intimidan.

Pinta tus cuadros como si estuviesen en proceso de ser creados. En realidad, cuando haces footing por las mañanas no vas con un cronómetro ni hay espectadores ni retransmisión en directo. Intenta pasar un buen rato. Esto es mucho más importante que hacer que parezca, a ojos de los espectadores, que te lo estás pasando bien. Y como consecuencia, te darás cuenta de lo bonitos y frescos que resultan tus cuadros cuando no estás esforzándote muchísimo en pintar cuadros bonitos y frescos.

Y aún es peor si somos conscientes de cómo se van a usar luego nuestros cuadros. Si ya sabes quién podría colgar tu cuadro en su pared cuando esté acabado o qué críticos lo van a analizar, te encontrarás con un obstáculo mental enorme. Te arriesgas a pintar obedeciendo de antemano a los críticos futuros. Es evidente que esto no va a hacer que tu proceso sea más espontáneo o relajado. Libérate de esto. Cuando empieces, piensa en tu cuadro como un estudio o boceto. Ten siempre en cuenta que pintas para ti, como ejercicio, y que nadie más tiene que verlo. (Por ejemplo, yo hago como que mi cuadro es solo el boceto y que voy a pintar la “obra real” en mi segundo intento).

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Consejo: uno de los momentos más prolíficos para el pensamiento creativo es cuando estás medio dormido por la mañana. Si aún estás “con un pie allá”, tienes menos probabilidades de estorbar a tu propia creatividad. Por eso, debes guardar lápiz y papel junto a la cama.

LA IMAGINACIÓN VS INTERNET Si no buscas, encontrarás

Otra observación sobre la creatividad: naturalmente, todos trabajamos con imágenes. Y naturalmente, en vez de ponerte manos a la obra cuanto antes es mucho más tentador buscar en Google algunas imágenes de referencia. No obstante, no deberíamos olvidar que una búsqueda en Internet no puede sustituir al proceso creativo. Cuando buscas imágenes en Google, solo encuentras lo que ya existe, lo que otra persona ha visto antes que tú y ha puesto online. Google es un motor de búsqueda, simplemente organiza lo que ya existe. Por tanto, no se puede encontrar nada nuevo

más frecuencia, hay muchas posibilidades de que

en un motor de búsqueda, solo las imágenes de otras

todos estemos vagando por Internet usando las

personas. Esto empeora mucho las cosas, porque

mismas rutas. Como consecuencia, absorbemos

estás utilizando un camino ya andado.

la misma información y vemos las mismas cosas.

En esencia, Internet es una biblioteca en la

Esto hace que los procesos creativos se vuelvan

que los libros que se toman prestados con más

especialmente indispensables en la era de

frecuencia están situados justo a la entrada. Eso es

Internet.

precisamente lo que hace que saquemos estos libros

En pintura, cuando dibujas y concibes algo,

cada vez más. Ya que la estructura de los motores de

estás creando algo nuevo, algo que hasta ahora

búsqueda suele favorecer aquello que se busca con

solo estaba dentro de tu cabeza. Esfuérzate en crear algo nuevo en lugar de reproducir lo que ya existe. La creación de elementos inesperados y nuevos es inherente al propio proceso artístico, que no debe estar orientado hacia unos objetivos concretos. Dirigirse en una dirección específica desde el principio no es aconsejable. Si ya sabes cuál quieres que sea el resultado final de tu cuadro, normalmente este no va a producirse. Más bien lo contrario: no busques y encontrarás.

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HAZ QUE TE IMPORTE Lo que uno siente cuando está pintando tiene mucha más importancia de lo que normalmente se cree. Si te pones a copiar una fotografía de un desconocido, por ejemplo, obtendrás como resultado un cuadro completamente distinto que si te pones a pintar a tu madre. Un retrato de tu querido gato será distinto del estudio de una tortuga cualquiera que has visto en una tienda. La relación con el sujeto marca una gran diferencia. Que un cuadro sea bueno o no, por tanto, no depende exclusivamente de una cuestión técnica. La composición, el color y la proporción pueden revelar cuánto te importa el sujeto. Lo que decide si un cuadro es bueno o malo es fundamentalmente cómo te sientes tú respecto a él. Así que, si quieres que tu cuadro transmita un significado, su tema o sujeto debe ser significativo para ti. Si tienes una relación personal o emocional con el sujeto que vas a pintar, este vínculo se colará en la obra casi por arte de magia y también alcanzará a los espectadores. Haz que importe. Entonces el tema dejará de ser solo un tema y adquirirá alma.

El modo en que miras lo que ves influye en el cuadro. Para pintar cuadros realmente interesantes, el tema ha de importarte de verdad.

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PRIORIDADES Pero el significado que tenga para nosotros el tema no es lo único que determina la calidad del cuadro. También resulta estimulante mirar un cuadro o un dibujo y ser capaz de recodar las cosas que nos importaban cuando lo estábamos pintando. Arriba: una calle de Rumanía.

Todo cuadro tiene varios elementos. Los cuadros tienen temas

Especialmente cuando

principales y secundarios y también elementos y añadidos

“pasan muchas cosas” en los cuadros, parece difícil establecer las prioridades.

poco significativos; tienen primeros planos, planos medios y fondos. Y aunque parezca gracioso, si tratamos todos estos componentes de la misma forma y con la misma atención, nuestros cuadros carecerán, paradójicamente, de significado. El hiperrealismo absoluto resulta difícil de mirar. Te aconsejo que establezcas prioridades en tus cuadros. Las imágenes son mucho más interesantes si transmiten algo, si permiten distinguir qué partes del cuadro le importaban más al pintor. Esto se puede conseguir mediante distintas opciones de color o composición o ejecutando de forma más intensa y más precisa los elementos individuales. También puedes optar por atenuar algunos elementos para enfatizar otros. Por ejemplo, difuminar el fondo puede beneficiar al tema principal. Todos estos recursos permiten centrar la vista y guiar los ojos del espectador. En definitiva: no trates igual todas las partes de tu cuadro, muestra dónde están tus prioridades.

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CAJAS DE PINTUR AS Las cajas de acuarelas son, desde luego, un objeto de lo más cuco: negras, brillantes, impolutas. Suelen estar hechas de metal resistente y en su interior albergan pequeñas cavidades para las mezclas y pocillos para las pinturas. Como regalo son ideales: se guardan en algún sitio recóndito y se las deja envejecer dignamente. Ahora en serio. Una caja de acuarelas te permite trabajar rápido,

Desde luego, hay cajas de acuarelas de todos

tal y como exige el medio, porque las pinturas están a

los tamaños —de seis a 48 pocillos— y de todos los

mano y disponibles en un solo movimiento, sin que haga

precios. Cuál escoger depende de tus gustos y de tu

falta desenroscar tapones, revolver o apretar tubos.

presupuesto. Las cajas estándar de 12 pocillos son más

Por eso una caja de acuarelas es una buena

que suficiente. Como sabes, en teoría puedes conseguir

inversión. El mercado ofrece una gran variedad de

todos los colores a partir de la mezcla de tres colores

modelos, todos de distinta calidad. La marca más

primarios. En última instancia, es cuestión de destreza

conocida (y la mejor) es la británica Winsor & Newton,

y de tus necesidades, no de ganar un premio a los

pero Daniel Smith, fabricada en Seattle, también es una

mejores materiales (“mi casa, mi yate, mi caja de

muy buena opción. Ambas ofrecen excelentes pinturas

acuarelas…”).

y cajas equipadas con surtidos de colores listos para mezclar, que en la mayoría de los casos incluyen un tono frío y otro cálido de cada color.

Consejo: antes de empezar, humedece todas las pinturas de tu caja con unas gotas de agua limpia (incluso las que puede que no necesites, nunca se sabe). De esta forma ya tienes diluidas todas las pinturas, y si necesitas una mientras pintas no interrumpirás tu ritmo de trabajo.

Recuerda, los grandes materiales por sí solos no garantizan la calidad de un cuadro.

Consejo: una vieja falacia de artistas dice que “no hace falta limpiar la caja de pinturas”. Al igual que con tu lugar de trabajo, no deberías permitir que tu caja de pinturas esté sucia. Un poco de limpieza de vez en cuando hará que el amarillo resalte otra vez como si fuera nuevo.

Tubos o pastillas La pintura a la acuarela también está disponible en tubos. No hay ninguna diferencia entre las dos, al menos en las pinturas de alta calidad. Las pastillas contienen la misma pintura que los tubos, pero está seca. También puedes rellenar los pocillos con los tubos de pintura, si quieres, pero entonces tendrás que dejarlo secar bastante tiempo. Aun así, la pintura a la acuarela en pastillas es mucho más rápida y más fácil de manejar. Puedes pasar de una a otra con comodidad y usar la pintura directamente de la caja. Los tubos ofrecen una gran cantidad de pintura y por ello son perfectos si quieres pintar zonas muy grandes o de colores muy vivos. Utilizar pastillas para pintar una superficie que sea mayor que 28 x 40 cm sería muy laborioso. Los tubos, por lo tanto, son material de estudio. Para el aire libre y los dibujos rápidos son mejores las pastillas.

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LÁPICES DE ACUARELA “Guárdate los lápices de acuarela para tu hermanita” es una frase desagradable pero muy extendida entre artistas e ilustradores. Por muy apreciados que sean estos lápices entre los aficionados, son un material

Consejo: también es muy agradable dibujar con lápices de acuarela en una zona húmeda. Si humedeces el papel, por ejemplo con un pulverizador de agua para plantas, se creará una superficie fantástica para pintar.

polémico. Esto se debe principalmente a que los lápices de

Pero los lápices de acuarela son aún más

acuarela no son ni una cosa ni la otra. No se trata solo

interesantes si los utilizamos directamente en zonas

de escoger entre lápices y pintura (la solución a eso

húmedas. La línea se rompe y se suaviza, pero, a

es fácil). En un primer vistazo pueden parecernos

diferencia de las pinceladas en zonas húmedas, todavía

inferiores tanto a los lápices de colores como a las

mantiene su solidez. Las pinceladas se disuelven

acuarelas. Ni aportan la luminosidad de los primeros

cuando se aplican en húmedo sobre húmedo; los

ni ofrecen la cobertura de las segundas, sobre todo en

lápices de acuarela utilizados para el mismo propósito

grandes superficies.

mantienen mucho más la forma. Esto hace que sean

Para empezar hay que señalar que el término lápiz de acuarela es un poco engañoso. Los lápices de acuarela no contienen ninguna pintura a la acuarela.

una gran técnica para acentuar matices. Además, la combinación de ambos medios, los lápices de acuarela con pintura a la acuarela, resulta verdaderamente

No están hechos de goma arábiga y pigmentos,

interesante. Por ejemplo, si se desea que dentro de

sino que son lápices de cera con un aglutinante

una zona pintada algún elemento resulte un poco más

hidrosoluble. Por ello, no debería sorprender que

sólido, o si se quiere realzar parte de un color, no hay

también funcionen como pinturas de cera. Los colores

nada mejor que un lápiz de acuarela. En aquellos lugares en los que la pintura

no se disuelven con la misma transparencia y se

simplemente se desvanecería, las líneas hechas

secan con mucha más opacidad. Su capacidad de

con lápices de acuarela no solo se quedan donde

cobertura es bastante distinta de la de la pintura.

están sino que además mantienen su luminosidad.

Son un término medio, pero ofrecen otras ventajas.

Y además, como se suavizan un poco, no chocan

Por ello, me gustaría romper una lanza en

cuando se combinan con acuarelas; todo lo contrario,

favor de los lápices de acuarela, porque ofrecen

se acomodan a tu cuadro lo suficiente como para

posibilidades fantásticas cuando se utilizan

darle un aspecto natural y ayudarte a superar algunos

correctamente.

obstáculos propios del trabajo con acuarelas.

