Культовые художники и их стиль. Как гении искусства и моды вдохновляли друг друга. Фрида Кало, Кристиан Диор, Сальвадор Дали, Ив Сен-Лоран, Марина Абрамович, Марк Джейкобс и другие [1 ed.] 9785001694410

Одежда художника часто отражает творческую и духовную сущность его или ее работы, будь то броские классические костюмы С

128 79 39MB

Russian Pages 208 [210] Year 2021

Report DMCA / Copyright

DOWNLOAD FILE

Культовые художники и их стиль. Как гении искусства и моды вдохновляли друг друга. Фрида Кало, Кристиан Диор, Сальвадор Дали, Ив Сен-Лоран, Марина Абрамович, Марк Джейкобс и другие [1 ed.]
 9785001694410

  • Commentary
  • Vector PDF

Table of contents :
ВВЕДЕНИЕ
РОБЕРТ МЭППЛТОРП
ЖАН-МИШЕЛЬ БАСКИЯ
ФРИДА КАЛО
ДЭВИД ХОКНИ
САЛЬВАДОР ДАЛИ
ЭЛИЗАБЕТ ПЕЙТОН
ВИЗИТНАЯ КАРТОЧКА: ПРИЧЕСКА
ЯЁИ КУСАМА
НАН ГОЛДИН
БАРБАРА КРЮГЕР
ЕВА ГЕССЕ
ЭНДИ УОРХОЛ
ЛУИЗА БУРЖУА
ВАНЕССА БИКРОФТ
ЛИ БАУЭРИ
КИТ ХАРИНГ
ВИЗИТНАЯ КАРТОЧКА: ОЧКИ
СТИВ МАККУИН
ТАКАСИ МУРАКАМИ
ЙОКО ОНО
РИЧАРД АВЕДОН
ПАБЛО ПИКАССО
ЛУИЗА НЕВЕЛЬСОН
ДЖУЛИАН ШНАБЕЛЬ
ЛИ МИЛЛЕР
ДЖЕКСОН ПОЛЛОК
ВИЗИТНАЯ КАРТОЧКА: КОСТЮМ
СЕСИЛ БИТОН
МАКС ЭРНСТ
ДЖЕФФ КУНС
ПИТ МОНДРИАН
ХАННА ХЁХ
МАРСЕЛЬ ДЮШАН
НИКИ ДЕ СЕН-ФАЛЛЬ
УИЛЬЯМ МЕРРИТ ЧЕЙЗ
ВИЗИТНАЯ КАРТОЧКА: ШЛЯПА
ЙОЗЕФ БОЙС
БРЮС НАУМАН
ГРЕЙСОН ПЕРРИ
РЕНЕ МАГРИТТ
СИНДИ ШЕРМАН
РОБЕРТ РАУШЕНБЕРГ
АЛЕКСАНДР РОДЧЕНКО
ТАМАРА ДЕ ЛЕМПИЦКА
МАРИНА АБРАМОВИЧ
ЭГОН ШИЛЕ
ДЖОРДЖИЯ О’КИФФ
АНРИ МАТИСС
БИБЛИОГРАФИЯ
ИСТОЧНИКИ ФОТОГРАФИЙ
БЛАГОДАРНОСТИ
ОБ АВТОРЕ

Citation preview

КУЛЬТОВЫЕ ХУДОЖНИКИ И ИХ СТИЛЬ Как гении искусства и моды вдохновляли друг друга

ТЕРРИ НЬЮМАН

КУЛЬТОВЫЕ ХУДОЖНИКИ И ИХ СТИЛЬ КАК ГЕНИИ ИСКУССТВА И МОДЫ ВДОХНОВЛЯЛИ ДРУГ ДРУГА ФРИДА КАЛО * КРИСТИАН ДИОР * САЛЬВАДОР ДАЛИ * ИВ СЕН-ЛОРАН * МАРИНА АБРАМОВИЧ * МАРК ДЖЕЙКОБС И ДРУГИЕ

ТЕРРИ НЬЮМАН

КУЛЬТОВЫЕ ХУДОЖНИКИ И ИХ СТИЛЬ Как гении искусства и моды вдохновляли друг друга ФРИДА КАЛО • КРИСТИАН ДИОР • САЛЬВАДОР ДАЛИ ИВ СЕН-ЛОРАН • МАРИНА АБРАМОВИЧ • МАРК ДЖЕЙКОБС И ДРУГИЕ

Перевод с английского Марии Сухотиной

Москва «МАНН, ИВАНОВ И ФЕРБЕР» 2021

ОГЛАВЛЕНИЕ ВВЕДЕНИЕ РОБЕРТ МЭППЛТОРП ЖАН-МИШЕЛЬ БАСКИЯ ФРИДА КАЛО ДЭВИД ХОКНИ САЛЬВАДОР ДАЛИ ЭЛИЗАБЕТ ПЕЙТОН

6 14

20 26 32 38 44

Визитная карточка: Прическа

50

ЯЁИ КУСАМА НАН ГОЛДИН БАРБАРА КРЮГЕР ЕВА ГЕССЕ

50

ЭНДИ УОРХОЛ ЛУИЗА БУРЖУА ВАНЕССА БИКРОФТ ЛИ БАУЭРИ КИТ ХАРИНГ

54

52 52 53

60 66 72 78

Визитная карточка: Очки

84

СТИВ МАККУИН ТАКАСИ МУРАКАМИ ЙОКО ОНО РИЧАРД АВЕДОН

84

ПАБЛО ПИКАССО ЛУИЗА НЕВЕЛЬСОН ДЖУЛИАН ШНАБЕЛЬ ЛИ МИЛЛЕР ДЖЕКСОН ПОЛЛОК

88

85 86 87

94 100

106 112

Визитная карточка: Костюм СЕСИЛ БИТОН МАКС ЭРНСТ ДЖЕФФ КУНС ПИТ МОНДРИАН

118 118 119 119 120

ХАННА ХЁХ МАРСЕЛЬ ДЮШАН НИКИ ДЕ СЕН-ФАЛЛЬ УИЛЬЯМ МЕРРИТ ЧЕЙЗ

122 128 134 140

Визитная карточка: Шляпа ЙОЗЕФ БОЙС БРЮС НАУМАН ГРЕЙСОН ПЕРРИ РЕНЕ МАГРИТТ

146 146 147 148 149

СИНДИ ШЕРМАН РОБЕРТ РАУШЕНБЕРГ АЛЕКСАНДР РОДЧЕНКО ТАМАРА ДЕ ЛЕМПИЦКА МАРИНА АБРАМОВИЧ ЭГОН ШИЛЕ ДЖОРДЖИЯ О’КИФФ АНРИ МАТИСС

150 156 162 168 174 180 186 192

Библиография Источники фотографий Благодарности Об авторе

198 205 207 207

ВВЕДЕНИЕ Я хочу умереть в голубых джинсах. — Энди Уорхол. Философия Энди Уорхола (от А к Б и наоборот)

В

этой книге мы поговорим о стиле знаменитых художников — Фриды Кало, Кита Харинга, Сальвадора Дали, Марселя Дюшана и многих других — и о том, как их образы и творческие находки влияют на современную моду. Превыше всего мир искусства ценит самовыражение и силу образа, поэтому внешность художника может быть не менее значима и интересна, чем его творчество. В 2008 г. 96-летняя Луиза Буржуа сказала корреспонденту New York Times: «Одежда помогает выставить напоказ одно и скрыть другое». Дело художника — переосмыслять культурные нормы, выражать порывы своей души и создавать шедевры, которые станут откровением для каждого из нас. Для искусства нет ничего важнее индивидуальности; исследуя личности любимых художников, мы глубже понимаем их внутренний мир и темперамент. Одежда, которую они выбирают, может многое сообщить об их эстетике, а также личной жизни, чувствах, воззрениях, корнях. Мексиканские мотивы в произведениях и нарядах Фриды Кало отображают ее человеческую суть: силу и хрупкость, личные и политические убеждения. Каждый художник уникален и может быть только собой. Часто внешний вид передает его неповторимое мироощущение. То, что художник носит на улице и в мастерской; то, как он взаимодействует с миром моды,

6

и то, что мир моды берет из его творчества, дает богатейшую пищу для размышлений. Возможно, такой подход к искусству — с точки зрения моды, когда одежда объявляется продолжением творчества, — поначалу покажется надуманным или упрощенным. Однако гардероб художника иногда позволяет по-новому осмыслить его эстетические принципы. В творчестве Жан-Мишеля Баския соединялись культурные коды «верхов» и «низов» Нью-Йорка: граффити и поэзия, портреты звезд и черепа. Все это было частью его послания миру. Он изображал себя и свою жизнь — вероятно, поэтому его полотна вызывают такой живой отклик у зрителя. Наряды Баския несли тот же посыл: он любил дорогие бренды, но свободно сочетал пиджаки от Armani и Yamamoto с дредами, рваными джинсами Levi’s и грязными кедами. Дэвид Хокни — подлинный мастер цвета, что видно и по его гардеробу: ярко-желтые вельветовые брюки, небесно-голубые куртки и вишневые галстуки типичны для этого уроженца Северной Англии, который любил изображать лазурные бассейны солнечной Калифорнии. Некоторые художники и сами на досуге создают шедевры моды, вовсе не считая такие эксперименты ниже своего достоинства. Яёи Кусама выставила собственную линию одежды на продажу в универмаге Bloomingdale’s в 1980-х, задолго до коллаборации с Марком Джейкобсом и домом Louis Vuitton (2012). В интервью журналу Women’s Wear Daily художница поясняла: «Да, в тот раз я, можно сказать, торговала одеждой. Но я с раннего детства делаю что-то руками. Скульптура, одежда — мне все равно. Это в любом случае мое произведение. Не вижу особой разницы. Все, что я делаю, — часть моего творчества». Сейчас, в восемьдесят с лишним лет, Кусама по-прежнему носит знаменитые наряды в горошек и походит в них на живую картину. Ее личный стиль и творческую манеру объединяет неразрывная симбиотическая связь. Для многих художников творчество — путь к самопознанию. Одним из главных сюжетов Эгона Шиле был, конечно, он сам; «Автопортрет в павлиньем жилете» (1911) во всей полноте раскрывает образ щеголя-бунтаря, любимого многими поклонниками моды и искусства. В его угловатом силуэте, затейливом наряде и надменном выражении лица отразилась суть моды. Неудивительно, что этот образ оказался близок, например, Дэвиду Боуи: обложка его альбома Heroes (1977)

7

напрямую отсылает к автопортрету Шиле* — вплоть до характерно вытянутых пальцев и вызывающего взгляда. Кроме того, по нарядам некоторых художников можно изучать историю моды: в 1960-х Йоко Оно носила высокие белые сапоги из лаковой кожи и сексапильные брюки; в 1970-х — военную форму с беретом, время от времени надевая просторные платья в восточном стиле и широкополые шляпы; в 1980-х — монолитные очки в стиле «Бегущего по лезвию» и минималистичные черные костюмы. Насущные темы дня отражались и в ее произведениях и творческих акциях: от «постельного протеста» против войны во Вьетнаме до инсталляций из серии «Дерево желаний» в 1990-х и участия в кампании «Художники против фрекинга**» в начале 2000-х. Иногда художникам и кутюрье кажется, что между миром искусства и миром моды пропасть. Некоторые дизайнеры буквально шарахаются в сторону, заслышав титул «художник моды». В одном из своих редких интервью бельгийский король авангардного стиля Мартин Маржела пояснил: «Мне очень не нравится, что моду иногда сравнивают с искусством. Дизайнер не может позволить себе подобных амбиций. Мода очень тесно связана с текущим моментом и с людьми, которые в нем живут. Она стремительно меняется под воздействием самых разных сил. Я просто делаю одежду для людей» (журнал Knack, 1983 г.). Пьер Берже однажды сказал: «Мода не искусство, но она не может жить без искусства». Однако, если взглянуть на жизнь и творчество партнера Берже, Ива Сен-Лорана, нельзя не признать, что в душе он был подлинным художником. Благодаря невероятному мастерству он работал с обманчивой легкостью, как танцует балерина: летящий росчерк в блокноте превращался в шедевр на подиуме. Искусство, безусловно, вдохновляло Сен-Лорана: его любимым художником был Пикассо, но кутюрье не раз отдавал дань уважения и другим мастерам — Матиссу, Ван Гогу, Мондриану. Рей Кавакубо, достигшая в мире моды почти небывалых высот, в 1998 г. заявила корреспонденту New York Times Сьюзи Менкес: «Мода не искусство. Произведение * По другим данным, при создании образа на обложке Боуи вдохновлялся картинами немецкого художника Эриха Хеккеля Roquairol и Young Man. Здесь и далее примечания переводчика и редактора. ** Фрекинг, или гидравлический разрыв пласта, — технология добычи нефти и газа, позволяющая увеличить выработку, но чреватая серьезными экологическими угрозами.

8

искусства покупает один человек. В моде все выпускается сериями, у нее более социальная природа. К тому же в ней есть что-то более личное, индивидуальное: через вещь мы выражаем себя. Мода предполагает активное соучастие, искусство пассивно». И все же часто дизайнеров завораживает и личный стиль великих художников, и их творчество. Непринужденный уличный шик Роберта Мэпплторпа давно стал эталоном элегантности для подиумов мира; недавнее тому свидетельство — мужская коллекция Рафа Симонса 2017 г. Главным ее мотивом были принты с фотографиями Мэпплторпа, а демонстрировали ее модели — двойники художника в кожаных кепи и черных ошейниках. Полотнами Пита Мондриана вдохновлялся Ив Сен-Лоран при работе над знаменитой коллекцией 1966 г., перенося мощные, смелые, прямые мазки голландского художника на классические платья А-силуэта. Впоследствии кутюрье говорил: «Шедевр ХХ века — это Мондриан». Платье-трапеция — идеальный холст для упорядоченных цветных матриц, а простой, но элегантный силуэт — вечный козырь Сен-Лорана. Трудно представить себе более гармоничное сочетание формы и рисунка.

Я сказал [Элизабет Пейтон], что художники представляются мне особыми, боговдохновенными существами и из-за этого у меня комплекс неполноценности: «Я дизайнер. Я придумываю одежду, сумки, туфли. Конечно, моя работа предполагает творческие решения, но я обычный человек, а не гений от Бога, как настоящие художники!» На что она ответила: «Это же не мешает вам любить свое дело, — а художники, между прочим, тоже любят хорошо одеваться!» — Марк Джейкобс. Онлайн-версия журнала Interview, 30 ноября 2008 г.

Это было далеко не первое обращение мира моды к творчеству Мондриана. Еще в 1930-х француженка польского происхождения Лола Прусак под влиянием его работ создала «геометрические» кожаные сумки для дома Hermès. К собственному внешнему виду Мондриан относился серьезно и ответственно: форма его усов и покрой костюмов свидетельствовали о скрупулезности, которая

9

проявлялась и в безупречной графике его абстрактных полотен. Подобная взаимосвязь порой весьма плодотворна и для искусства, и для моды. В 1974 г. Энди Уорхол создал портрет Ива Сен-Лорана в технике шелкографии, а тот гибрид стиля панков и битников, что родился в стенах его знаменитой «Фабрики», вдохновил не одно поколение дизайнеров; полосатые футболки, узкие джинсы и солнечные очки до сих пор прочно ассоциируются с образом художника. Сегодня империи моды и искусства близки как никогда: фэшниндустрия часто спонсирует творческий поиск, и временами их альянс дает удивительные результаты. Розовая неоновая инсталляция Миуччи Прады и Карстена Хёллера Double Club, впервые представленная в 2008 г. в Лондоне, а затем (в 2017 г.) на международной художественной ярмарке Art Basel в Майами, зримо доказывает, что искусство и мода могут вступать в плодотворный и взаимовыгодный союз, подпитывая друг друга новыми идеями. Фонд Prada уже более двадцати лет спонсирует творческие инициативы, а в 2015 г. открыл в Милане новый выставочный комплекс по проекту голландского архитектора Рема Колхаса. В нем предусмотрена арт-галерея — как и в венецианском комплексе фонда, где выставки современного искусства проходят с 2011 г.

Раньше я считала, что искусство — нечто высокое, а мода — низкое и в общем неполноценное в моральном плане. Это комплекс, вынесенный из 1960-х, ведь как дизайнер я родилась из протестных движений 1968 года. Но искусство для меня очень важно, и теперь я стараюсь не проводить таких границ. — Миучча Прада в интервью Алистеру Суку. Онлайн-версия газеты Telegraph, 2009 г.

Миучча Прада не просто организует выставки в привычном формате, ее собственные фэшн-шоу дышат любовью к искусству. В 2018 г. она предложила своим любимым творцам — братьям Ронану и Эрвану Буруллекам, Константину Грчичу, бюро Herzog & de Meuron Architekten, а также Рему Колхасу — создать нейлоновый трикотаж для коллекции «Ранняя осень». В работе над летней коллекцией

10

того же года участвовали восемь известных художниц-иллюстраторов. Prada не единственный модный дом, которому принадлежит собственная арт-галерея; в венецианском Музее Фортуни выставлены не только изысканные туалеты от Мариано Фортуни (в свое время очаровавшие Марселя Пруста), но и его картины и фотографии, а также работы великих мастеров прошлого и настоящего — от Сандро Боттичелли до Марины Абрамович. Порой индустрия моды щедро вознаграждает деятелей искусства. Фонд Гуггенхайма уже более двадцати лет поддерживает молодых художников с помощью премии Hugo Boss. С 2005 г. итальянский модный дом Max Mara и лондонская галерея Уайтчепел присуждают женщинам-художницам особую премию за вклад в развитие современного искусства. Мода любит искусство, и оно отвечает взаимностью. В 1936 г., когда швейцарская художница Мерет Оппенгейм встретилась с Эльзой Скиапарелли и помогла ей придумать меховой браслет для новой зимней коллекции, она и представить себе не могла, что благодаря этому пустяку на свет появится ее самое знаменитое произведение «Завтрак в мехах» (Le Déjeuner en fourrure). Как гласит легенда, художница столкнулась с Пабло Пикассо в парижском Café de Flore, и тот, увидев браслет на ее запястье, задумчиво подметил: мехом можно покрыть что угодно. Именно эта ремарка подсказала Оппенгейм идею меховой чашки и блюдца. В недавнем прошлом японский художник Такаси Мураками сотрудничал с брендами Comme des Garçons, Vans, Billionaire Boys Club и Supreme, создавая авторские футболки, скейтборды, кеды-слипоны и прочие коллекционные изделия. В 2017 г. Барбара Крюгер — с помощью лейбла Volcom — показала серию постмодернистских перформансов «Без названия (Дроп)», во время которых создавала худи, очень похожие на лыжные куртки Supreme, пародируя вольное обращение спортивного бренда с ее собственной плакатной графикой. Как правило, художникам легко даются вылазки в сферу моды: в конце концов, это тоже способ творческого самовыражения. В книге Beg, Steal, and Borrow («Проси, кради и заимствуй») Роберт Шор утверждает, что любое произведение есть воспроизведение, или, цитируя Пабло Пикассо, «искусство — это кража». Подлинные трендсеттеры — как, например, Мария Грация Кьюри с ее любовью к творчеству Ники де Сен-Фалль и Леонор Фини — синтезируют художественные образы и превращают шедевры