Está muy bien tener la opción de poder combinar colores y líneas. Los lápices de acuarela te permiten utilizar un poco de agua para suavizar las líneas que has dibujado y transformarlas en zonas de color. Esto es muy valioso como efecto añadido y como método de corrección.

Si tienes la oportunidad, te sugiero que utilices los lápices de acuarela de tu hermanita de vez en cuando.

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COMPR AR PINTUR AS La elección de las pinturas que incluyas en tu caja

Lo más grande no siempre es lo mejor, como

responde fundamentalmente a una cuestión de

descubrirás cuando tengas que cargar por ahí con la

gustos. No obstante, hay un par de cosas que creo que

caja. Personalmente, yo prefiero cajas más pequeñas

deberías tener en cuenta cuando elijas tu surtido de

por este motivo. Si tienes que dejar fuera algunos

pinturas.

colores para que las cosas quepan en una caja más pequeña, siempre los puedes mezclar tú en

La primera caja que compres probablemente contendrá pinturas. Sin embargo, el surtido que se

un santiamén utilizando colores que sí lleves. Aun así, lo que tampoco tiene mucho sentido

incluye es, lógicamente, un término medio entre

es llevar solo los colores primarios. Las cajas de

tus preferencias de color y las del fabricante. Para

pinturas están hechas para el trabajo espontáneo. En

empezar, la pintura de este tipo de set suele ser

lugar de pasarte todo el tiempo mezclando, supongo

pintura para principiantes, lo que significa que no

que también querrás pintar de vez en cuando.

tiene la mejor calidad. Ello no es un problema para

A medida que pintas más y más, tus necesidades

los primeros intentos, pero notarás la diferencia

harán que vayas cambiando lo que incluyes en la caja.

si, cuando tengas que sustituir ciertas pinturas,

Utiliza un surtido de colores básicos y compleméntalo

te pasas a pinturas profesionales. La densidad

con una mezcla de tus colores favoritos basada en el

del pigmento es más alta y la luminosidad de los

tamaño de la caja.

colores mucho mejor. Los colores mezclados en los sets de

Hay un aspecto adicional que para mí es de suma importancia, y es comprar colores que

pinturas se suelen coordinar para que tengan la

resultan difíciles de conseguir mezclando tonos

mayor compatibilidad entre sí.

ya existentes. Como sabes, hay colores fáciles de

Normalmente, recibirás un surtido de

mezclar, pero otros resultan casi imposibles

colores básicos, con tonos cálidos y fríos de

de conseguir. El verde aceituna, por ejemplo,

cada color. Esto te resultará suficiente durante

se puede mezclar en poco tiempo a partir

un tiempo, pero pronto necesitarás colores

del marrón y el verde hierba. Sin embargo,

suplementarios. Estos sets pueden incluir todo tipo de tonterías.

un turquesa fuerte o un magenta no se pueden reproducir, o si se hace, es con

Por lo que a mí respecta, puedes desterrar el blanco

gran dificultad. Por lo tanto, te aconsejaría

y el negro de tu set de pintura. El blanco viene del

que, además de los colores

blanco del papel, y puedes mezclar un negro mucho

primarios, compres colores

mejor a partir de tonos azules y marrones (como el

como estos, que no son tan

sepia y el índigo). Por supuesto, qué colores elijas

fáciles de mezclar a

también va a depender del tamaño de tu caja.

partir de otros tonos.

Consejo: en mi opinión, puedes deshacerte del blanco y el negro de la caja y nunca los echarás de menos.

Los símbolos de las pinturas significan:

Cuadrado: transparencia Cuadrado vacío: transparente Cuadrado medio vacío: semitransparente Cuadrado lleno: opaco Estrella: resistencia a la luz ¿Cuánto resiste tu pintura a la luz? (hasta cinco estrellas)

Triángulo: capacidad de reutilizar el tono Triángulo vacío: completamente reutilizable Triángulo medio lleno: un poco reutilizable Triángulo lleno: difícilmente reutilizable El número del círculo: categoría de precio (ascendente) Fuente: Surtido de Schmincke

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MEZCLAR PINTUR AS Ya sabes que puedes obtener cualquier color a partir de la mezcla de los tres colores primarios. La pintura a la acuarela en particular es muy indicada para esto, porque con los colores transparentes en teoría puedes producir un número inagotable de tonos. No obstante, hay unas cuantas cosas que debes tener en cuenta cuando mezcles. Como hemos dicho antes, no todos los colores se pueden reproducir con buenos resultados. Los colores como el oro y el plata son difíciles, porque su efecto no se deriva directamente del color sino de partículas de metal. Lo mismo se puede decir de las pinturas luminiscentes y fluorescentes, que suelen contener aditivos de reflectores químicos. Ya que estos aditivos, por supuesto, no están disponibles para mezclarlos con los colores primarios, estos colores son difíciles de imitar (y además tampoco se mezclan bien con otros). Sin embargo, mezclar colores es una práctica en extremo valiosa e importante, ya que no siempre tenemos (o queremos tener) todos los colores a mano. Pero fíjate en lo siguiente: Como regla básica, es mejor no mezclar más de dos colores a la vez. Desde luego, más adelante

sensible a los cambios, es mejor que lo utilices como

(cuando incluso combines mezclas de colores) valdrá

color de base cuando mezcles.

todo, pero, en principio, has de saber que la mezcla de

Prueba a practicar unas cuantas mezclas para ir

más de dos colores suele producir resultados confusos

entendiendo el proceso. Empieza con un color claro y

y difíciles de controlar.

añade poco a poco el color oscuro hasta que consigas

Cuando mezcles también es importante añadir el tono más oscuro al más claro, y no al revés. Esto se

el tono deseado. Verás que la vieja técnica de mezclar colores,

debe a que un tono más oscuro se puede comer a

un poco olvidada debido a la cantidad de tonos ya

uno más claro sin cambiar mucho, mientras que solo

preparados que incluyen nuestros sets, es un paso

necesitas una pequeña cantidad del color más oscuro

decisivo en el desarrollo de un buen instinto para el

para alterar al más claro. Como el más claro es más

color.

Consejo: primero, haz muestras de los colores ya mezclados en papel borrador. Esto te evitará sorpresas desagradables en el cuadro acabado.

Pinceladas Cómo trabajas con el pincel influye en cómo aplicas la pintura. Presionar más fuerte en la punta del pincel produce una pincelada distinta que si solo rozas el papel con la punta. Además, la anatomía de nuestros brazos hace más fácil el movimiento desde el centro de nuestro cuerpo hacia afuera que el gesto contrario. Por eso es mejor pintar así. No tenses los músculos. Usa la brocha como si fuese una extensión natural de tu mano. Y no dudes en girar el papel. Es mucho mejor pintar con el tema hacia abajo que darte tú la vuelta en una postura imposible. Por cierto, una vez secas, puedes reutilizar todas las pinturas que hayas mezclado si las vuelves a humedecer, incluso meses después.

Consejo: puedes mezclar colores en la paleta de tu caja de acuarelas, pero si quieres conseguir tonos muy puros sin mácula alguna es mejor utilizar pocillos pequeños y limpios o platos de vidrio. Aunque las paletas adicionales de las tiendas tienen muy buena pinta, un plato grande funciona igual de bien.

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TONOS IMPOSIBLES Colores vivos

No nos engañemos: si lo que buscas son colores fuertes, la pintura a la acuarela no da la talla. No puede competir con los colores luminosos de una pantalla de ordenador, y también le va a la zaga a su hermano, la pintura al óleo, a su hermana, la pintura acrílica, y a su prima, la tinta. Si queremos colores vivos, saturados y vistosos en nuestros dibujos, este no es el medio adecuado. La pintura a la acuarela es famosa por su capacidad para crear tonos delicados y pastel, ya que las zonas pintadas con acuarela no se pigmentan tanto como aquellas pintadas con medios no transparentes. La pintura al óleo, por ejemplo, se puede aplicar como una pasta en capas de poco más de un centímetro de grosor, mientras que la pintura a la acuarela es siempre una pintura delicada que crea un efecto delicado. Como la mayoría de las pinturas a la acuarela contienen pigmentos naturales, no descubrirás muchos colores artificiales o chillones en la caja. Además, cuando pintas, los colores se superponen e influyen entre sí porque la acuarela es transparente. Cuando aplicas una capa de pintura sobre otra, se mezcla visualmente con el color que tiene debajo, creando así un tono nuevo. Por ejemplo, si aplicas una capa de rojo encima de una capa de verde, obtendrás marrón. Esto no sirve con pinturas más espesas y opacas como las acrílicas, y puede parecer una desventaja de la acuarela. Pero, visto más de cerca, un medio que se mezcla con tanta facilidad tiene sus ventajas. Si echas un vistazo a tu alrededor, te darás cuenta de que nuestro entorno no se caracteriza precisamente por los colores muy vivos e intensos. Mira por la ventana. Si no vives en Times Square o no estás en un campo de amapolas en mitad del verano te darás cuenta de que los colores dominantes no son tonos chillones.

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TUNEAR LAS ACUARELAS Que resalten los colores

Normalmente, cuando la luz incide sobre una superficie, se refleja, se disipa en el aire y se mezcla con otros colores circundantes. Los colores, al pertenecer al mismo entorno, cuadran entre sí y trabajan juntos para crear una emoción o un ambiente general. La mayoría de los colores vivos que nos encontramos en la realidad no provienen de luz reflejada, sino de fuentes de luz artificial, ya sean estas lámparas, monitores, luces LED, luces de neón, etc. Esto subraya la ventaja de usar pinturas a la acuarela: como son traslúcidas, se entremezclan y se superponen, y el color final de una pintura a la acuarela imita el reflejo de la luz “de verdad”. Por eso podemos usar acuarelas para retratar tan bien la luz. Al mezclar distintos colores, estamos simulando cómo se comporta la

sino que no deberías seguir pintando capa

luz natural. Esta es una de las muy

sobre capa. Al volver a humedecerlas,

alabadas “cualidades naturales” de la

las acuarelas pierden luminosidad.

paleta de acuarelas.

Cuanto menor sea la manipulación

Sin embargo, la cosa se pone difícil cuando intentas representar objetos de colores muy intensos, como harías si te cansases de pintar paisajes

más vivos parecerán los colores. Otra opción para hacer resaltar tus acuarelas es mezclar la pintura con otros colores más luminosos. Existen distintos

otoñales. En primera instancia, pintar con acuarelas

tipos de pinturas, tintas y lápices de colores

una calle llena de luces de neón puede parecer como

disponibles en tonos vivos. Muchos

pedir peras al olmo. Sin embargo, existen trucos,

de estos medios se desplazan al

y en el próximo capítulo daremos cuenta de algunas

fondo del cuadro acabado, de modo

técnicas que te pueden servir para dar vida a tus

que no dominan la acuarela pero

colores.

sirven para enfatizar notablemente

Lo primero que puedes hacer para que las pinturas resplandezcan es usarlas con eficiencia. Con esto no quiero decir que debas trabajar más rápido,

los colores de tus cuadros.

Utilizar lápices de colores te permite dar intensidad a los elementos pequeños con buenos resultados.

Empecemos con algo sencillo. Los lápices de colores son la mejor manera de intensificar las zonas pintadas con acuarela, especialmente las zonas pequeñas. Además, podemos utilizarlos para añadir elementos gráficos interesantes. Al contrario que los lápices normales, que contienen grafito, los lápices de colores están hechos de pigmentos comprimidos y de aglutinantes con una base de aceite o de cera. Como hay una gran variedad de tonos y producen líneas de diverso espesor dependiendo de la presión que se ejerza, son un complemento ideal para las pinturas a la acuarela. Los hay buenos, como por ejemplo los Polychromos de la marca alemana Faber-Castell, o los Prismacolor, de la marca americana Sanford.