11

искусства в шедевры моды, предлагая новаторский подход к дизайну одежды. Однако в действительности он не так уж нов: еще в 1913 г. дизайн-ателье «Омега» лондонской группы Блумсбери объединило авангард и моду, вручную расписывая ткани и украшая одежду принтами с оригинальными произведениями искусства. Примерно в то же время француз Поль Пуаре менял явные формы и скрытые смыслы дамской моды. В мемуарах 1931 г. под названием «Король моды» кутюрье писал: «Безумец ли я? Да, я мечтаю, чтобы каждое платье было шедевром; да, я считаю, что мода — это искусство. Я всегда любил художников и ставил себя вровень с ними. Мне кажется, что у нас одно ремесло, что они мои собратья по цеху». В 1910 г. Пуаре начал сотрудничать с Раулем Дюфи, заказывая художнику принты для платьев в богемном стиле; их творческий союз породил симбиоз моды и искусства, существующий до сих пор. В цифровую эпоху творческий процесс нередко начинается с модификации готовой вещи. В обозримом будущем — отчасти потому, что технический прогресс существенно облегчил заимствование и воспроизведение, — коллаборация искусства и моды, вероятно, перестанет считаться продуктом второго сорта. В XXI столетии, кажется, уже не так интересно проводить четкие границы между этими сферами; впрочем, гибридные формы появлялись и раньше. Еще в 1940-х скульптор Генри Мур занимался дизайном текстиля, не боясь испортить репутацию в художественных кругах. Сальвадор Дали вручную расписывал галстуки и оставлял на них свой автограф. В 2009 г. кутюрье Хуссейн Чалаян сказал корреспонденту газеты Independent: «Наверное, меня можно назвать дизайнером-художником… и что? Мне интересны идеи, но безразличны ярлыки. Они нужны только для того, чтобы публике было проще разобраться, кто что сделал. В остальном же они нас только ограничивают и ничего не значат». В 1930-х Соня Делоне настаивала, что созданная ею одежда не просто повторяет ее картины, а творческий метод отнюдь не сводится к тому, чтобы поместить изображение на платье. Произведение искусства и произведение моды она воспринимала как единое символическое целое. «Для меня нет пропасти между живописью и так называемыми декоративными работами», — говорила Делоне. Конечно, не все художники обращаются к моде, однако большинство вкладывают в собственный облик зашифрованное послание к миру:

12

от Джулиана Шнабеля в его знаменитых пижамах до Гилберта и Джорджа* в наглухо застегнутых «серьезных костюмах». Индивидуальность проявляется не только в творчестве, но и во внешнем виде. Иногда взаимосвязь может быть и не столь очевидной. В интервью 1972 г. Луиза Невельсон поясняла: «Мне кажется, что о человеке очень многое можно сказать по внешности — но для этого нужно внимательно вглядеться. Внешность важна. Это не просто поверхностное впечатление, это гораздо глубже. В юности я была очень яркой, любила красивые вещи, одевалась привлекательно. Многие, наверное, считали, что такая женщина не может серьезно относиться к творчеству. Дело было в стереотипных представлениях — чужих, не моих — о том, как “должен” выглядеть художник. Чем он старше и неряшливее, тем сильнее предан искусству. Но ведь это клише. Я всю жизнь с ними боролась и борюсь до сих пор». По одежде художника можно рассказать историю его жизни. Шляпы Рене Магритта, костюмы Сесила Битона, очки Ричарда Аведона многое сообщают об их личности и характере. Изучать их гардероб — все равно что читать ненаписанные главы биографии: становится намного яснее, кем они были и какой путь прошли. В августе 2016 г. Guardian процитировала слова покойного Роберта Раушенберга: «Мне нравится, что у каждой вещи есть свой жизненный опыт, что рубашка меняется, когда погуляешь в ней на солнцепеке, или прыгнешь в воду, или на ней поспит собака. Мне нравится история вещей… У любой материи есть история — своя, встроенная в нее». Обаяние великих мастеров неподвластно времени. Их костюмы — не вечные, в отличие от шедевров, — вызывают пристальное внимание ведущих модельеров, и все обнаруженные смыслы тут же включаются в изменчивый нарратив моды. В этой книге мы рассмотрим самые яркие и плодотворные пересечения миров моды и искусства.

* Гилберт Прош (род. 1943) и Джордж Пассмор (род. 1942) — британские художникиавангардисты.

РОБЕРТ МЭППЛТОРП Быть художником стоит только ради того, чтобы познать себя. Мне кажется, фотографии не так важны, как жизнь, которую я веду. — Роберт Мэпплторп. Из фильма «Мэпплторп: только полюбуйтесь» (2016)

К

Напротив: Роберт Мэпплторп. Нью-Йорк, ок. 1969

14

расота и холодная грация Роберта Мэпплторпа неудержимо притягивали художников и дизайнеров, которые подпадали под его неземные, поэтические чары. Родившийся в 1946 г. в ньюйоркском округе Куинс Мэпплторп прославился как фотограф, чей объектив мог запечатлеть жизнь во всей ее полноте: на его снимках представлены и откровенные сцены однополой любви, и великолепные изгибы цветущих лилий. Беседуя с корреспондентом Vanity Fair, Боб Колачелло, первый издатель журнала Interview Энди Уорхола, так вспоминал встречу с Мэпплторпом в 1971 г.: «На нем был черный тренч с поясом, вокруг шеи повязан лилово-белый шарф. Такие кудри, как у него, я раньше видал только у ангелов на полотнах прерафаэлитов. В его красоте сочетались нежность и дерзость, мужское и женское начала». В подобных контрастах — вся человеческая суть Мэпплторпа: он был застенчив, но любил выходить в свет; воспитан в строгих католических традициях, но с удовольствием отправлялся на вылазки в самые скандальные и эпатажные клубы Лондона, например Mineshaft и Toilet. Он покупал одежду на барахолке — в том числе старые матросские шляпы и викторианские сюртуки, — но водил

дружбу с кутюрье мирового уровня и сочетал их шедевры со своими подержанными сокровищами. Первый возлюбленный Мэпплторпа Дэвид Кроуленд вспоминал: «Это было в Париже. 4 ноября 1971-го, в день рождения Роберта, Ив Сен-Лоран и Пьер Берже устроили ему праздничный ужин, а потом отвели в бутик на левом берегу Сены и сказали, чтобы выбрал себе любой подарок. Он взял простую черную рубашку. Это была самая дешевая вещь в магазине, но Роберт сказал, что хочет именно ее… Он прекрасно разбирался в европейской моде и знал цену подлинной элегантности». В книге Robert Mapplethorpe: The Photographs Поль Мартино описывает первые работы художника, сделанные в Институте Пратта, где он учился с 1963 по 1969 г. В их числе были скульптуры из одежды — например, голубые джинсы, набитые носками и снабженные электропроводкой, с помощью которой изображалась эрекция. Другая ранняя работа, «Без названия», представляла собой мужские трусы, натянутые на деревянную рамку. Они были показаны на первой выставке Мэпплторпа «Одежда как искусство» в гостинице Chelsea в 1970 г. Белье принадлежало самому художнику и представало во всей своей скандальной красоте, будучи вывернуто наизнанку. В тот период Мэпплторп создавал произведения из всего, что попадалось под руку. Кроме того, он делал бижутерию из разноцветных стеклянных бусин или перьев, нанизанных на шелковые нити для макраме, и ошейники Мэпплторп коллекционировал цветиз кружева и кожи, украшенные череные стеклянные вазы. В 1985 г. пами. Среди его заказчиц была Макв интервью журналу Vogue он скасим де ла Фалез, которая однажды зал: «Я увлекся современным стекпригласила его в семейный особняк лом, особенно итальянским и сканна Манхэттене, чтобы рекомендовать динавским, в конце 1970-х, когда своей дочери Лулу де ла Фалез (музе начал фотографировать цветы. Ива Сен-Лорана) и ее подругам, в том В итоге я стал собирать вазы — числе Марисе Беренсон (внучке Эльзы ведь цветы для этюдов нужно было Скиапарелли). Роберт принес на прово что-то ставить». дажу ожерелья и талисманы, которые они с удовольствием раскупили — если верить слухам, по пятьдесят долларов за штуку. В 1969 г., на свой двадцать третий день рождения, Патти Смит, по ее собственным словам, получила от Мэпплторпа «вешалку для галстуков

16

с образом Девы Марии». Лишь в конце 1970-х он обзавелся собственным фотоаппаратом и начал регулярно делать снимки, на первых порах вставляя их в коллажи и мультимедийные работы.

О Роберте многое сказано и многое еще предстоит услышать. Юноши будут подражать его походке. Девушки — носить белые платья и вздыхать по его кудрям. Его будут клеймить и обожать. Его выходки станут проклинать и романтизировать. В конце концов истина найдется в его творчестве — материальном воплощении художника. Оно навсегда останется с нами. — Патти Смит. Просто дети (2011)

В интервью Vogue (март 1985 г.) Мэпплторп заявил: «Любой портрет — это отчасти моя модель и отчасти я. Это сочетание нас двоих». Он фотографировал модную элиту, к которой принадлежал и сам: ему позировали Ив Сен-Лоран, Карл Лагерфельд и Осси Кларк, а также столпы делового мира, включая Диану Бенсон — владелицу брендов Dianne B и Comme des Garçons. Одежда — как отображение характера — была для него неотъемлемой частью портрета. Волосы Бенсон на снимке уложены гигантским козырьком; она одета в затейливый жакет от Жан-Шарля де Кастельбажака с аппликациями в виде птиц — квинтэссенция начала 1980-х. На фотографии 1984 г. Карл Лагерфельд повернут к зрителю в профиль; по собранным в хвост волосам и элегантному пиджаку уже можно угадать его фирменный стиль. В том же году Мэпплторп запечатлел великолепный образ Грейс Джонс, чьи тело и лицо были разрисованы его другом Китом Харингом. В 1990-х модельер Хельмут Ланг сделал автопортрет Мэпплторпа частью своей рекламной кампании; тот же Ланг использовал и фотографию художницы Луизы Буржуа авторства Мэпплторпа (1982). В молодости Мэпплторп любил носить кожаные пиджаки, кепи и классические джинсы, однако в его гардеробе встречались и элементы богемного стиля: мягкие шляпы, шейные платки, джинсы клёш. Он часто надевал «артистические» блузы, завязывая их узлом на талии, ожерелья-талисманы собственной работы, высокие замшевые сапоги, жилеты, вельветовые брюки, фуражки; в годы зрелой славы мог