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ACUARELAS LÍQUIDAS

Ahora vivo, pálido más tarde

Otra forma de dar un empujón a tus pinturas es mezclarlas con otras acuarelas. Las acuarelas líquidas van muy bien para esto; no se compran en pastillas sino en formato líquido. Normalmente son pigmentos artificiales que se utilizan tal cual vienen o mezclados con agua. La empresa holandesa Royal Talens, por ejemplo, ofrece toda una paleta de colores bajo el nombre Ecoline. La principal ventaja de estos colores es su luminosidad. Pero cuidado, los pigmentos artificiales esconden una trampa: suelen ser de todo menos resistentes a la luz. Reaccionan con especial sensibilidad a la luz de sol. Por ello, los dibujos que se han “tuneado” con Ecoline son más prácticos para la reproducción

Una cruz hecha con pintura a la acuarela tradicional (pincelada horizontal) y pintura líquida Ecoline (pincelada vertical). La diferencia de intensidad de los colores es evidente.

(imprimir múltiples copias) que para colgar en la pared. Si estás pintando un cuadro para utilizarlo en una presentación o para imprimirlo, no hay problema. Pero si estás pensando en colgarlo en una pared, la luz pronto le robará sus vivos colores. Por lo tanto, si buscas pinturas vivas y coloridas, puede que esta no sea la mejor estrategia. La pintura líquida a la acuarela es un poco como una llama: cuanto más brilla, antes se apaga. No obstante, hay que destacar que las pinturas líquidas a la acuarela (no digamos ya las tintas, los tintes para retocar, las pinturas con aerógrafo y otros productos similares) no son tan fáciles de manejar como la pintura tradicional de pastilla. Ecoline, por ejemplo, vuelve a disolverse con mucha facilidad, lo cual es una desventaja cuando se trabaja con capas glaseadas. Esto también hace que se corra fácilmente en las zonas adyacentes si la tocas sin querer con el pincel cuando aplicas la pintura. A pesar de esto, no hay duda de que con estas pinturas se pueden conseguir efectos estupendos en un cuadro, sobre todo con Ecoline. Solo tienes que asegurarte de que lo utilizas al final si estás glaseando y de que no vuelves a pintar zonas con él.

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PINCELES Desde que empezó a pintar, y de esto hace mucho tiempo, el ser humano ha empleado pinceles. Hasta en la Edad de Piedra se utilizaban ya pinceles

Los antiguos egipcios utilizaban tallos de juncos y pelo de las orejas del ganado para colorear sus jeroglíficos y las pinturas de las tumbas, y los romanos empleaban plumas y pelos de cabra para pintar los frescos de las paredes de sus casas. La primera descripción escrita de algo parecido a un pincel

primitivos para pintar, en las paredes de las cavernas,

profesional proviene de Il libro dell’arte (“El libro del

bisontes, ciervos y caballos con pigmentos hechos con

arte”), en el que el pintor italiano del siglo XV Cennino

hematita roja y ocre. En las cuevas de Altamira, por

Cennini explica con detalle su fabricación. De hecho,

ejemplo, se han encontrado pinceles hechos a partir de huesos huecos, plumas y pelo. Los espacios que hay dentro del denso haz de pelos del pincel son los que permiten tanto atrapar como soltar la pintura líquida. Aunque este principio se conoce desde hace mucho tiempo, costó un poco conseguir que los pinceles alcanzasen la calidad necesaria para pintar con acuarelas.

Consejo: hay un truco poco convencional para hacer que el pincel recobre la punta después de pintar y de lavarlo: métete el pincel en la boca y afílalo dándole vueltas con la lengua. Eso sí, hazlo solo con pinceles completamente limpios, sin restos de pintura. No olvides que hasta la pintura a la acuarela puede contener pigmentos tóxicos.

hasta el fin del siglo XIX, los pintores no solo fabricaban las pinturas que usaban, sino también los pinceles. Hoy en día existen innumerables tipos de pinceles y las tiendas de material artístico tienen una cantidad ingente de existencias. Por ello, la pregunta se hace evidente: ¿qué pinceles necesitamos de verdad? ¿Es necesario tener un valioso pincel de marta Kolinsky o es suficiente con un pincel sintético que cuesta lo mismo que un café?

Consejo: un buen pincel no solo suelta pintura, sino que también la vuelve a absorber. Cuando seques el pincel en un pañuelo de papel, puedes utilizarlo para absorber otra vez pigmento.

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Aún más pinceles Quizá debamos empezar sistemáticamente. A grandes rasgos, todos los pinceles se pueden categorizar en dos formas básicas: redondos y planos. La diferencia fundamental es la forma de la virola del pincel, que determina si el mechón tiene una forma redonda o plana. Los planos pueden resultar muy apropiados para zonas amplias, y se pueden sustituir por pinceles redondos anchos, pero no al revés. Hablemos primero de los redondos. Los pinceles redondos están disponibles en todo tipo de materiales y tamaños. Cuando cojas el pincel, lo primero que te llamará la atención es un número que figura en el mango, y que es el que determina su tamaño. Este baremo normalmente abarca desde el cero hasta el 24. Para los principiantes las diferencias son tan sutiles que estos incrementos no importan demasiado. Sin embargo, con el tiempo entenderás por qué la mayoría de los pintores tienen clarísimo qué tamaños quieren utilizar cuando pintan. En mi opinión, para alguien que está empezando,

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dos pinceles, uno grande y uno pequeño, son suficientes. Qué significa exactamente grande y pequeño (y de qué material está hecho el pincel escogido) dependerá de tu presupuesto. Ten en cuenta que incluso aunque inviertas en un pincel Kolinsky (hecho con pelo de marta siberiana) más grande y más caro, ello no te dará la destreza necesaria para resolver todos los problemas pictóricos. Mi recomendación es que, para empezar, te hagas con dos pinceles, uno de tamaño seis y otro de tamaño diez. Un buen pincel de acuarela debe ser suave y maleable. Debe recoger bien la pintura y tener una punta muy afilada. El mango no debe ser demasiado

Consejo: los pinceles desmontables con tapa que hace las veces de mango son fantásticos para ir de viaje.

largo y la virola debe tener una forma precisa sin pelos sueltos que se desmarquen. Lo mejor es un pincel de pelo natural, pero ya que son caros, al principio

los sintéticos pueden servir (sobre todo cuando se

Los mejores pinceles son los Kolinsky de marta.

trata de pinceles más grandes y, por lo tanto, más

Estos pinceles son muy caros, pero si se cuidan

caros). También puedes encontrar pinceles que

duran mucho. Si lavas siempre los pinceles con jabón

mezclan pelos sintéticos con pelos naturales. Otras

después de usarlos, los podrás utilizar durante mucho

alternativas son el pelo de ardilla o de buey, con un

tiempo. Eso sí, no te dejes engañar pensando que no

precio relativamente bajo. Cuando estás empezando,

puedes pintar con pinceles más baratos. A veces la

no necesitas un gran surtido de pinceles. Más

gente compra pinceles de pelo de marta pensando

adelante puedes ir aumentando tu colección poco

“bueno, si es marta…”, y enseguida se da cuenta de

a poco.

que el pincel no soluciona todos los problemas como

Este criterio se extiende también a la compra de

ellos creían. Un buen pincel sintético puede ser mejor,

pinceles planos para glaseado y a pinceles petit gris

y desde luego más asequible. Pero esto es un poco

para aplicar grandes formas o lavados. Estos pinceles

como el buen vino: necesitas tener mucha experiencia

son útiles, pero ya que sus características específicas

para notar la diferencia. Por ello te aconsejo que

se pueden sustituir por el uso de pinceles grandes

empieces con pinceles sintéticos.

redondos, no deberían constituir una prioridad de

En cualquier caso, lo importante es lo que hagas

compra (como tampoco deberían serlo los tipos más

con los pinceles. Los pinceles son solo una extensión

especializados, como los pinceles de abanico o los

de tu mano, y tu mano es, en definitiva, la responsable

largos y finos de marta).

de lo que pintas.

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PAPEL

Aunque se tardó otros quinientos años en desarrollar las máquinas de papel de hoy en día, que pueden producir más de dos kilómetros de papel al minuto, el papel de acuarela que

El papel es un invento de los egipcios. La palabra

utilizamos nosotros es aún muy parecido al

procede del papirus egipcio, una planta acuática y

que se hacía en China hace veinte siglos.

fibrosa del delta del Nilo que se dejaba secar y que los faraones utilizaban como soporte para la escritura.

El papel de acuarela casi no contiene madera y está hecho fundamentalmente de lino o algodón. Ello lo hace más resistente a la rasgadura y le da

Por su parte, los mayas también desarrollaron un

la capacidad de absorber mejor la pintura. Suele

sistema parecido, el papel amate, fabricado con las

estar hecho a mano (como atestiguan los bordes

fibras vegetales de un higo salvaje que se prensaban

irregulares, o barbas, de las hojas) y venderse

y se secaban en capas para elaborar hojas más

en hojas individuales o en blocs pegados.

grandes. Ambos tipos se parecen un poco a la corteza de un árbol trenzada.

Este tipo de papel puede presentar distintos acabados: áspero, medio o suave. El papel suave

Pero el primer papel que verdaderamente se

se seca en una prensa de cilindros calientes

respuesta no es una o la

parecía al papel que usamos hoy en día se desarrolló

(de ahí que también se conozca como “papel

otra, sino ambas. Los dos

en China hace casi dos mil años.

prensado en caliente”) y es adecuado sobre todo

¿Hojas o blocs? La

tienen sus ventajas. En

El papel está hecho de celulosa (que está

para ilustraciones. Los acabados más ásperos,

primer lugar, los blocs

presente en fibras y madera). Se limpia, se hierve,

o papeles prensados en frío, tienen la ventaja de

se mezcla con pegamento y se seca en capas. Se han

que la pintura se adhiere mejor y de que ralentizan

encontrado documentos del siglo I, durante la dinastía

el tiempo de secado. Sin embargo, es más difícil

Han, en los que el ministro chino Cai Lun describe

borrar la pintura en esos papeles más ásperos.

son más fáciles de manejar. Además, los que vienen ya pegados por los cuatro lados son útiles para viajar y para el

el proceso de elaboración del papel con todo lujo

Escoger una textura es una simple cuestión

de detalles (para el siglo v, en China ya existían los

de preferencia, ya que las pinturas se comportan

si quieres trabajar con

pañuelos de papel y el papel higiénico). La pulpa de

de modo distinto según el tipo de papel. Muchos

formatos más grandes

celulosa hecha de residuos de seda y fibra vegetal,

papeles, además, tienen un lado suave y otro

y prefieres utilizar un

que es una fibra que se extrae del tallo interno de las

áspero, y se pueden usar ambos para pintar.

papel más barato, te

plantas, se cocinaba y secaba sobre unas pantallas.

trabajo espontáneo. Pero

aconsejaría que utilizases hojas sueltas. Si te molesta la facilidad con que se arruga o se rompe este papel cuando está mojado, puedes estirarlo con cinta de montaje, tal y como se describe en la página 113.

En la Baja Edad Media, el método chino de

Sin embargo, lo que no es cuestión de preferencia sino algo muy importante es que los

elaboración de papel llegó a Europa a través de la

papeles de acuarela que elijas sean libres de

ruta de la seda y del mundo árabe. Hasta el momento,

ácido. Los ácidos que se usan para blanquear el

en Occidente se había empleado pergamino o pieles

papel producido en masa acaban destruyéndolo al

secas de animales suavizadas con piedra pómez. Las ventajas del papel eran evidentes: era más barato que el pergamino, estaba disponible en grandes cantidades y su nivel de calidad era constante. Los europeos utilizaron este nuevo saber y enseguida desarrollaron la tecnología adecuada para producir papel. Rápidamente, nuevos tipos de pantallas y fábricas de papel hidráulicas empezaron a facilitar la producción masiva.

cabo de un tiempo y también ejercen una influencia considerable sobre el aspecto de la pintura en el papel. Como verás, en el mercado existen papeles de gramajes muy distintos. Cuanto mayor sea el gramaje, mayor la cantidad de agua y la manipulación que puede tolerar. El papel de oficina normal, por ejemplo, pesa 80 gramos por metro cuadrado (gm²). El papel de acuarela es mucho más grueso, y suele pesar entre 200 y 300 gm². Por supuesto, puedes comprar

Las marcas de agua son

papel mucho más grueso, pero a un precio más alto.

capas más finas del papel que se reservan o graban en relieve durante el proceso de fabricación para garantizar su autenticidad. Aquí reproducimos una serie de marcas de agua de marcas conocidas.

Este tipo de inversiones no contribuyen mucho

Arriba: Azul ultramar en

a hacer que desaparezca el miedo a la hoja en

“papel lujoso” (Arches

blanco. Desde mi punto de vista, las soluciones más

650 g/m²) y su derecha

económicas son lo suficientemente buenas. En mi caso, utilizo con frecuencia papel comercial mate de 185 gramos (Hahnemühle o Arches), que estiro yo mismo. Te enseñaré a hacer esto en la página 113. Sea quien fuere quien inventara el papel, los chinos, los egipcios o los mayas, a quien de verdad debemos agradecer su existencia es a la naturaleza. Las avispas y los avispones llevan toda la vida construyendo sus nidos a partir de fibras vegetales masticadas, una pulpa de celulosa y almidón que se seca al sol y crea delicadas estructuras de papel.

en “papel normal” (Hahnemühle 200 g/m²).

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ESTIR AR EL PAPEL La onda permanente Es exasperante: humedeces el papel (pintas encima con demasiada agua) y ya se empieza a combar (o a deformar). En un segundo la superficie suave y blanca se transforma en un paisaje cenagoso. Por si esto no fuese suficiente, el material que hace un momento era fácil de manejar ahora se niega a cooperar.

Para intentar prevenir que el papel se deforme, primero hay que entender por qué ocurre este fenómeno. El papel contiene fibra; normalmente está hecho de celulosa, fibra de madera, papel reciclado o tela, materiales que se deshacen en las fábricas de celulosa hasta quedar convertidos en una pulpa que luego se seca. Estas fibras forman la base del papel, que se une con pegamento y se prensa en capas. Si humedecemos otra vez el papel, las fibras se

La pintura se acumula en charcos en los valles que se han

empiezan a hinchar y cada fibra empuja un poquito a la que

formado y deja manchas feas al secarse. Cuanto más pintas

tiene al lado. A su vez, esta fibra —que también está ocupada

encima, peor, porque da igual lo que hagas, no hay manera de

hinchándose— mueve a su fibra vecina. Como todas las fibras

eliminar estos valles con un pincel.

se comportan así al mismo tiempo, en el papel se producen

La gente prueba constantemente nuevas alternativas

ondas, valles y colinas. Además, el agua se acumula en los

para evitar este problema. El papel fino tiende a combarse

valles, causando que las fibras de esa zona se hinchen aún

con más facilidad, así que puedes probar con un papel más

más, lo que acentúa estas depresiones. La reacción en

grueso; aún así, esto no te garantiza completamente que el

cadena está en marcha, y cuanto más desigual sea la

papel no se deforme. Teniendo en cuenta lo que cuestan, no

distribución del agua, mayor será su efecto.

se puede decir que los blocs de papel de acuarela sean una

Descrito de este modo parece un desastre, pero existe

gran alternativa. Aunque el papel se deforma menos, estos

una solución eficaz: estirar el papel. Si usas este método

blocs pueden resultar engorrosos. Resulta difícil colocarlos

podrás incluso utilizar papeles de menor gramaje (y por lo

en una mesa de dibujo para, por ejemplo, preparar un dibujo

tanto menos caros) para pintar a la acuarela. Funciona así:

preliminar. Por muy útiles que parezcan cuando estás de

ya que cada fibra se expande cuando está húmeda y se

viaje, no siempre se adecuan a trabajos más elaborados.

contrae otra vez cuando se seca, nos aseguramos de que todas las fibras del papel estén mojadas por igual. Para ello, primero sumergimos el papel en agua fría unos minutos: lo mejor es utilizar una cubeta grande y plana de plástico de una tienda de fotografía, pero la bañera también sirve. Esto hace que todas las fibras absorban agua y se expandan por igual.

Después de humedecer el papel durante un minuto,

Para estirar el papel haz lo siguiente:

ponlo en una tabla de madera y fíjalo con tiras adhesivas o cinta de enmascarar en los bordes. De esta manera, cuando el papel se seque y se vuelva a contraer, la cinta hará que las fibras se mantengan tirantes, como si fuera la piel de un tambor. Cuando pintes y humedezcas otra vez el papel, las fibras ya no tendrán la capacidad de expandirse y deformarse. Los profesionales siempre estiran el papel. Lo único que necesitas es una tabla de madera contrachapada (como las de contrachapado de

1. Sumérgelo completamente en agua durante más

abedul de las ferreterías), un trapo o papel de cocina, tiras

o menos un minuto.

adhesivas, unas cuantas chinchetas y hojas de papel de cualquier gramaje.

2. Sácalo rápido y deja que gotee un poco (no tardes mucho, la velocidad es crucial).

3. Coloca el papel en una tabla de madera y estíralo, alisándolo con ambas manos. Sécalo un poquito con un trapo o papel de cocina.

Consejo: yo siempre estiro por adelantado unas cuantas hojas de papel en tablas y las dejo secar por la noche. Así ya tengo el papel listo cuando lo necesito.

4. Fija los cuatro lados del papel a la tabla empleando tiras de cinta adhesiva húmedas y asegura las esquinas con chinchetas.

E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S

114

LO QUE HAY EN MI BOLSA Las tiendas de material artístico pueden impresionar bastante. Los materiales se apilan en metros y metros de estantes y parecen sugerir que necesitas una cantidad ingente de equipamiento básico. Pero ¿qué es realmente necesario? ¿En qué útiles de pintura estamos gastando dinero innecesariamente? He traído algunas cosas para ayudarte a decidir qué necesitas. Ya que la acuarela es la técnica clásica para pintar al aire libre, en mi opinión todo lo que necesitamos para pintar es lo que llevamos en la bolsa de viaje. Cuando viajamos, llevamos lo necesario y nada más. Después de todo, no queremos que el peso de la bolsa limite el tiempo que podemos emplear en buscar un tema. Lo ideal es que en la bolsa solo lleves aquello que sea absolutamente necesario para pintar. Aplica esta misma idea a tu estudio y verás que por lo general no se necesita mucho más para pintar. A lo mejor en casa añades un lápiz o un pincel, quizá un secador de pelo o cosas como cinta adhesiva o líquido enmascarador, y puede que allí tengas a mano más pinturas o papeles. Aunque, desde luego, es cuestión de gustos, el contenido de nuestras bolsas muestra qué es lo realmente necesario y útil en la práctica. Así que vamos a echar un vistazo a lo que hay en mi bolsa.

Consejo: una silla plegable puede ser muy cómoda para sentarte, pero también la tienes que acarrear contigo. Una esterilla pequeña es más fácil de transportar.

Consejo: aunque no se necesitan en el estudio, sí son útiles cuando estás fuera de casa: protección solar, un pequeño paraguas plegable y un spray para picaduras.

C A L L E J E A ND O

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PINTAR AL AIRE LIBRE Mal tiempo

A veces la gente dice: “no existe el mal tiempo, existe la

En resumen: el mal tiempo sí existe, sobre todo

ropa inadecuada” cuando quieren referirse a que dejes

cuando se trata de acuarelas, porque no puedes

de quejarte y que es culpa tuya no llevar un traje de

trabajar al aire libre cuando hay temperaturas

nieve para el paseo dominical por el parque.

bajo cero.

¡Tonterías! Si miras por la ventana un día cualquiera

sorprendente, pero es muy simple: sustituye el agua

de noviembre probablemente pienses que hace mal

por alcohol.

La solución a este problema puede parecer

tiempo, a veces incluso muy malo. Ya que la acuarela está especialmente recomendada para pintar al aire libre, es oportuno hablar un poco sobre

y fuertes (como el vodka, el schnapps o el alcohol

pintar en el exterior cuando hace mal tiempo.

de grano) solo empiezan a congelarse cuando la

La expresión que he recogido antes tiene

Dibujo realizado durante unas vacaciones esquiando, usando schnapps de genciana.

El punto de congelación del alcohol es más bajo que el del agua. Los licores claros, transparentes

temperatura baja considerablemente de cero, y

razón al señalar que te puedes proteger con el

funcionan muy bien para pintar. Básicamente, se

equipamiento adecuado. Ni que decir tiene que

utilizan igual que el agua, pero asegúrate de que usas

la ropa impermeable y abrigada ayuda mucho.

solo alcohol transparente (no Jägermeister ni nada

En invierno necesitas guantes (sin dedos, o sea,

por el estilo, por supuesto) y lava bien los pinceles

mitones) y gorro para que trabajar al aire libre sea

con agua al llegar a casa. Siempre y cuando no tomes

soportable. Desde luego, es igualmente importante

demasiados tragos de tu “agua”, este método te puede

proteger el material y el dibujo. Lo único que debe

garantizar un invierno productivo en lo que a pintar

incluir humedad es tu técnica. No hay nada más inútil

se refiere. Y es que sobre el mal tiempo una cosa está

que un papel mojado por la lluvia (si bien la lluvia

clara: puede que no sea muy agradable, pero no hay

como tema crea un ambiente encantador). Por ello,

duda de que es precioso.

es esencial que lleves siempre un paraguas. Pero las cosas se vuelven verdaderamente problemáticas cuando hace mucho frío. Los paisajes nevados son temas fantásticos, pero, a cero grados centígrados, el agua se congela. En un santiamén, las finas capas de glaseado se convierten en capas de hielo sobre el papel. Además, la pintura se solidifica en el pincel y se vuelve inservible.

C A L L E J E A ND O

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CAMBIAR LA PERSPECTIVA El otro punto de vista —¿Ves la luna sobre el Soho? —La veo, cariño. Macheath y Polly en La ópera de los tres centavos. Nunca vemos lo mismo que los demás. Siempre percibimos el mundo desde nuestra perspectiva. Dos personas que van andando por la calle ven cosas totalmente distintas. Cuando hablamos de una experiencia compartida, normalmente cada interlocutor pone el acento en un aspecto distinto. Macheath y Polly no ven la misma luna; cada uno ve una distinta. Al principio, esto puede parecer extraño, pero también reconfortante en cierto modo. Como el mundo es diverso y variado, nuestra perspectiva personal es tan válida como la de los que nos rodean. Por eso es una tontería preguntarnos si nuestros dibujos representan o no de manera realista el tema elegido. En pintura no existe un punto de vista objetivo, los cuadros únicamente reflejan el modo de mirar de cada uno. Así que no te vuelvas loco. Es tu cuadro y lo único que importa es que desarrolles tu propia visión. Solo te tiene que satisfacer a ti; a fin de cuentas, satisfacer a todo el mundo es imposible.