17

На показе мужской коллекции Рафа Симонса весна-лето — 2017, Pitti Uomo 90, Флоренция, июнь 2016 г. На презентации линейки, разработанной Симонсом при участии фонда Роберта Мэпплторпа, модели — двойники художника выходили на подиум в черных кожаных кепи а-ля Мэпплторп и в одежде с фотографиями из его архива

появиться на публике в смокинге и строгой рубашке с галстуком. Заразившись ВИЧ, Мэпплторп стал часто носить трость с рукоятью в форме черепа. В 1980 г. он сделал два знаменитых автопортрета: один — с макияжем, а второй — в женской одежде. Создавая весенне-летнюю мужскую коллекцию 2017 г., Раф Симонс вдохновлялся не только стилем Мэпплторпа, но и его творчеством. Представители фонда Роберта Мэпплторпа обратились к дизайнеру с предложением о сотрудничестве. В интервью изданию Dazed Digital Симонс пояснил: «Я хотел устроить шоу, где каждая модель олицетворяла бы одно из произведений художника. Я хотел подойти к этому В 1972 г., когда Сэм Уэгстафф — показу как к музейной экспозиции. арт-коллекционер и будущий возлюбРаботы Мэпплторпа выставляют многие ленный Мэпплторпа — впервые попал кураторы, но всегда в арт-галереях, всегда в мастерскую художника, «он увидел в одном и том же контексте и простран- произведение, состоявшее из черной стве. Именно поэтому я взялся за слож- мотоциклетной куртки, в кармане ную задачу: перенести его творчество которой играла звуковая дорожка из галереи в мою среду. И наши партнеры к порнофильму, и висевших рядом [из фонда Мэпплторпа] решили, что это кожаных брюк с батоном хлеба, торбудет очень интересно и необычно». чащим из расстегнутой ширинки». В итоге на подиум вышли модели, — Поль Мартино. Robert Mapplethorpe: как две капли воды похожие на Мэппл- The Photographs (1977) торпа в расцвете его красоты и обаяния, одетые в кожаные ошейники, байкерские джинсы и балахоны, свободно спадающие с плеча. Сама одежда стала обрамлением для личности художника и его работ, представленных зрителю XXI века.

ЖАН-МИШЕЛЬ БАСКИЯ Многие говорят, что сам Жан-Мишель выглядит как произведение искусства. — Рене Рикард. The Radiant Child. Artforum, декабрь 1981 г.

В

Напротив: Жан-Мишель Баския. Нью-Йорк, 1985 г.

20

2017 г. Юсаку Маесава, владелец японского интернет-магазина одежды Zozotown, за сто миллионов долларов приобрел картину Жан-Мишеля Баския «Без названия» на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке. В том же году бренд Urban Decay представил линейку косметики Basquiat, ее лицом стала модель Руби Роуз, на плече у которой вытатуирован портрет художника. В 2013 г. молодежный бренд Supreme выпустил ветровку с изображением Баския. Мода XXI в. буквально одержима этим художником — как человеком, как легендой, как брендом. Удивляться нечему. «Блистательный ребенок» — так его окрестил поэт Рене Рикард в очерке 1981 г. (позже под этим названием вышел документальный фильм о Баския, снятый его подругой, кинорежиссером Тамрой Дэвис) — в наши дни сияет ярче, чем при жизни. Его картины вызывают восторженный шок в мире искусства, а уникальная эстетика Баския затмевает любые тренды уже больше трех десятилетий. В 1988 г. 27-летний художник умер от передозировки наркотиков, однако его небольшое — по историческим меркам — наследие надолго определило тенденции андеграунда и высокой моды, по сей день не утратив обаяния и актуальности.

Его стиль в искусстве был броским и смелым, и при подборе гардероба Баския руководствовался теми же принципами. Он произвел настоящий фурор весной 1987 г., когда Рей Кавакубо пригласила его принять участие в показе коллекции Comme des Garçons в Париже. Баския дважды вышел на подиум — В десятом классе Баския брооба раза в серых двубортных костюмах. сил школу имени Эдварда МерПервый комплект состоял из пиджака роу и перешел в прогрессивную с фигурно вырезанными лацканами академию City-As-School в ньюи брюк с манжетами на пуговицах. йоркском районе Вест-Виллидж, Второй, надетый с белой рубашкой где также учились Ad-Rock, и белым же галстуком-бабочкой, был скорее классическим. На ногах у Баския участник рэп-группы Beasty Boys, актер Мекхай Файфер и художпри этом были блестящие кожаные ник-концептуалист Райдер Риппс. туфли Мэри Джейн. Уличная эклектика его стиля на редкость удачно оттеняла строгие, выверенные линии Кавакубо. Баския одинаково любил дизайнерскую одежду и вещи, найденные на барахолке. Он обожал творения Ёдзи Ямамото и Иссея Мияки, носил классические очки Wayfarer, но с не меньшим удовольствием сочетал строгие костюмы с поношенными кроссовками. Это смешение высокого с низким и было его фирменным стилем. Его граффити-проект SAMO одинаково близок и к хип-хопу, и к авангарду. Гленн О’Брайен, продюсер культового фильма Downtown 81 с Баския в главной роли, описывал художника так: «Подросток без адреса… одетый в заношенный до дыр летный комбинезон и гангстерские лаковые туфли». Даже когда у Баския еще не было денег, его стиль котировался очень высоко. Его слава зародилась на улицах Нью-Йорка: в семнадцать лет он начал разрисовывать вагоны бруклинских поездов черным маркером, пытаясь заявить о себе миру. Эти первые наивные шедевры восходили к афроамериканской музыкальной культуре, которая оказала заметное влияние и на его гардероб. Через год после смерти Баския в интервью журналу Vanity Fair легендарный рэпер Fab Five Freddie вспоминал, как на улицах Манхэттена впервые появились граффити из серии SAMO. «Они были адресованы художникам, арт-сообществу. Потому что Баския и любил, и презирал эту тусовку». Творчеством Баския — как и всей его жизнью — управляли два противоположных начала: гнев и трезвый расчет мастера.

22

В детстве я рисовал отвратительно: либо чересчур увлекался абстрактным экспрессионизмом, либо просто кое-как малевал огромную голову барана. Мне ни разу не удалось выиграть художественный конкурс. Помню, однажды я проиграл парню, который здорово нарисовал Человека-паука. Мне очень хотелось быть лучшим в классе, но рисунки у меня были уж очень уродливые. — Жан-Мишель Баския. Журнал Interview, январь 1983 г.

Дуглас Ханнант, коллекция осень-2010. Неделя высокой моды в Нью-Йорке, февраль 2010 г. Это платье-колонна, расшитое расписанными вручную пайетками, навеяно творчеством Жан-Мишеля Баския

Он постоянно экспериментировал с одеждой: разрисовывал футболки и свитшоты, которые продавал на улице, чтобы заплатить за жилье в начале карьеры; позже, разбогатев, работал над картинами в костюме от Armani. Когда бывшая соседка и возлюбленная художника Алексис Адлер выставила на аукцион Christie’s коллекцию его работ 1979–1980 гг., среди них обнаружились расписные свитшоты и ветровки с логотипом Transistor. На снимках, сделанных, когда пара жила вместе, запечатлено, как Баския в футбольном шлеме смотрит выступление молодого Джорджа Буша по телевизору, втиснутому в холодильник; есть и редкий кадр, где у Баския авангардная прическа с выбритой макушкой и длинными волосами на затылке. «Ему хотелось, чтобы было сразу и так, и эдак», — объясняет Адлер.

Баския придумывал образы, которых раньше никто и представить себе не мог. Только он, с его обаянием и уверенностью, мог себе их позволить. Он любил роскошь, но никогда не трясся над вещами. И это добавляло ему очарования. — Тамра Дэвис, режиссер фильма The Radiant Child, New York Times, июль 2010 г.

Несколько позже дреды Баския стали ключевым элементом его стиля, однако в 1976 г., когда Николас Тейлор устроил ему фотосессию в клубе Mudd, на гладко выбритой голове художника красовался лишь небольшой ирокез. Изо дня в день Баския преображался, менял образ и манеру одеваться. В пору страстного увлечения граффити он был совершенно не похож на типичного уличного художника. Позже он запросто мог прийти на открытие выставки в пижаме и с «птичьим гнездом» на голове. Повороты его творческого пути были столь же оригинальны и непредсказуемы, как и стилистические решения.

ФРИДА КАЛО Для чего мне ноги, если у меня есть крылья? — Фрида Кало. Запись в дневнике, 1953 г.

Т

Напротив: Фрида Кало, ок. 1950

26

ворчество Фриды Кало — гремучая смесь фольклора, полусюрреализма и автобиографии. Ее гардероб тоже поражал буйством красок. В ноябре 1938 г. в интервью журналу Vogue художница сказала: «Я понятия не имела, что мои работы — это сюрреализм, пока в Мексику не приехал Андре Бретон и не просветил меня». В этом отношении правота Бретона небесспорна, но, назвав творчество Кало «лентой, повязанной вокруг бомбы», он был блистательно точен. Ее одежда идеально передавала характер. Кало часто носила традиционный мексиканский костюм: huipil — тунику с квадратным вырезом, расшитую тесьмой, бусами, цветами и камнями, и накрахмаленный головной убор из кружева, обрамлявший ее лицо. В ее нарядах удивительным образом сочетались разные текстуры. Поверх струящейся атласной юбки в пол она могла надеть фартук с рюшами; в косы вплетала пестрые нити и цветы; носила кольца и перстни на всех пальцах. Однако ее гардероб служил вовсе не для эпатажа: с его помощью Кало подчеркивала свое происхождение и идентичность. Впрочем, она не ограничивалась традиционным мексиканским платьем и часто экспериментировала с китайскими и южноамериканскими мотивами; любила и шелковые блузы в европейском и американском стиле. Среди самых узнаваемых аксессуаров Кало были солнечные очки формы «кошачий глаз» в золотой оправе, но художница

носила их только с китайской блузой, на которой золотыми нитями и пайетками были вышиты драконы. В 2012 г. в Доме-музее Кало прошла выставка «Внешность обманчива», где впервые был представлен ее гардероб, прежде скрытый от публики по настоянию ее супруга Диего Риверы. В спальне Голубого дома, где художница скончалась в 1954 г., хранились более трехсот нарядов, а также аксессуары и ювелирные украшения. Помимо одежды были показаны расписные гипсовые корсеты — настоящие произведения искусства с затейливыми В июле 2017 г. на торжественабстрактными узорами, среди которых, однако, встречаются серп и молот, ное мероприятие в Музее искусств Далласа пришло до 1500 человек эмблема коммунистической партии. в костюме Кало — отпраздновать На картине «Марксизм исцелит страждущих» (1954) Кало одета в коричневый 110-ю годовщину со дня рождения художницы и побить рекорд Гинкожаный корсет с пряжками, напоминающий тот, в котором Эйми Маллинз — несса по количеству двойников Кало, собравшихся в одном месте. паралимпийка мирового класса без обеих Чтобы принять участие в торжестве, ног — выходила в 1999 г. на показе коллекции весна-лето Александра Маккуина. необходимо было вплести в волосы цветы, надеть юбку ниже колена К этому показу специально для Маллинз и красную или розовую шаль и обза- были изготовлены резные протезы авторской работы; сама Фрида Кало испольвестись «монобровью». зовала искусственную ногу как модный аксессуар и нередко надевала на нее красный кожаный сапог, расшитый китайскими узорами — со шнуровкой и двумя колокольчиками на синей бархатной ленте. В детстве Кало перенесла полиомиелит, отчего одна нога у нее стала короче и тоньше другой, а в восемнадцать лет попала в серьезную аварию. В 1953 г. больную ногу пришлось отнять из-за гангрены. Как показывает выставка, одежда Кало отчасти была призвана скрыть увечья. В биографии художницы Хейден Эррера пишет: «Одеваясь в платье теуаны, она выбирала новую идентичность и делала это с пылом монахини, примеряющей облачение». В молодости Кало привлекал и подчеркнуто андрогинный образ. Начиная с 1924 г. в семейных альбомах можно найти фото, где она в мужском костюме и с короткими напомаженными волосами. Прическа и костюм часто отображали эмоциональное состояние художницы: когда Диего Ривера завел роман с ее младшей сестрой Кристиной, Кало остригла волосы. В ее дневниках за 1939 г. описан

28

Некоторые женщины-гринго подражают мне и пытаются одеваться по-мексикански… По правде говоря, выглядят они просто чудовищно. Впрочем, это еще не значит, что я в таких нарядах выгляжу лучше… — Фрида Кало. Из письма подруге, 1933 г.

еще один эпизод из их бурной семейной жизни, когда Ривера попросил развода. Фрида снова коротко подстриглась, стала носить мешковатые брюки и пиджаки и, по ее собственному выражению, «сделалась бесполой». Ее представление о себе было изменчивым, но всегда бескомпромиссно честным. Однажды она сказала: «Самая важная часть тела — мозг. Мне нравятся мои брови и глаза. Остальное мне совершенно не нравится. Голова у меня слишком маленькая. Грудь и гениталии ничем не примечательные. От противоположного пола у меня тоже кое-что есть: усы и черты лица». Облачаясь в традиционный мексиканский костюм, Кало примеряла на себя яркий драматический образ, но в то же время искренне отдавала дань своим корням. На открытии экспозиции 2012 г. в Доме-музее Кало писатель Карлос Фуэнтес вспоминал, как Фрида входила во Дворец изящных искусств в Мехико под звон собственных украшений: любой ее наряд был торжественным, почти ритуальным дополнением к философии творчества. Она родилась в Койоакане — одном из районов Мехико-сити — в 1907 г., но часто говорила, что появилась на свет в год мексиканской революции — 1910-м. Выбор платья подчеркивал важность этой культурно-политической идентификации, словно бы нашитой на жизнь Кало, как метка. Из-за рекордного количества автопортретов художницу посмертно окрестили «королевой селфи», однако глубинная суть ее творчества — в размышлении о внешности, образе, характере и жизни. Символика нарядов Кало была столь же тщательно продумана и столь же глубоко прочувствована, как и символика ее картин. В современной культуре Кало обрела статус тотема с легионами поклонников, включая Мадонну, которая весьма метко сказала: «Она хотела выразить свою идентичность, и это удавалось ей благодаря одежде. Одежда выделяла ее из толпы. [Ее выбор] шел вразрез с тем, что делали другие». Благодаря уникальной внешности и безудержной оригинальности Кало стала иконой в мире моды. Бесстрашная индивидуальность, проявлявшаяся в ее мыслях, стиле и творчестве, вдохновляет модельеров с 1938 г., когда Эльза Скиапарелли представила знаменитое платье «Мадам Ривера», и до наших дней — достаточно вспомнить хотя бы коллекции Lacroix 2002 г., Gaultier 2004 г. и Comme des Garçons 2012 г.

Напротив: Кало рисует портрет миссис Джин Уайт, 1931 г.

ДЭВИД ХОКНИ Бóльшую часть жизни я провел в богемной среде и полагал, что в ней же пройдет и остаток моих дней. Однако истинная богема — вымирающий вид. — Дэвид Хокни. Из документального фильма «Хокни» (2014)

В

Напротив: Дэвид Хокни, ок. 1970

32

декабре 1969 г. в британской версии журнала Vogue вышел очерк Сесила Битона о Дэвиде Хокни, где мимоходом упоминалось: «В 1961 г. в Нью-Йорке он впервые покрасил волосы в цвет “ледяное шампанское”, купил очки размером с велосипедные колеса и вообще придумал себе умопомрачительный стиль». Семнадцатилетний Хокни учился на втором курсе художественной школы в своем родном городке Брэдфорде на севере Англии, когда создал автопортрет-коллаж, наклеенный на полосу лондонской Times. Уже в этом раннем портрете угадывается будущее великолепие его образа. Хокни одет в небесно-голубой блейзер с желтым галстуком; на плечи небрежно наброшен шарф, а на носу сидят круглые ученические очки в духе Гарри Поттера. Разномастных носков, резких цветовых контрастов, смелого сочетания горошка и полоски, подтяжек и галстука-бабочки — самых узнаваемых элементов фирменного стиля Хокни — пока не видно, но основы уже, несомненно, заложены. Когда пытаешься описать наряды Хокни, получается нечто почти клоунское, однако подлинное обаяние его костюма проистекает из уютной небрежности, которую сложно передать словами. Пиджаки

с клеткой windowpane* часто смотрятся броско и эпатажно, но на нем превращаются в импровизированную повседневную одежду. Он подбирает акценты уверенно и смело. Каждый может выкрасить волосы в канареечный цвет и надеть ярко-розовую полосатую рубашку, галстук в синий горошек и твидовый блейзер, но далеко не на каждом все это будет выглядеть так же естественно. Хокни поддерживал тесную дружбу с Селией Биртвелл и модельером Осси Кларком. В конце 1960-х — начале 1970-х эта супружеская чета занимала ведущие позиции Хокни продал свою первую карв мире лондонской моды. Биртвелл создавала великолепные принты, актуальтину — портрет отца — на выставке ные и в наши дни, а Кларк представлял йоркширских художников в Лидсе за десять фунтов. Он сам не ожиплатья, которые вдохновляли Ива Сендал, что его работы будут покуЛорана и многих других кутюрье. пать, и спросил отца, можно ли В 1969 г. Хокни был шаф ером отдать портрет. «Ничего, нарисуна их свадьбе; портрет супругов ешь новый, — сказал отец. — Бери под названием «Мистер и миссис Кларк деньги». и Перси» (1970–1971) входит в число самых знаменитых его работ. На другом тепло и любовно выписанном портрете того же периода Осси необычайно хорош собой в классическом свитере с узором фер-айл. Это далеко не единственные узы, соединяющие Хокни с миром высокой моды. Ив Сен-Лоран был горячим поклонником его творчества, а в 2010 г. фонд Берже — Сен-Лорана посвятил свою четырнадцатую ежегодную выставку коллекции Хокни «Свежие цветы» (Fleurs Fraîches) рисункам, созданным на iPhone и iPad. В 2017 г., когда в галерее Тейт открылась ретроспектива Дэвида Хокни, британский модельер Пол Смит рассказал журналу Vogue: «Моя жена училась в Королевском колледже искусств и хорошо помнит, какой скандал вызвало появление Хокни на выпускной церемонии: вместо квадратной шапочки и мантии он пришел в золотистом парчовом жакете и с обесцвеченными волосами». Ведущие модельеры относятся к Хокни с явным пиететом. Принт культового дизайнера Зандры Роудс «Медали, ленты и звезды» (1964) был навеян работами художника, с которым она познакомилась, когда * Оконная рама (англ.). Тонкая крупная клетка, в которой высота обычно больше ширины, в связи с чем она и получила свое название.

34

В 1961 г., едва очутившись в Нью-Йорке, я понял: это место мне по душе. Жизнь там кипела круглые сутки, чего нельзя сказать о тогдашнем Лондоне. Неважно было, откуда ты приехал. Я влюбился в этот город, но потом побывал в Лос-Анджелесе, и там мне понравилось еще больше. Так что, пока Лондон свинговал, я в основном отсиживался в Калифорнии. — Дэвид Хокни. Интервью газете Guardian, январь 2012 г.

училась в Королевском колледже искусств в Лондоне. С тех пор дизайнеры неоднократно заимствовали мотивы из творчества Хокни, а также из его гардероба. Вивьен Вествуд представила женский жакет «Хокни»: строгость кроя разбавлена легкой небрежностью, как будто вещь только что набросили на плечи в непринужденной манере художника. Burberry — бренд, продолжающий английские традиции, — отдает должное обаянию Хокни: в 2013 г. ведущий дизайнер модного дома Кристофер Бейли открыто назвал его вдохновителем коллекции «Писатели и художники». Позже он пояснил в интервью Guardian: «Однажды я встретил Дэвида Хокни на Джермин-стрит. Он был одет в кремовый льняной пиджак, на котором красовалось роскошное зеленое пятно. Мне очень нравится, как Хокни носит яркие цвета. Никогда не знаешь, насколько осознанно он подбирает детали костюма».