C A L L E J E A ND O

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PINTAR EL AGUA Lo más interesante del agua es que es capaz de unir

Otro aspecto destacable es que el agua en esencia

luces y sombras. Normalmente, las superficies están

es incolora. Piensa en un vaso de agua: su único color

dominadas o por la luz o por la sombra, pudiendo

procede de las impurezas.

sumirse la una en la otra. Sin embargo, en el caso del

Podrías afirmar que el agua es azul, pero

agua los dos fenómenos se producen a la vez.

eso no siempre es verdad. En concreto, el agua fresca (ríos y lagos, estanques, etc.) suele

La luz y las sombras se reflejan simultáneamente

estar dominada por tonos verdes y

la una junto a la otra sobre su superficie. Esto

marrones. El azul que vemos en el océano,

hace que el agua sea un tema sumamente

por ejemplo, suele deberse únicamente al

atractivo pero difícil. El agua es un espejo

reflejo del cielo en la superficie del agua.

inquieto que nuestros ojos a veces son capaces de penetrar. Mana a borbotones, fluye, gotea, se filtra, corre y rompe en las orillas. Por lo tanto, la acuarela es perfecta para retratar el agua. Gracias a la espontaneidad del medio se puede captar la fluidez

Por tanto, casi siempre podemos escoger un color similar para el cielo y para el agua. Si sigues pintando el cielo en la parte inferior de la página y pintas en él pequeños reflejos de árboles, nubes o lo que sea, habrás creado el agua. Si reservas puntos de papel en blanco a modo de

y el movimiento constante del

pequeñas olas o reflejos,

agua.

el resultado será bastante

El aspecto más notable del agua es su condición

convincente. Asegúrate de que los

reflectante. Por ello es

reflejos más vivos de la

relativamente sencillo retratar

superficie del agua

el agua sin retratar el agua en sí, sino los elementos que vemos reflejados en ella. El agua resulta especialmente convincente si estos reflejos no son copias directas de los objetos. Por ejemplo, pinta un palo recto hasta que se encuentra con el agua y luego rompe su reflejo en

corresponden a las partes más luminosas del cielo. Imagínate un cubo hecho de espejos y expuesto al sol. Una de las caras mira hacia el sol y la otra en el sentido contrario. El lado que mira al sol es muy claro y el que mira en sentido contrario es oscuro. Esto se parece un poco a cómo aparecen las olas

curvas que sigan el movimiento del

en el agua. Es fácil pintarlo si

agua. Cuanto más lejos se deslice su

empiezas con un tono medio.

reflejo, más se distorsionará con el ritmo de las olas. Si pintas bien los reflejos, ya estarás a medio camino de dibujar bien el agua.

El modo más sencillo de pintar agua es pintar lo que se refleja en ella.

Como siempre con las acuarelas, no pintes las zonas

Si incluyes los reflejos de las pendientes de las orillas

más claras, simplemente deja que el blanco del papel

de los ríos, los árboles, los edificios o cosas similares,

se ocupe de la cresta de la ola.

obtendrás un buen retrato del agua.

El segundo paso es pintar los valles. Por definición

Míralo así: lo bueno de la pintura a la acuarela es

toda montaña tiene un valle, y así es como debes pintar

que en esencia se parece mucho al agua. Las capas

las pequeñas olas del agua. Las crestas blancas van

glaseadas la hacen igual de transparente. Colocar

seguidas de valles más oscuros.

con destreza las zonas lavadas y las profundidades glaseadas te permite retratar el agua en poco tiempo. Si todo lo demás falla, siempre puedes incluir algo nadando en el agua. Añade un pato o un barco y tu agua se reconocerá como tal pase lo que pase.

Consejo: el cielo y el agua a menudo tienen el mismo color, porque el primero se refleja en la segunda.

C A L L E J E A ND O

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AIRE, NIEBLA, HUMO Aunque parezca raro, uno de los temas pictóricos

En el terreno pictórico, el retrato del aire —capas

más maravillosos que existen es invisible. Aunque en

de aire y bruma— es muy valioso, ya que lo que

la vida real normalmente no lo podemos ver, el aire

llamamos “atmósfera” crea ambiente. El aire

queda fantástico en un cuadro.

transmite emociones. La niebla, el humo, la neblina o la borrosidad tienen fuerza narrativa. Así que,

Todo lo que hace que los paisajes y los espacios sean mágicos, la niebla que se despliega sobre la tierra, un velo de nubes, un hilo de humo, una neblina, todo lo que describimos como ambiente es aire. El aire es materia. Y cuando se llena de nubes, humo o niebla pasa a ser un aire sumamente visible. Se dice que en el siglo XVI, el navegante sir Walter Raleigh apostó con la reina Isabel I que podía pesar el humo de un puro. Desde luego, las apuestas fueron altas. ¿Pesar el humo de un puro? ¡Imposible! Raleigh sonrió, hizo girar el puro entre sus dedos y lo depositó en la pesa. Escribió el peso en su cuaderno y encendió el puro. Cuando acabó de fumarlo, pesó la ceniza y calculó la diferencia. La diferencia, afirmó, era el peso del humo. No estaba equivocado. Si pudiésemos pesar el aire, podríamos afirmar que un metro cúbico de aire pesa un poco más de un kilogramo.

El término “pintura atmosférica” no ha surgido de la nada; el aire tiene una gran influencia sobre nuestras pinturas. Sobre todo cuando se le une la bruma, la niebla o el polvo, el efecto es muy visible: cuanto más densas sean las capas de aire, más pálido resultará el tema que está detrás de ellas, porque atenuará sus contornos e intensidad y perderá la luminosidad original del color.

¿cómo representarlo?

C A L L E J E A ND O

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SMOG Y ATMÓSFER A La mayoría de los medios de dibujo y pintura hacen difícil captar los fenómenos nebulosos y fantasmagóricos del aire. En cambio, la pintura a la acuarela tiene sus ventajas a la hora de crear la ilusión del aire en un cuadro, porque funciona de la misma manera que él. Ambos son materia transparente en la que flotan partículas, como el humo o la niebla (en el caso del aire) o los colores (en el caso del agua). Retratar atmósferas es, por ello, sencillo, ya que son muy similares a la naturaleza física de nuestro medio. Además, la pintura se comporta del mismo modo en el agua que la bruma, el humo o las nubes en el aire: flota en las zonas húmedas y descansa en el papel en transiciones nubosas. Al mismo tiempo, la pintura diluida tiene casi la misma apariencia transparente que las nubes en el aire. Así que para captar la bruma, lo único que tenemos que hacer es aplicar zonas de agua limpia y dejar que una cantidad mínima de pintura flote en ella. Empezamos dejando que entre “aire” en la zona; es decir, la mojamos. El segundo paso es añadir con cuidado la pintura y permitir que avance flotando como humo o niebla hacia las zonas más húmedas. Dependiendo de la dirección que tome nuestro cuadro, la imagen se va haciendo más tangible paso a paso.

Entre otras cosas, es aconsejable seleccionar elementos individuales de un cuadro para difuminarlos en la bruma y que los contornos más definidos queden en primer plano. Esto se consigue dejando que nuestra primera “capa de niebla” se seque por completo y colocando formas más concretas en primer plano al aplicar la segunda capa. Si quieres pintar nubes resplandecientes o columnas de humo, asegúrate de que haces sus contornos un poco más sólidos. Pintar aire es mucho más fácil de lo que probablemente te habrías imaginado. Aunque parezca paradójico, el mejor modo de retratar el aire es usando agua.

Planta siderúrgica en Estados Unidos; la versión de la izquierda muestra técnicas de húmedo sobre húmedo que incorporan atmósfera, bruma y humo.

C A L L E J E A ND O

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Y ADEMÁS, ¿QUÉ ES LA BELLEZA? Si algo es bello o no debes decidirlo tú. Muchas veces se espera de los acuarelistas que pinten viejas granjas en Provenza, yates de recreo en puertos mediterráneos o molinos en Holanda. Claro que estos temas son bonitos, pero, al final, no tiene mucho sentido pintar siempre lo que otros esperan que pintes. En realidad, Provenza era más idílica en la década de 1960, cuando un cappuccino no costaba seis euros y no había hileras de coches renqueando por las ciudades viejas perfectamente restauradas. Así que, ¿por qué tenemos que pintar las mismas cosas una y otra vez solo porque la gente una vez pensó que eran bellas? Mi consejo es que busques tus propios temas. Si estás planeando pintar algo, deberías

Dentro de veinte años, te aseguro que sentirás

pintarlo por lo que es y no por las expectativas de

más placer viendo el

generaciones pasadas. A plena luz del día, puede que

cuadro del supermercado.

personalmente una casa en Provenza te diga muy

Probablemente “qué tiempos

poco. Puede que sea bonita, pero ¿es tan importante

aquellos” no van a ser tus

como la casa de tu primer amor o la casa en la que

primeras palabras cuando

creciste?

eches un vistazo a tu

Por otro lado, puede que pensemos que el

cuadro de Provenza, sino

supermercado de la esquina es un tema aburrido,

más bien algo del tipo

pero ¿de verdad lo es? Si miras bien igual encuentras

“¿Y esto dónde era?”.

algo interesante. Además, pasamos en ellos buena

En resumen,

parte de nuestras vidas, mucho más que en un

pinta lo que está a tu

destino turístico masificado. Entonces ¿hay temas

alrededor: las cosas

malos simplemente porque a nadie se le ha ocurrido

que son una referencia

pintarlos?

para ti. Los artistas deben ser auténticos y expresar algo sobre su mundo. No importa si lo que pintas es un bloque de viviendas prefabricadas en Rumanía o un supermercado en el estado de Nueva York. Lo que importa es que pintes cuadros y no meras reproducciones.

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COMPOSICIÓN Y DISEÑO Para pintar un buen cuadro grande antes tienes que practicar con muchos cuadros pequeños. En otras palabras, es imprescindible diseñar antes el cuadro. El que una composición sea buena o mala no depende solo del tema, sino también de cómo se organizan los elementos individuales. Que un objeto esté cerca o lejos, que una cordillera roce el borde del cuadro, que el edificio del primer plano esté a la izquierda o a la derecha no es casual. La composición es fundamental y nunca deberías dejarla al azar. En muchos sentidos, podemos decir que los cuadros viven a través de sus partes individuales. Cada línea, cada zona y cada color de un cuadro influyen en su equilibrio visual. Todos los elementos que añadas al tema transformarán el resultado final. Con cada elemento adicional de diseño alteramos la tensión interna del cuadro. Esto hace que el diseño sea un tema muy importante.

Consejo: usa dibujos pequeños o miniaturas para probar qué hacer con tus composiciones.

¿Por dónde empezamos? Es cuestión de desarrollar el instinto en lo que tiene que ver con el diseño y la composición. Aprender soluciones de memoria solo te ayudará a resolver los mismos problemas.

Consejo: la distancia a la que se encuentra el objeto retratado influye de forma determinante en la composición de la imagen. Así que aprende una lección cinematográfica y trabaja con “planos”.

En lugar de ello, educa tu mirada: una vez que puedas confiar en tu instinto, serás capaz de enfrentar nuevos problemas de diseño sin utilizar los mismos recursos de siempre. Así que deja el dique seco y aprende de tus experimentos. Empieza con cosas pequeñas. La composición y el diseño de la imagen se pueden

Aquí tienes cuatro tipos de planos usando el ejemplo de mi gato Juri:

planificar por adelantado utilizando dibujos en miniatura. Las miniaturas son vistas muy pequeñas que nos permiten probar de forma rápida varias combinaciones

Panorama: Juri está lejos. Desaparece como un punto en el paisaje.

en tamaño reducido. De este modo se puede resolver fácilmente si un sujeto debe estar a la izquierda o a la derecha de la composición. Por lo tanto, antes de empezar a pintar haz una serie de dibujos pequeños (quizá al borde de la imagen o en una página de tu cuaderno de dibujo) en los que puedas probar todas las posibilidades. La composición es visible incluso

Plano largo: Juri en su ambiente.

en estas versiones pequeñas, y así ahorrarás tiempo y trabajo. Ya verás. Este sistema de trabajo te permitirá resolver por adelantado problemas importantes de composición sin hacerte perder el tiempo, los nervios y gastar papel. Por cierto, los artistas muchas veces hacemos como si fuésemos omniscientes. Algunos dicen: “el arte es sinónimo de destreza”.

Plano medio, enfoque corto: Juri llena el encuadre, quizá con la parte superior del cuerpo cortada.

Yo digo: ¡libérate de eso! En realidad, la destreza viene de la práctica, y para practicar hay que intentarlo. La buena composición no se puede memorizar. Prueba cosas distintas con tanta frecuencia como puedas:

Primer plano: Juri está

tus cuadros se beneficiarán de ello.

muy cerca, su cara llena el encuadre y se reconocen todos los detalles.