Мы часто жалуемся, что люди разучились хорошо одеваться, но сейчас на моих портретах одежда гораздо разнообразнее, чем тридцать лет назад. Тогда вы увидели бы намного больше пиджаков и галстуков. — Дэвид Хокни. This Much I Know. Электронная версия журнала Esquire, июнь 2013 г.

В 1971 г. супруги-модельеры Майк Росс и Ритва Фалла представили арт-коллекцию трикотажа для финского бренда Ritva. В разработке коллекции приняли участие несколько художников, включая Хокни, Патрика Колфилда и Аллена Джонса. В нее входил темнофиолетовый свитер с разноцветными рукавами и декоративным патчем «от Хокни»: стилизованная вилла, пальма и два облачка в лазурном калифорнийском небе. Для художника это был опыт самого тесного сотрудничества с миром моды. Один экземпляр свитера хранится в запасниках лондонского Музея Виктории и Альберта. Одежда из коллекции продавалась со специальными пластиковыми коробамивитринами, в которых могла выставляться, когда ее не носили, ведь каждый предмет считался самостоятельным произведением искусства.

Напротив: Дэвид Хокни на презентации своей картины «Приход весны в Волдгейт, Восточный Йоркшир, в 2011 г.». Художник подарил огромную работу из тридцати двух панелей парижскому Центру Помпиду, где она была показана в составе передвижной выставкиретроспективы его творчества (сентябрь 2017 г.)

САЛЬВАДОР ДАЛИ Что такое элегантная женщина? Это женщина, которая презирает тебя и бреет волосы под мышками. — Сальвадор Дали. Моя тайная жизнь (1942)

С

Напротив: Сальвадор Дали на палубе лайнера «Нормандия». Нью-Йорк, декабрь 1936 г.

38

альвадор Дали, сюрреализм и мода едины и неделимы. Подчеркнутая условность сюрреалистического искусства и фантасмагория высокой моды отображают и подпитывают друг друга. На первой иллюстрации, сделанной Дали для журнала Harper’s Bazaar («Грезы о моде», 1935 г.), были представлены «яркие идеи для лета во Флориде». Художник предлагал читательницам выходить на пляж в коралловых корсетах, масках из роз и блестящих кожаных чулках. Фантазии Дали всегда были обращены в будущее. Например, в январе 1939 г. журнал Vogue опубликовал его статью под названием «Пророчества Дали». В ней художник предсказывал: «Украшения завтрашнего дня будут заводными, как изысканные механические игрушки. Браслет-змейка поползет по руке; алмазная река будет струиться по шее, броши и заколки будут раскрываться и закрываться, подобно живым цветам». В 1950 г., когда Кристиан Диор попросил Дали придумать фасон для 2045 г., Дали нарисовал длинное шелковое платье с драпировкой панье, расшитое серебряными солнцами. На бедрах красовались женские груди. В качестве аксессуаров к платью прилагался костыль, обитый темно-красным бархатом, и тюрбан с антенной-усиком во лбу.

Этот удивительный наряд во многом предвосхищает «пупырчатую» коллекцию Comme des Garçons 1997 г. Кристиан Диор уже признавался в любви к художнику в 1949 г., когда создал вечернее платье «Дали» — парчовое, с черно-золотым растительным принтом, американской проймой и присборенной юбкой. Его классическая сдержанность являет разительный контраст с «платьем-2045», однако многие детали отсылают к работам Эльзы Скиапарелли, верной спутницы Дали в мире высокой моды. Скиапарелли и Дали не раз пытались предугадать будущее, изобретая радикальные фасоны и модели, в том числе знаменитое платье с омаром и шляпку-туфлю (1937 г.), а также платье-слезу, для которого Дали разработал особую технику печати по ткани (1938 г.). Художник и кутюрье не уступали друг другу по части футуристических прожектов; в июне 1932 г. Дженет Дали полагал, что белое платье Фланнер, корреспондент журнала New Yorker с омаром, созданное Эльзой Скив Париже, писала: «Платья от Скиапарелли апарелли в 1937 г., лучше всего стоят в одном ряду с шедеврами современ- смотрелось бы под слоем майонеза. ного искусства». Идеи Дали органично соче- Однако Скиапарелли отказалась добатались с ее новаторскими разработками. вить к модели этот последний штрих. Сальвадор Дали родился в испанской Каталонии в 1904 г. и прославился В 2017 г., когда тело Дали было в мадридских кругах людей искусства, эксгумировано для проведения будучи студентом Королевской академии ДНК-экспертизы, выяснилось, что его художеств св. Фердинанда, где учился знаменитые усы целы, невредимы с 1922 г. до отчисления в 1926 г. В первые и по-прежнему лихо закручены вверх. годы столичной жизни Дали отращивал волосы и гулял по мадридским улицам в плаще с пелериной, бриджах, шелковых чулках и с тросточкой. Он всегда любил экстравагантный стиль, но в академии научился сочетать пышность и яркость с элегантной простотой классического кроя и гладкой прической. Такую «униформу» он носил всю жизнь и выглядел в ней как образцовый Напротив: английский джентльмен. У него была огромная коллекция костюмов — рисунок Дали от смокингов до полосатых и твидовых «троек», — которые Дали вдохновил Эльзу Скиапаносил с галстуком и платком в нагрудном кармашке. На этом строгом релли на создафоне особенно эпатажно смотрелись его знаменитые усы, спирально ние шляпкитуфли и жакета закрученные вверх. с аппликацией В 1934 г. Дали и его жена Гала впервые прибыли в Нью-Йорк в форме губ и сошли с корабля в одинаковых меховых пальто; у художника оно (1937 г.)

41

Вверху: модель в оранжевом платьеомаре с пайетками, Martin Margiela, коллекция осеньзима — 2014– 2015. Неделя высокой моды в Париже, июль 2014 г.

42

было небрежно накинуто поверх костюма. В гардеробе супругов многое перекликалось: например, на борту лайнера оба ходили в широких брюках унисекс из джерси. У себя дома — в Порт-Льигате, близ Кадакеса — Дали с удовольствием носил ковбойскую рубаху в коричнево-голубую клетку и барретину — каталанскую шапочку, напоминающую бумажный пакет. Это был самый неформальный из его нарядов. В 1960-х Дали часто появлялся на публике в любимой шубе из меха пантеры и выводил на поводке ручного колумбийского оцелота Бабу; в 1980-х носил шубу из оцелота. Когда Дали хотелось устроить грандиозный выход, он брался за дело с подлинным размахом. В 1934 г. в Нью-Йорке на прием, который дала в честь художника светская львица Каресс Кросби, он надел «светящиеся груди в бюстгальтере». В 1936 г. в Лондоне он пришел на Международную выставку сюрреализма в водолазном костюме со шлемом; аксессуарами к нему стали бильярдный кий и пара русских борзых. По словам самого Дали, костюм символизировал «погружение в глубины человеческой психики»; однако вскоре художнику стало трудно дышать, и от шлема пришлось избавиться. В том же году он посетил выставку в парижской галерее Шарля Ратона, где появился в пиджаке-афродизиаке, украшенном стеклянными бокалами. В галерее были выставлены работы других сюрреалистов, в том числе завернутая в одеяло швейная машинка Мана Рэя и меховая чашка с блюдцем Мерет Оппенгейм. Но только Дали носил собственные произведения на себе, словно заявляя, что современное искусство неотделимо от моды. Художник снова использовал пиджак-афродизиак, когда оформлял витрину магазина Bonwit Teller на Пятой авеню.

Дали поставил в ней красный телефон в виде омара, манекен с розовым букетом вместо головы и стул, на котором висел тот самый пиджак.

Не стремитесь быть современными. Увы, это единственное, чего вам никак не избежать, даже если очень постараться. — Сальвадор Дали. Дневник одного гения (1964)

Провокационное влияние Дали на моду начиналось с его собственных произведений. Помимо совместных работ с Эльзой Скиапарелли ему особенно удавались ювелирные изделия. С помощью нью-йоркских ювелиров Alemany & Ertman художник создал брошь «Глаз времени», которую подарил жене в 1945 г. Эта брошь не раз появлялась на подиумах мира: в 2016 г. Алессандро Мишеле, модельер дома Gucci, украсил ею карманы мужских пиджаков; она же сверкала на платьях осенней коллекции нового дома Schiaparelli в 2015 г. Другая авторская брошь Дали — «Рубиновые губы» (из настоящих рубинов и жемчуга) — стала одним из символов его творчества, отчасти потому, что напоминала знаменитый диван в форме рта Мэй Уэст (1937 г.). Губы на подиуме нередко служат отсылкой к работам испанского сюрреалиста: на платьях и жакетах от Ива Сен-Лорана в 1971 г., на юбках от Prada в 2000 г., на туфлях в 2012 и 2014 гг. Однако главным сюрреалистическим мотивом — благодаря членистоногому телефону Дали — конечно же, был и остается омар. Он появлялся на подиумах столько раз, что все и не перечислишь. Например, в 2014 г. дом высокой моды Margiela представил асимметричное шифоновое платье-омар, чьи оригинальность и изысканность не позволяют назвать его простой вариацией на заданную тему.

ЭЛИЗАБЕТ ПЕЙТОН Моду любят за острую актуальность, демократичность и идеализм. Именно в этом ее сила. То же относится к творчеству Элизабет. Она очень смелый художник и не боится перейти грань между высоким искусством и популярной культурой. — Эндрю Болтон, куратор Института костюма при Метрополитен-музее, 2013 г.

Э

Напротив: Элизабет Пейтон на открытии весеннего сезона в Новом музее. Нью-Йорк, апрель 2018 г.