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BORRONES Y MANCHAS Manchas, borrones y salpicaduras de pintura —cosas que generalmente arruinan un cuadro— pueden causar un efecto fantástico en obras a la acuarela. Una salpicadura o unas gotas en el lugar indicado le darán un empujón a la imagen. La dificultad de hacer manchas no reside tanto en manchar (eso lo solemos aprender antes de pintar) como en trabajar con seguridad. Como ya sabemos, la técnica de la acuarela implica un difícil equilibrio entre controlar y el dejarse llevar. Otra opción, claro, es añadir las manchas por separado en Photoshop, pero para insertar las manchas con destreza haciéndolo tú mismo tendrás que conocer un buen puñado de trucos. En primer lugar, no hay que dejar que las gotas de pintura caigan sin más. Si queremos influir sobre la dirección que toman, por ejemplo, las podemos controlar muy bien soplando despacito con una pajita. La cosa se pone más interesante si queremos utilizar las manchas y salpicaduras para imitar texturas. Algunas texturas son muy difíciles y laboriosas de imitar usando acuarelas de la manera tradicional. Estoy pensando, por ejemplo, en texturas rugosas, como piedras, polvo o vegetación, pero también en superficies finas como la piel. En estos casos, un diseño hecho con salpicaduras puede ser muy útil. Si golpeamos el pincel contra los dedos, la pintura se pulveriza sobre el papel en salpicaduras desiguales, creando texturas similares a las de la vegetación. Muchos pintores pintan así los arbustos. Si quieres conseguir texturas más pequeñas y más finas, utiliza un cepillo de dientes para salpicar. Los cepillos de dientes son indispensables para imitar con salpicaduras prácticamente cualquier elemento,

Consejo: puedes controlar fácilmente la dirección en la que fluye una gota soplando con cuidado por una pajita. Las gotas más finas y los diseños se pueden salpicar con un cepillo de dientes.

desde la arena hasta las pecas.

Consejo: los estampados o impresiones hechos con hojas, tela o esponjas también son perfectos para imitar superficies y texturas (por ejemplo, árboles o arbustos) o para dar un toque alegre a tus cuadros.

Puede resultar difícil proteger las zonas que no quieres manchar cuando estás creando texturas con salpicaduras. En mi caso, suelo usar plantillas que hago yo mismo con papel más grueso. Pero las plantillas que están perfectamente cortadas tienen un aspecto muy poco natural, así que prueba a rasgarlas en lugar de recortarlas. Nadie tiene zonas con pecas que terminan como si las hubiesen cortado con tijeras (si de verdad quieres reservar una zona con bordes bien diferenciados, como los ojos, puedes emplear cinta de enmascarar). Da igual cómo consigas controlar tus manchas, cuando se manipulan con habilidad, las manchas y salpicaduras no son un defecto. Al contrario, son precisamente esos elementos aleatorios sometidos a cierto control los que hacen que la acuarela sea un medio tan fascinante.

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ESPACIO NEGATIVO

Pintar lo que no está ahí Algunas cosas son tan evidentes que no nos damos cuenta de que están ahí. Pero hay muchos aspectos que dependen de lo que no vemos. Estoy hablando del espacio negativo. En un cuadro, no solo son significativas las cosas que pintamos. Las partes que no pintamos también son enormemente importantes. No obstante, es importante que el espacio negativo no “resulte” sin más. Debes componerlo conscientemente. Así que, cuando pintes, presta atención a lo que está ahí y a lo que no está. El éxito de un cuadro o de una composición depende a partes iguales de ambos aspectos. No vemos las cosas que vamos a pintar tal y como son. Aunque no nos percatemos, el espacio negativo que resulta de ellos también forma parte de nuestro análisis. Trata de imaginarte siempre tanto la forma del sujeto o tema que vas a pintar como la de sus espacios negativos. Seguro que estás familiarizado con las ilusiones ópticas del tipo “si miras mucho tiempo un cáliz se convierte en dos caras”. Intenta pensar así cuando pintes. Pon un poco de distancia entre el tema y tú y fíjate en si las formas negativas son atractivas desde el punto de vista de la composición. Reduce los temas a formas planas y luego estudia qué aspecto tienen los espacios negativos. Te sorprenderás de cuánto se enriquecen tus cuadros con esto.

Consejo: para componer el espacio negativo, primero tienes que mirar el positivo. Simplifica el tema. Redúcelo mentalmente a una superficie o forma plana: el resto sucederá solo.

Consejo: estos principios sobre el espacio en blanco son aplicables también a otros campos del diseño. La forma negativa de una letra, de un logotipo u otro elemento de diseño también es significativa. Aquí también, lo que vemos no es lo que decide si la pintura es “buena” o “mala”: las formas negativas resultantes también contribuyen a ello.

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BLANCO Un caso especial

Blanco como la nieve, blanco como la luz, blanco como el papel. En la acuarela, el blanco, ese color inocente, es un asunto mucho más complejo de lo que podría parecer. El problema reside en la naturaleza del glaseado: cada capa que aplicamos oscurece la imagen. No importa qué color añadamos después ni lo claro que sea: con cada capa la imagen se oscurece y cada paso que damos nos aleja un poco más de la luz. Al contrario que otras técnicas pictóricas, la acuarela es una calle de una sola dirección. La transparencia de la pintura hace prácticamente imposible aplicar un tono más claro sobre uno más oscuro. Retocar la pintura añadida resulta difícil, y una vez que un tono se ha oscurecido no se puede volver a aclarar. Con medios opacos como óleos o acrílicos, basta con utilizar un tubo de pintura blanca, pero con la acuarela estamos un poco desvalidos. La pintura a la acuarela blanca usada directamente de la paleta tiene un aspecto sucio y poco natural. Por eso la regla de la acuarela es la siguiente: el blanco no se pinta. El blanco se omite, se “reserva”. Esta es una de las razones por las que la acuarela no es una técnica fácil: no podemos hacer correcciones. El blanco de nuestras imágenes es el papel, y esto nos obliga a saber de antemano dónde queremos exactamente que esté presente su resplandor. En la pintura a la acuarela, el blanco de la imagen nos obliga a planificar el cuadro de antemano. Así que ¿cómo lo hacemos? ¿Simplemente pintando a su alrededor y reservando el tono más claro? En la práctica, esto es de todo menos sencillo, porque con frecuencia las partes más claras de la

Consejo: el líquido de enmascarar tiene la desagradable cualidad de hacer grumos en el pincel. Por ello, no uses nunca pinceles de acuarela caros para aplicarlo. En su lugar, utiliza modelos más baratos, como los pinceles para artesanía. También es aconsejable mojar un poco el pincel en agua con jabón antes de pintar con este líquido.

imagen son solo cositas muy pequeñas, como la luz que

Cuando trabajas con acuarelas, el líquido o fluido

se refleja en un cristal, el blanco de un ojo o un mechón

enmascarador es el mejor material para este

de pelo.

propósito.

Evidentemente, en estos casos no podemos estar

El líquido de enmascarar es una película de látex

“dando rodeos” por estas zonas, más aún si están

hidrosoluble que se aplica a las zonas que se quieren

incluidas en áreas de color más amplias.

proteger de la pintura. Se aplica como un líquido y

Para estos casos tan exigentes, las máscaras, o

luego se deja secar. Una vez seca la película, puedes

zonas reservadas, son una buena solución. La máscara

pintar sobre ella. Los lugares a los que se adhiere el

más sencilla se puede hacer con cinta de enmascarar.

líquido no se pigmentan. Más tarde, puedes frotar la

Las máscaras de papel también se pueden usar, pero

película con el dedo o con una goma de borrar hasta

se adhieren con dificultad al papel.

eliminarla. Por suerte, la película de enmascarar se

Otro truco es pintar de antemano las partes blancas de la imagen con ceras o velas. Las acuarelas no se adherirán a los lugares tratados con antelación, y estos quedarán blancos. No obstante, este método no es muy preciso y una vez aplicada la cera no se puede eliminar.

puede sacar sin dejar residuos y puedes pintar otra vez en zonas que habían estado enmascaradas.

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ESTUDIOS, SKETCHES Y BOCETOS

La pintura a la acuarela es una técnica transparente. Las capas de pintura no se tapan unas a otras, y su transparencia garantiza siempre que las capas subyacentes sigan visibles. Esto es cierto no solo en relación con las capas de pintura, sino también con los bocetos y estudios que podemos haber pintado debajo. Esto es motivo suficiente para examinar más de cerca los bocetos y las acuarelas. Puedes hacer un boceto preliminar utilizando casi de todo, por supuesto, pero lo suyo es que emplees las propias acuarelas. Para ello, utilizaremos pintura diluida de un tono claro —beige o amarillo, por ejemplo— para hacer un dibujo rápido en el papel y luego pintar la imagen sobre él. Esto hará que parte del boceto inicial se disuelva en la pintura, creando una cierta ligereza. Hacer el dibujo preliminar a lápiz crea una imagen ligeramente más visible. No obstante, el lápiz tiende a fijarse con la pintura a la acuarela, y por muy fina que sea la capa de pintura, una vez aplicada ya no podremos borrar las líneas de lápiz que hay debajo. Hay lápices de colores hidrosolubles que se borran o desaparecen cuando entran en contacto con el agua, pero en la mayoría de los casos, la línea permanece y forma el andamiaje de la imagen. Aparte de usar lápiz, puedes dibujar utilizando cualquier tipo de rotuladores permanentes. Personalmente, yo prefiero trabajar con rotuladores permanentes de punta fina, como Kohl-Noor, Copic, Sakura o similar. Un buen método para transferir un boceto preliminar a papel de acuarela es utilizar una mesa luminosa. Para ello, haz un boceto rápido en una hoja de papel fino y luego cálcalo en el papel de acuarela en la mesa luminosa. Si no tienes una mesa de este tipo o una mesa de dibujo, puedes utilizar una

ventana por la que pase la luz del día. Es buena idea pegar las dos hojas de papel para que estén juntas y no se separen. Por desgracia, ni la mesa luminosa de luz más intensa será capaz de iluminar a través de un cuaderno o libreta encuadernados en cartón o de un papel estirado en una tabla. En esos casos, vas a tener que encontrar otra solución. Prueba a trabajar con papel Saral. Es un tipo de papel carbón para calcar dibujos que, a diferencia del papel carbón de verdad, está disponible en varios colores. Las líneas calcadas, además, se pueden borrar. Pero también puedes fabricar papel de calco tú mismo. Primero hay que ennegrecer el reverso del boceto con un lápiz blando (3B o más blando). Cuando pongamos este dibujo sobre el papel de acuarela y dibujemos encima con un lápiz más duro, las líneas se transferirán al papel que hay debajo y obtendremos una copia exacta a lápiz del dibujo en el papel de acuarela. La ventaja principal de calcar, en mi opinión, es que hace que nos sintamos más tranquilos respecto a nuestros dibujos y no nos arriesguemos a dañar la acuarela si hay que borrar el boceto. Con frecuencia, la actitud de “si no funciona, lo intento otra vez” te llevará precisamente a no tener que intentarlo de nuevo. Parece raro, pero el simple hecho de tener la opción de rehacer un cuadro disminuye las probabilidades de tener que hacerlo.

Calcar en tres pasos 1. Cuaderno de dibujo 2. Copia o papel de calco 3. Papel de acuarela

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DESHACER Un cepillo de cerdas duras también nos puede servir para retirar pintura. Sin embargo, siempre va a quedar, como mínimo, un leve resto de color visible en el papel, así que usar agua para eliminar la pintura no es siempre conveniente. Otro método consiste en intentar sacar la pintura con una técnica en seco. Por ejemplo, puedes utilizar una cuchilla de afeitar o papel de lija para rascar capas de pintura. Esto funciona especialmente bien en tabla de acuarela suave y dura, pero solo en zonas pequeñas. Una goma dura de borrar puede eliminar pigmentos que hayan calado en el papel, pero puede resultar muy agresiva con el papel, así que borra con cuidado. Sin embargo, hay algunos colores (muchos tonos rojos y verdes, especialmente) que penetran tan a fondo la superficie del papel que son difíciles de sacar. Así que no esperes unos resultados perfectamente limpios. En la práctica, se ha comprobado que una combinación de técnicas secas y húmedas funciona bien para sacar la acuarela. Pero si primero intentas sacar la pintura con agua, asegúrate de que el papel se seque por completo antes de intentar quitarlo con una técnica seca, porque se puede rasgar. Por supuesto, lo mejor que puedes hacer es ser fiel a tus fallos.

La pintura a la acuarela puede ser obstinada cuando intentas eliminarla.

Algunos tonos se pueden lavar sin que dejen resto alguno. Para eliminarlos de la manera más limpia, humedece un poco la pintura y utiliza una esponja o cepillo sintético para sacarla al cabo de unos segundos.

Algunos tonos dejan una sombra porque los pigmentos han penetrado mucho en el papel. En este caso, una goma de borrar dura puede ayudar, pero solo en papel de buena calidad. Izquierda, arriba: pinturas que se han lavado. Izquierda, abajo: después de utilizar una goma además del lavado.

También puedes eliminar restos de pintura a la acuarela con un cuchillo, una cuchilla o papel de lija. Estos materiales también son útiles para crear efectos como, por ejemplo, briznas finas de hierba en un prado, nubes algodonosas o reflejos en el agua.

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140

FUSIONAR LOS COLORES Trabajar a partir de un color

y también unifica otros tonos. Los grises como el gris payne, por ejemplo, funcionarán muy bien con esta estrategia si se aplican rápido con un pincel grande. No obstante, existe el riesgo de que la nueva capa humedezca la que está debajo y emborrone todo lo que hayas dibujado hasta ese momento.

Hay un velo gris sobre la ciudad / Que mi madre no ha lavado aún.

Por lo tanto, yo prefiero empezar siempre con la capa subyacente de color antes de trabajar Die Fehlfarben, 1980

en los detalles. Cuando fusiones colores, también puedes

¿No crees que un día de junio a las 19:52 de la tarde

aplicar primero gradaciones de húmedo sobre

el mundo muestra su versión más bonita? ¿Cuando

húmedo. Puedes crear destellos de luz o

el sol está bajo y lo impregna todo de un resplandor

sombras en la primera capa unificadora,

amarillo? ¿O cuando la niebla entra en el puerto

obteniendo así un elemento gráfico sobre el

y extiende un tono lechoso en el horizonte? ¿Y qué me

que construir la imagen. Por ejemplo, un punto

dices del crepúsculo: cuando las estrellas aparecen

oscuro añadido al papel en los estadios iniciales

en el cielo de la tarde y la noche lo baña todo de azul

de un cuadro puede evolucionar hacia las

y violeta?

sombras de una habitación o el centro de

Un tono común en la luz no es solo precioso a la vista, sino también sumamente importante en la pintura, ya que unifica los colores. Un buen modo de crear una paleta de color

una flor. Estas técnicas producen unos excelentes efectos y establecen el tono general

armónica y coherente es fusionar los colores. Esto

y el ambiente del dibujo

significa crear la ilusión de que todo el cuadro está

desde el principio.

bañado por un solo tipo de luz. Lo mejor es pintar de un solo color toda la superficie del papel antes de ponerse con los detalles. Esto establece un tono, un ambiente general sobre el que pintar la imagen. Aquí funciona muy bien una técnica de húmedo sobre húmedo. Como las sucesivas capas de pintura a la acuarela se mezclan unas con otras, este tono inicial estará presente en todo el cuadro: todas las capas de color que añadas después se mezclarán con este color inicial único, y por lo tanto serán armónicas. El tono subyacente unificará los colores que se apliquen sobre él. También lo puedes hacer al revés y aplicar una última capa de color sobre la obra acabada. Esto atenúa los colores que no hayan funcionado muy bien

Página anterior: la capa unificadora se ha pintado primero. Abajo: la capa unificadora se ha añadido al final.

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142

Consejo: el papel de color va muy bien para hacer collages, porque el contraste con el fondo nuevo produce una plasticidad convincente.

TR ABAJAR CON PAPEL DE COLOR Otro truco estupendo para fusionar los colores es escoger el papel a propósito. Prueba a pintar en papel de color en vez de en papel blanco. Es aún más fácil crear armonías de color agradables sobre fondos de color que sobre hojas blancas de acuarela. Al igual que un lavado de pintura inicial unifica los colores, el papel de color aporta un ambiente o tono básico, cohesivo, que guía visualmente todas las capas de pintura en una dirección. Los papeles de tonos básicos crean contextos lumínicos por sí solos. Los papeles que mejor funcionan en estos casos son los amarillos, grises o marrones. El papel reciclado también puede resultar muy efectivo. Los sobres viejos, páginas de libros, papel pintado de pared, papel de regalo y papel viejo de estraza son opciones excelentes. En realidad, lo que importa es que el color del papel tenga la suficiente intensidad como para unificar los colores con los que pintas, pero no tanta como para que se coma el glaseado de acuarela. Suena simple, pero lo cierto es que el papel de color crea un contexto básico que facilita el trabajo con colores, ya que le da a la imagen un color natural, unificador.

Consejo: sobre el papel de color puedes utilizar incluso pintura de acuarela blanca opaca, porque se ve mucho más pura e inmaculada que cuando se pinta sobre papel blanco.

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144

EFECTOS ESPECIALES Existen una serie de aditivos y de trucos que alteran el efecto de las acuarelas. La hiel de buey es muy común, y algunos fabricantes la añaden a sus sets de pintura como elemento fijo. Está hecha con vesícula biliar de ganado vacuno (no chupes el pincel, sabe fatal) y se utiliza sobre todo para mejorar el flujo, retrasar el secado y eliminar las manchas de grasa que puedan haber ensuciado el papel (marcas de huellas dactilares, por ejemplo). Sinceramente, no me parece que la hiel de buey sea muy necesaria. En mi opinión, a no ser que tengas muchísimo espacio en la caja de pinturas, puedes prescindir de ella sin problema. Hay un par de elementos que no vienen en la caja de pinturas y que sí pueden influir de forma decisiva en el resultado de tus cuadros. Por ejemplo, si quieres crear manchas y salpicaduras, puedes espolvorear sal o salpicar con saliva (¡en serio!) el cuadro. También puedes sacar la mina de los lápices de acuarela y espolvorear las virutas sobre el papel cuando la pintura aún esté húmeda para conseguir texturas fantásticas. Esta técnica produce efectos sumamente interesantes y enfatiza el color de los cuadros de manera notable.

Naturalmente, este tipo de trucos por sí solos no garantizan la calidad de un cuadro, pero son maneras estupendas de realzar una imagen. En un cielo de invierno, la saliva puede parecer nieve, y las virutas de los lápices de acuarelas texturas orgánicas como plantas o rocas. Bien utilizados, estos trucos son muy valiosos.

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146

LETR AS Y ESCRITUR A

Los dibujos y los caracteres han sido esenciales para el desarrollo humano desde tiempos inmemoriales.

Todos los caracteres escritos empezaron siendo

Su uso permitió transmitir ideas y mensajes de una

pictogramas o dibujos que encarnaban su significado.

persona a otra sin que fuera necesario el habla,

Los jeroglíficos egipcios eran pictogramas, aunque

y de esta forma hicieron posible que la información

también se asociaban con consonantes. En algunos

se pudiera almacenar y transportar: el tiempo

tipos de escritura, aún se pueden reconocer los

y el espacio habían dejado de ser un obstáculo.

pictogramas originales. Por ejemplo, la antigua forma del carácter chino correspondiente a “persona”

Sin imágenes ni caracteres escritos, probablemente

realmente se parece un poco a una figura humana,

aún estaríamos persiguiendo manadas de renos por el

y el carácter correspondiente a “luna” recuerda a una

monte. El desarrollo del mundo moderno y todos sus

luna creciente.

avances, desde la impresión de libros a la invención

A lo largo de los siglos, los pictogramas iniciales

de la tostadora, únicamente han sido posibles gracias

fueron perdiendo gradualmente su forma, se

a nuestra capacidad para preservar y transmitir el

convirtieron en fonemas y sílabas y se abstrajeron

conocimiento de unos a otros.

hasta convertirse en lo que hoy reconocemos como

Hace aproximadamente cinco mil años, los sumerios

letras y caracteres. No obstante, la escritura no solo

de la ciudad de Uruk (hoy Irak) dieron un enorme salto

sirve para transmitir información. También tiene su

cualitativo hacia el perfeccionamiento de la transmisión

belleza intrínseca.

de información al pasar de los pictogramas a la escritura

Al igual que podemos utilizar bolígrafos y

cuneiforme, una forma temprana de escritura. Como ya

lápices tanto para escribir como para dibujar, los

deberíamos saber, las imágenes y la escritura están

pinceles no solo tienen que usarse para pintar,

íntimamente relacionadas.

también se puede escribir con ellos.

Consejo: si alguna vez has intentado utilizar sellos de letras con pintura a la acuarela, te habrás dado cuenta de que la pintura no se adhiere muy bien a los sellos normales. Una buena alternativa es hacer un sello de toda la vida con una patata. Las pinturas a la acuarela se adhieren bien al almidón de la patata, haciendo así que sellar sea viable en los experimentos tipográficos con acuarela.

Las letras a pincel son un buen modo de aunar escritura y dibujo, como si de un reencuentro entre parientes se tratara. Si complementamos nuestras imágenes con caracteres escritos a mano o pintamos acuarelas caligráficas, estaremos, en cierto modo, volviendo a un único elemento: nos acercamos a la imagen y nos alejamos de la abstracción de la escritura. Además, con la escritura a mano tendemos un puente que une la escritura con algo personal. Así que usa también el set de acuarela para escribir. Te darás cuenta de que la escritura a mano es preciosa, y aún más, de que te sirve para expresarte de forma muy personal. El camino que enlaza tu mente y tu mano, tus pensamientos con tu estilo personal, es muy corto, y está muy bien usarlo para muchas más cosas que una simple firma en la parte inferior de un cuadro.

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148

MAQUETAS, GAR ABATOS Y STORYBOARDS Hoy en día, en diseño aplicado no se emplean muchas técnicas de dibujo a mano por una razón muy sencilla: las revisiones. Las maquetas y los storyboards se modifican mucho más de lo que te podrías imaginar. Los anuncios más pequeños,

En esta página:

las ilustraciones, las animaciones y las películas pasan

storyboards e

por una auténtica metamorfosis hasta que se consideran

ilustraciones

presentables.

de maquetas.

En el transcurso de las revisiones, la mujer que está

Página siguiente:

en el primer plano de un anuncio, por ejemplo, puede verse

ilustración

sustituida por un hombre, el cual a su vez se puede ver

garabateada para comunicaciones internas y presentaciones a clientes. Cliente: Factor Design, Hamburgo.

reemplazado por un coche, al que cambian por un niño, que, en la siguiente reunión, vuelve a mutar y ser de nuevo una mujer (pero con un vestido de otro color en la versión final). No se trata tanto de cambiar la estética sino de tener la capacidad de revisar. Y es evidente que las técnicas digitales son más indicadas para esto que las analógicas. Aun así, todo depende de la fase del proyecto de la que estemos hablando. Si estamos en el campo, en una reunión o una presentación, la balanza se inclina enseguida a favor de las técnicas tradicionales de dibujo a mano. Para explicar algo rápido, para proponer una idea, el dibujo es insuperable. Las acuarelas también son una muy buena opción en estos casos. No tienes que cargar con un surtido de rotuladores de muchos colores. En su lugar, simplemente sacas el set de pintura en miniatura y das color a tus ideas. En presentaciones y sobre todo en reuniones, un pequeño garabato puede subrayar lo que se está diciendo, consiguiendo así un efecto fantástico. Como todos sabemos, al final lo que importa son las ideas. El vehículo que utilices para darles forma debería escogerse de acuerdo con la situación.