44

лизабет Пейтон сочетает философию «новой волны» с нежным, мечтательным стилем. Она носит творения современных дизайнеров, обыгрывая их с энтузиазмом искренней поклонницы. Точно так же, рисуя портрет, она словно всякий раз признается в любви к модели. В ее работах запечатлен «преходящий свет» молодости, как отмечают кураторы галереи Уайтчепел в каталоге первой ретроспективы Пейтон под названием «Живи вечно», показанной в разных странах мира в 2008 г. Пейтон — одна из немногих художниц, которым удается в стильной и интересной форме донести фигуративное искусство до цифрового поколения. Отчасти дело в кумирах, чьи портреты она пишет: ей позировали и культовые музыканты Курт Кобейн и Джарвис Кокер, и «альтернативные поэты» — такие как Джон Джорно. Кроме того, художнице неоднократно доводилось запечатлевать знаковые моменты постсовременной культуры — например, объятия Дэниела Дей-Льюиса

Мне очень интересно все, что помогает нам выбрать одежду, — все шаги, все решения. Люблю встречи дизайнера и заказчика. Такая встреча — возможность вообразить другую жизнь, а заодно сделать настоящую жизнь чуточку лучше. Это способ выразить себя, свои чувства. Так же и в искусстве: я выражаю то, что чувствую сию минуту, а не что-то вечное. — Элизабет Пейтон в онлайн-интервью Алену Элканну, 2014 г.

и Мишель Пфайффер в сцене из фильма Мартина Скорсезе «Возраст невинности». Пейтон не скрывает, что охотно берет в модели близких друзей, и однажды призналась в интервью журналу New Yorker: «Я очень люблю тех, кого пишу… Я счастлива, что эти люди живут в нашем мире». Пейтон, появившаяся на свет в штате Коннектикут в 1965 г., легко вписалась в модные круги Нью-Йорка и Берлина. Ее работы безошибочно улавливают дух времени и эстетические веяния, а выбор одежды подчинен канонам элегантности ХХI в.: непредсказуемый, но всегда «в точку». Любимая обувь Пейтон — классика от Сhanel. «Пара замше- Пейтон — страстная поклонница вых черных туфель со шнуровкой и золо- европейской монархии. На руке той отделкой. Что может быть проще?» — у нее есть татуировка наполеск аза ла она в интервью журна лу оновского орла, скопированного Gentlewoman в 2003 г. В молодости Пей- с листа гербовой бумаги, который тон носила озорную короткую стрижку; художница нашла в одной из гостина свежих фотопортретах от Инес ниц Фонтенбло. и Винуда у нее высокая прическа с челкой, а на плечи наброшен кожаный пид- В детстве Пейтон научилась рисожак. Обозреватель газеты New York вать левой рукой, поскольку Times Кен Джонсон утверж дает, на правой у нее от рождения лишь что Пейтон «вращается в узких, привиле- большой и указательный пальцы. гированных богемных кругах», однако в ее гардеробе не так уж много дорогих топовых брендов. В одежде, как и в творчестве, Пейтон выше всего ценит любимые вещи: будь то платье от Дриса ван Нотена или потертые джинсы с кардиганом. Злободневные мотивы Пейтон вполне созвучны миру высокой моды с его любовью к цитатам и реминисценциям. В число горячих поклонников ее творчества входят Марк Джейкобс и София Коппола; самой Пейтон не чужда ретроэстетика «Девственниц-самоубийц» Копполы, близкая и Джейкобсу. Кутюрье не раз отдавал художнице дань уважения и восхищения: например, в пляжную коллекцию 2013 г. он включил свитшот с собственным портретом работы Пейтон. Джейкобсу принадлежит крупная коллекция ее произведений; в свою очередь, Пейтон часто использует его в качестве модели. Их взаимная симпатия хорошо известна публике, и в 2008 г. Пейтон заявила, что считает Джейкобса родственной душой: «Творческие муки, через которые проходит Марк, всегда возносят его на новые высоты. В этом смысле он настоящий художник».

47

Дружба художницы с бельгийским дизайнером Дрисом ван Нотеном также приносит весомые творческие плоды. Пейтон признается, что любит его работы «за искренность и богатство аллюзий», ею выполнены несколько портретов кутюрье. В 2017 г. ван Нотен рассказал, как портрет Альберта Гора кисти Пейтон («Демократы красивее», 2001) натолкнул его на идею мужской коллекции весна-лето — 2009. По словам модельера, особенно его вдохновили «рубашка в тонкую розовую полоску и свежий, почти студенческий консерватизм образа». В 2008 г., когда ван Нотен получил международную награду Американского совета модельеров, Пейтон сидела рядом с ним на торжественном банкете в ресторане Cipriani. Сюжеты и объекты для творчества Пейтон подбирает так же тщательно, как и наряды. На ее первой выставке в фойе гостиницы Chelsea в 1993 г. были представлены портреты исторических деятелей, включая Наполеона и Людвига II Баварского. В мире искусства ее выбор восприняли с удивлением — уж очень архаичными казались все эти персонажи. Однако работы Пейтон удивительно точно попали в модный тренд: на подиумах тех лет как раз царило ироничное ретро. Исторические личности с картин Пейтон напоминали британских поп-звезд: тонкие, неземные, слегка женоподобные. Тогда, в эпоху постгранжа, со страниц модных журналов смотрели худенькие юноши и девушки, одетые в стиле «героиновый шик». Как подметил Калвин Томкинс в журнале New Yorker, «андрогинность в ее ранних работах удивительно созвучна той культуре, из которой она вышла: образы хрупких рокеров с подведенными глазами и в одежде, сидящей, словно вторая кожа, родились в мире трансгендерного перформанса». Сегодня Пейтон предпочитает нейтральный, сдержанный стиль и часто носит черное, хотя ради крупных событий может одеться ярко и броско. На торжественном банкете в 2018 г., организованном Новым музеем в нью-йоркском ресторане Cipriani, она появилась в оранжевом атласном платье и жилете из длинного меха в стиле глэм-рок. На выставке ее работ 2016 г., озаглавленной «Скорость, мощность, время и пульс» (по названию клавиш на пульте беговой дорожки), был представлен новый портрет Дэвида Боуи. Пейтон создала его по мотивам роликов с YouTube, которые смотрела после смерти звезды. Неудивительно, что ее привлекает образ музыканта, расшифровавшего, а затем и переписавшего законы поп-культуры; Пейтон тоже творчески переосмысливает окружающий мир с помощью искусства — и гардероба.

48

Элизабет Пейтон на анонсе своей выставки «Живи вечно». Новый музей, Нью-Йорк, октябрь 2008 г.

Яёи Кусама перед витриной универмага Selfridges. Лондон, 2012 г.

ВИЗИТНАЯ КАРТОЧКА: ПРИЧЕСКА Прически этих художников ничуть не менее символичны, чем их произведения. Нан Голдин знаменита своими острыми, провокационными фотоработами, а ее рыжие, вечно перепутанные локоны выражают независимый, бунтарский характер. Барбара Крюгер любит смелые полиграфические решения; копна ее кудрей смотрится так же броско, как шрифт на ее плакатах. Глубинная психологическая связь Евы Гессе с ее скульптурами — такими как «Безымянная веревка» (1970) — свидетельствует о внутренней цельности и гармонии, которую символизируют и длинные, нередко распущенные волосы. Красочные работы Яёи Кусамы завораживают точно так же, как ее яркие психоделические пряди.

ЯЁИ КУСАМА

В

 Нью-Йорке 1960-х японская художница-концептуалист Яёи Кусама прославилась провокационными шедеврами — в первую очередь инсталляциями. В 1969 г. Карен Карпентер побывала на ее перформансе в Центральном парке. На снимках, сделанных в тот день, Кусама демонстрирует бикини в ее любимый горошек; на лицо спадает длинная темная челка. В 1967 г., на одном из «хэппенингов» в Вудстоке, штат Нью-Йорк, художница появилась в гороховом комбинезоне и широкополой шляпе на длинных волосах в стиле хиппи; в поводу она держала пони в точно таком же наряде. Как политический активист, Кусама вела последовательную антивоенную кампанию; как икона стиля, создала собственный бренд модной одежды. Для ее коллекций, выставленных на продажу в ньюйоркском универмаге Bloomingdale’s, характерны авангардные детали, например вырезы-«окошки» в районе груди и ягодиц. В новом столетии Кусама стала настоящей музой высокой моды. За восемьдесят с лишним лет жизни она перепробовала, кажется, все мыслимые и немыслимые цвета волос — от фуксии до кобальта, апельсина и красного томата — всё благодаря коротким парикам-боб. Художница до сих пор охотно носит вещи в горошек. В 2012 г. Марк Джейкобс в Louis Vuitton решил скрестить концепты Кусамы и парижский гламур и совместно с художницей разработал коллекцию шелковых платьев, дамских сумок, туфель и плащей с ее фирменным гороховым принтом.

НАН ГОЛДИН

Б

уйные кудри фотохудожницы Нан Голдин смотрятся как перманент 1970-х. Обычно Голдин выбирает рыжевато-каштановые оттенки, но в молодости экспериментировала и с химическим бананово-желтым. На любой другой голове такая прическа смотрелась бы несколько вульгарно; на Голдин она выглядит идеально даже в полном беспорядке. Как и ее творения — подлинный гимн бытию, — жизнь не всегда бывает причесанной и приглаженной, но это не мешает нам ее любить. На портрете работы Нила Винокура (1982) Нан предстает в клетчатом хлопчатобумажном платье с жемчужными серьгами и такой же ниткой на шее. Каштановые волосы собраны в свободный конский хвост; Голдин выглядит намного моложе своих тогдашних двадцати девяти лет. Более поздние автопортреты являют совсем иной образ. На снимке под названием «Нан через месяц после побоев» (1984) у художницы синяки под глазами после бурной семейной ссоры — однако жемчуг по-прежнему на месте, а волосы спадают на плечи блестящей волной, будто парик Карла II. На автопортрете «У меня в прихожей» Голдин гордо стоит во весь рост, одетая в черный бюстгальтер и джинсы с низкой талией, над которыми круглится живот; кудри надежно закрывают спину — огненно-красные, под цвет губной помады.