Consejo: los pinceles con depósito de agua están especialmente indicados para el trabajo de campo, en reuniones, etc. Evitan las manchas y que tengas que ir por ahí con vasos de agua. Estos pinceles incluyen un depósito de agua, que fluye si ejerces una ligera presión. Puedes encontrarlos en tiendas de material artístico bien provistas o en Internet, y son una excelente opción transportable para tener a mano.

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150

ILUSTR ACIONES CON ACUARELAS Hay un componente anárquico en la pintura a la acuarela. Siempre hace lo que quiere y por ello no es tan predecible como, por ejemplo, los vectores gráficos hechos con ordenador. Las acuarelas y las correcciones, por lo tanto, no se llevan muy bien. Cuando pintamos con acuarela, borrar algo es prácticamente imposible, y lo que es peor, tampoco podemos pintar encima. Aunque podemos intervenir utilizando programas de procesamiento de imágenes como Photoshop, corregir acuarelas a mano es más difícil. Este problema no

lustración en acuarela

es nuevo: desde su invención, las acuarelas han

para la revista Mare

sido difíciles de retocar, aunque bien es cierto

(Hamburgo).

que la revolución digital ha facilitado las cosas y,

Arriba: boceto inicial. Centro: boceto más preciso, usando aún una paleta de color totalmente distinta. Abajo: resultado final, después de muchas fases de revisión.

lógicamente, la demanda de revisiones ha aumentado considerablemente. Aun así, la pintura a la acuarela es excelente para hacer ilustraciones, porque la naturaleza indomable de la pintura tiene algo espontáneo y bello. Por eso las acuarelas son indispensables para algunos tipos de ilustración, por ejemplo, la literaria, en especial libros infantiles. Así que te recomiendo que hagas cuidados dibujos preliminares. Si les das a tus clientes dibujos en color que ya contengan toda la información pictórica que necesiten, aún podrás realizar después correcciones, pero te será más cómodo llevarlas a cabo.

Consejo: cuando ilustres con acuarela, ofrece a tus clientes dibujos informativos. Las posibles correcciones se pueden tomar en consideración y aplicar a continuación.

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152

¿CUÁNTO VALE TU OBR A? Curiosamente, casi todos los artistas plásticos y diseñadores gráficos nos sentimos incómodos con este tema. Lo evitamos por completo, damos precios demasiado

precio. Del mismo modo, independientemente de

altos o demasiado bajos y estamos encantados cuando

sus precios, los cuadros, las páginas de un cuaderno

otras personas (galeristas, agentes o amigos) tasan las

de dibujo o las notitas poseen un valor especial.

obras. No es que se nos den mal los negocios, pero con demasiada frecuencia no vemos los precios como el equivalente material del reconocimiento de los otros.

Los cuadros casi siempre tienen valor, pero eso no significa que sean siempre productos rentables. Incluso si el valor es mucho más importante que

Erróneamente, vemos el precio como indicativo de

el precio, el arte y el diseño son, desde luego, trabajo.

nuestra calidad artística.

Así, una obra de arte también debería tener valor

Si el precio es demasiado bajo, nos imaginamos esfumándonos hacia la irrelevancia; si es demasiado

económico. Pero curiosamente, tanto la sociedad como los

alto, la presión de no defraudar nos sofoca. No se trata

artistas tienden a precipitarse a los mismos extremos:

del precio, sino de nosotros mismos. Curiosamente,

enseguida inflamos o bajamos más de lo necesario

eso es lo que hace que sea tan difícil poner precio

nuestros precios porque no hay referencias universales

a nuestro trabajo.

que sirvan para equiparar monetariamente valores

Dicen que el mercado establece el precio. Cuanta más gente quiera colgar este cuadro en la pared (o en el caso de los derechos de uso, cuanta más gente quiera reproducir la obra), más alto será el precio. Por

personales. Los precios bajos a menudo se justifican con “he disfrutado haciéndolo”. Yo fijo así mis precios: el factor decisivo es si estoy

eso, un precio alto debe significar que la obra le gusta

vendiendo el cuadro o solo los derechos. En caso de

a mucha gente.

que sean los derechos, quedarse con un royalty me

Es muy destacable que permitamos que nuestro

parece lo más práctico, porque así, sin tener que citar

valor como artistas dependa tanto de este principio

cifras reales, retienes una fracción considerable de

de valor de mercado, ya que el mercado no tiene

los beneficios.

necesariamente la mirada más educada. El valor de mercado también puede hacer que algo intranscendente sea caro y viceversa. Una buena obra puede carecer de valor en el mercado porque nadie la reconoce. Resumiendo, yo personalmente no creo que precio y valor sean lo mismo. Al revés, las cosas verdaderamente significativas suelen ser imposibles de vender: los buenos recuerdos, los días de verano y los primeros amores no tienen

Consejo: no te olvides de que el precio no es el valor del cuadro. El valor no se puede medir.

Si quieres vender un cuadro, el precio debería incluir la destreza en la ejecución, la calidad, la idea, el esfuerzo y el tamaño. Además, no está de más que tengas en cuenta, en cierta medida, el presupuesto del comprador. Personalmente, no creo que un cuadro deba ser más caro que el sofá sobre el que está colgado. Así que quizá debas adaptar el precio en función de si va a colgarse encima de un sofá de Ikea o de una chaise longue de diseño italiano.

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154

TODO LLEGA A SU FIN ¿Cuándo se acaba un cuadro?

La pregunta de cuándo está terminada una imagen

rehumedecen y se pintan por encima se vuelven

nunca surge con una Polaroid. Miras por el visor,

apagadas y pierden su luminosidad.

aprietas el botón, sueltas y la foto está hecha.

En todos los cuadros, llega un momento en el que seguir pintando no mejora la obra, sino que la

O sale bien o sale mal.

empeora. Los pintores hablan entonces de “pintar un Con un cuadro las cosas son muy diferentes.

cuadro hasta la muerte”. Un componente importante

Un cuadro evoluciona desde el dibujo preliminar,

del arte —especialmente en la pintura a la acuarela—

la preparación del fondo hasta el resultado final.

es reconocer cuándo va a llegar este momento y soltar

Añadimos un elemento y eliminamos otro. Un cuadro nos

acabado en el momento en que sueltas el

deberíamos es que sabemos que en cuanto lo demos por acabado estaremos sometiendo la obra a evaluación. Los cuadros inacabados no se pueden

crecimiento. Mientras

juzgar. Mientras el cuadro sea una obra en proceso,

crece, lo vamos

estaremos retrasando ese momento de la verdad.

orientando en una

El miedo a este momento es el que nos fuerza a

dirección u otra.

quedarnos encallados en una especie de purgatorio y

controlarlo, también

fotografía. No está

trabajamos en un cuadro más tiempo del que

tiempo y energía en su

los únicos capaces de

mismo que una

Una de las razones por las que a menudo

acompaña: invertimos

Pero como somos

Un dibujo no es lo

el pincel.

a seguir dedicándole a nuestros cuadros más tiempo del necesario. Resulta paradójico que sea esto exactamente

somos la única autoridad que lo puede declarar

lo que hace que un cuadro sea peor. Si tuviésemos

acabado.

el valor de darlo por terminado, podríamos evitar

Este es el dilema. Dedicamos tanto tiempo a nuestro cuadro que curiosamente también perdemos la distancia respecto a él. La pregunta de cuándo se acaba un cuadro es,

obturador; le damos

realmente, muy importante. ¿Deberíamos cambiar

forma a medida que

un elemento o añadir otro? ¿Es esta forma la más

va creciendo.

adecuada? ¿El color indicado? Si seguimos pintando y somos incapaces de darlo por concluido, nos arriesgamos a estropearlo. La pintura a la acuarela en particular parece muerta cuando acumulamos una capa tras otra sin cesar. Las acuarelas que se

pintarlo “hasta la muerte”. ¿Cuándo está acabado tu cuadro? En el momento en el que sientas que no puede mejorar, sino únicamente ir a peor.

156

ÍNDICE Acabar, 154

efectos de, 22, 48, 60

Acuarela

favorito, 74

actitudes hacia, 7

fríos, 68

Generadores de color, 63

características de, 7, 100

fusión, 141, 143

Goma arábiga, 10–11

historia de, 12

luminoso vs. no luminoso,

Gris, 26–27, 29

tiempo y, 8–9

mezclar colores con, 32–33

Pigmentos, 11, 12–13

practicar, 34

Pinceladas, 99

Acuarelas líquidas, 104–105

mezcla, 32–33, 98–99

Hiel de buey, 144

Agua, pintar, 120–121

perspectiva y, 76–77

Humo, 122

Aire, 122, 124–125

resistencia a la luz de, 13, 97,

Armonía monocromática, 65 Armonías de color análogas, 65 cálido-cálido, 68 complementaria dividida, 65

104–105 tunear, 102–105

Ilustraciones, 150–151

composición de, 10–13 comprar, 96–97

Ver también colores

combinar glaseados y, 47

diluir, 41

individuales

efectos de, 36

en tubos vs. pastillas, 93

técnicas, 38–45

mezclar, 98–99

Composición, 128–129

Letras, 146–147

frío-frío, 68

Contrastes, 53

Luz

monocromático, 65

Creatividad, 83, 87

no familiares, 74–75 Diseño

tetrádica, 66

composición y, 128–129

triádica, 66

decisiones y, 25

Azul, 18–19, 60, 76–77

sacar, 42–43, 138–139 símbolos de, 97

blanco como, 31, 38

Precios de venta, 152–153

efecto de, 56

Prioridades, 90

sombras y, 26–27 Relajarse, 84–85 Manchas, 130–131, 144

Rojo, 16–17, 60

Maquetación, 148

Ruedas de color, 50–51, 63

Efectos especiales, 144–145

Marcas al agua, 111

Emociones, 60, 89

Miniaturas, 129

Sellos, 131, 147

Enmascarar, 134, 135

Morado, 16–17

Sketches, preliminares, 136–137

Storyboards, 148

Cajas de pinturas, 92, 93

Escribir, 146–147

Códigos cromáticos, 72–73

Espacio negativo, 132–133

Naranja, 15

Color iconográfico, 54–55

Estilo

Negro, 28–29, 96

Color local, 54

creatividad y, 83

Color verdadero, 56–57

encontrar tu propio, 80

Colores

relajarse y, 84–85

cálido, 68

Sombras, 26–27

Niebla, 122

Técnica de húmedo sobre

Papel

Temas

húmedo, 44–45 de color, 142–143

Fallos, 138–139

complementarios, 53, 65 contexto cultural y, 62

características de, 100

Lavado

diseñar, 72–73

ciencia detrás de, 48–49

acuarela líquida, 104–105

Lápices, 95, 103, 144

Comida, pintar, 34

Blanco, 31, 38, 79, 96, 132–135

Pinturas

color de, húmedo vs. seco, 13

complementaria, 65

recoger, 71

Pinceles, 106–109, 149

aplicar, 42–43

tipos de, 54–57 uso económico de, 78–79

149 Pintura al aire libre, 116

48–49

Amarillo, 14–15

Pinceles con depósito de agua,

Glaseado

escoger, 110–111

distancia de, 129 escoger, 89, 126

estirar, 112–113

Tiempo, mal, 116

historia de, 110

Tinta china, 28–29

dar intensidad con, 59

capas de, 31, 34

de pinturas húmedas vs.

combinar lavados y, 47

cambiar, 118

Valor, concepto de, 152–153

con tinta china, 28–29

color y, 76–77

Verde, 20–21, 60

secas, 13

Perspectiva