БАРБАРА КРЮГЕР

Т

ворчество Барбары Крюгер — постмодернистское послание поколению постгранжа. Ее плакат «Я покупаю, следовательно, я существую» — настоящий шедевр графики, манифест искателей альтернативной истины, набранный шрифтом Futura. В 1997 г. Крюгер разместила на нью-йоркских автобусах высказывание Малкольма Икс: «Уделяйте мозгу столько же внимания, сколько прическе, и жизнь наладится», а в 2012 и 2016 гг. повторно использовала его в своей инсталляции «Вера + сомнение» (Музей Хиршхорна и Сад скульптур в Вашингтоне). В интервью журналу Complex художница призналась: «Я люблю эту цитату за то, что она одновременно и серьезная, и смешная. Она и критикует, и доставляет удовольствие. По-моему, именно так и нужно производить смыслы». В прическе самой Крюгер — буйной копне локоновспиралек — тоже прочитывается постмодернистская ирония.

ЕВА ГЕССЕ

В

 шестнадцать лет Ева Гессе отчислилась из Института Пратта и нашла подработку в журнале молодежной моды Seventeen, а затем поступила в художественное училище Купер-Юнион в Нью-Йорке. Работая в журнале, она проводила свободное время в Музее современного искусства и в кино. Незадолго до ухода Гессе из Seventeen ее иллюстрации выиграли художественный конкурс журнала и были опубликованы. Она всегда выглядела стильно, хотя в одном письме 1965 г. ее друг, художник Сол ЛеВитт, советовал: «Не гонись за модой, создавай собственную антимоду». В тот момент она только вернулась в Нью-Йорк после года в Германии и носила прическу, напоминающую пчелиный улей: роскошную, вечно взъерошенную копну волос. Переживать о соответствии моде ей было незачем — она и не переживала. Гессе курила, ходила в брюках-капри и вообще была городским художником, который к тому же случайно оказался женщиной. Ее темные волосы перенесли множество метаморфоз: иногда они доходили до талии и стягивались в конский хвост, а иногда Гессе коротко стриглась и делала прямой пробор. Любую прическу она носила с небрежностью истинного битника, иногда повязывая на голову ленту или надевая берет. Однако в ее работах не было ничего небрежного или обыденного: скульптуры Гессе созданы из самых необычных материалов, например латекса, веревки, марли, папье-маше, эмали. Поиск новых форм и фактур продолжался до самой смерти художницы в 1970 г. Ева Гессе скончалась от опухоли головного мозга в возрасте тридцати четырех лет.

Напротив вверху: Нан Голдин на выставке своих работ Poste Restante, c/o («До востребования»). Берлин, октябрь 2009 г. Напротив внизу: Барбара Крюгер. Нью-Йорк, апрель 1989 г. Справа: Ева Гессе в Мемориальном художественном музее Аллена. Оберлинколледж, штат Огайо, ок. 1965

ЭНДИ УОРХОЛ Я всегда считал, что главные художники в мире — женщины. Это же они ткали ковры навахо, шили американские лоскутные одеяла, вручную разрисовывали потрясающие наряды 1940-х. — Энди Уорхол. Журнал Interview, июнь 1977 г.

Ч

Напротив: Энди Уорхол. Нью-Йорк, ок. 1980

54

улки в сеточку, высокие каблуки и тушь; кожаные куртки, темные очки, узкие черные джинсы. Дерзкий шик андеграунда, наводнивший улицы Нью-Йорка 1960-х, был в полной мере присущ и творчеству Энди Уорхола, и его эстетической философии. В январе 1964 г. художник открыл для посетителей обновленную арт-студию «Фабрика», полностью отделанную изнутри блестящей серебряной фольгой. За приглашением в очередь выстраивались звезды первой величины — от Джуди Гарленд до фотографа Джерарда Маланги. Ажиотаж по поводу «Фабрики» не стихал несколько лет. Коммерчески успешный художник-концептуалист в 1962 г. подарил миру тридцать две шелкографии с банками супа Campbell; в той же технике выполнены знаменитые портреты Мэрилин Монро и Элвиса Пресли. Уорхол был законодателем моды в жизни и искусстве; среди художников мейнстрима он одним из первых обратился к контркультуре нью-йоркского гей-сообщества и взял на себя смелость высказать альтернативное пророчество поп-арта. Горячий поклонник всех видов искусства коллекционировал и журналы о звездах, и самих звезд. Уорхол открывал

прежде неизвестных дрэг-артистов и выводил их в зенит славы. На обложках журнала Interview, основанного художником в 1969 г., появлялись фотографии самых разных знаменитостей — от Шер до Сильвестра Сталлоне и Дивайна, — а на страницах публиковались их интимные признания. «Энди считал, что вся жизнь должна быть как удачная вечеринка, — вспоминал писатель Виктор Бокрис в интервью порталу PlanetGroupEntertainment (2009 г.). — Работа должна быть как праздник. Все должно быть как праздник. Он старался именно так относиться к любому делу». На свой праздник жизни Уорхол приглашал самых разных гостей, от маргиналов и аутсайдеров — вроде транссексуальных актрис Кэнди Дарлинг и Холли Вудлон, которые подсказали Лу Риду идею песни Walk on the Wild Side, — до звезд первой величины. Среди тех, с кем он проводил вечера в клубе Studio 54 с 1977 по 1980 г., были, например, Бьянка Джаггер, Джерри Холл, Палома Пикассо. Уорхол втягивал в свою орбиту людей из всех кругов и слоев общества, лишь бы были талантливы и интересны.

Англичане знают, как создать новое тело с помощью костюма. У них каждая деталь на своем месте. — Энди Уорхол. Дневники, 18 ноября 1980 г.

Уорхол родился в американском Питтсбурге в 1928 г. и впервые обратился к искусству в возрасте семи лет — вырезал кукол из бумаги. Первый официальный заказ он получил в двадцать один год от журнала Glamour — на иллюстрацию к статье из февральского выпуска 1949 г. под названием «Успех в Нью-Йорке — это работа». У Уорхола получился озорной монохромный рисунок: деловая девушка сидит на верхних ступеньках лестницы и курит сигарету в мундштуке. С тех пор его стильные и обаятельные иллюстрации — сафьяновые башмачки с каблуком «Людовик», тюбики помады, шляпки, цветы, единороги — регулярно появлялись в журналах мод, включая Harper’s Bazaar. В декабре 1954 г. Уорхол оформил обложку для этого журнала — фото женщины в вечернем платье-накидке с капюшоном, с рисованными белыми и синими звездами в стиле поп-арт. В начале 1960-х его рисунки морячкá Попая и Супермена украшали витрины универмага

56

Bonwit Teller. «Коммерческие» работы Уорхола уходили корнями в мир моды, связь с которым художник сохранил на всю жизнь. При встрече с женщиной Уорхол всегда обращал внимание на ее сумочку. Его парфюмерным брендом был Halston, а любимым человеком — пожалуй, сам дизайнер Рой Халстон. В 2014 г. Музей Энди Уорхола в Питтсбурге представил экспозицию «Серебро и замша», посвященную творческому союзу двух художников; в том же году племянница Халстона Лесли Фровик сказала в интервью газете Уорхол создал телевизионную проFinancial Times: «Они всегда восхища- грамму под названием «Мода», лись друг другом и очень, очень многое десять выпусков которой были покадруг в друге ценили». В 1972 г. Халстон заны по каналу Manhattan в 1979 г. создал асимметричное шелковое платье В первом выпуске («Макияж») зрибез рукавов, с драпировкой и цветочным телей учили правильно пользопринтом по рисунку Уорхола 1964 г. Сам ваться губной помадой и подводкой Уорхол с нескрываемым уважением для глаз. отзывался об авторе знаменитой шляпытаблетки Жаклин Кеннеди и однажды Уорхолу принадлежало более заметил: «Чтобы попасть в Studio 54, сорока париков. Согласно расхонадо либо прийти с Халстоном, либо жей легенде, изготовлены они были надеть вещь от Халстона». Сращение в Нью-Йорке, а волосы для них примоды с искусством было для Уорхола везли из Италии. вполне естественным. Перед самой смертью он разрешил модельеру Стивену Спраусу — ученику Халстона, который стал правой рукой мэтра в восемнадцать лет, — использовать его принт «Камуфляж» в коллекциях осень-1987 и весна-1988. Самого художника похоронили в костюме от Спрауса. В 2001 г. он дал газете Guardian интервью, в котором назвал Уорхола своим «покровителем и вдохновителем». В 1966–1967 гг. компания Campbell выпустила одноразовые бумажные платья в стиле поп-арт с принтом по мотивам шелкографий Уорхола. Их можно было приобрести за доллар плюс две упаковки из-под товаров Campbell. Сегодня за ними охотятся все коллекционеры мира. С тех пор знаменитая банка снова и снова обыгрывается в мире моды. В 2016 г. Ёдзи Ямамото украсил свою линейку футболок и сумок-тоут Y-3 авторским принтом с банкой, а Dolce & Gabbana разместили собственную версию — банку супа Amore — на юбках из коллекции весна-2018. Творческая

57

Накидка с принтом по мотивам работ Уорхола в комплекте с юбкой, прозрачным топом и солнечными очками из коллекции Стивена Спрауса весна-лето — 1998. Нью-Йорк, осень 1997 г.

арт-лаборатория Rodnik Band (ее ведущего дизайнера Филипа Колберта прозвали «крестным сыном Энди Уорхола» с подачи фэшн-эксперта Андре Леона Талли) в 2011 г. представила классическую версию платья Campbell с пайетками. В 1984 г. Инес де ла Фрессанж выходила на подиум в платье из органзы от Жан-Шарля де Кастельбажака — разумеется, с «суповым» принтом.

У меня есть «одежда художника». Это обычная одежда, которую я ношу всегда, но заляпанная краской. У меня есть туфли художника, и рубашки художника, и пиджаки художника, и галстуки художника, и халаты художника — например, отличный халат от Bendel. А еще у меня есть фартуки плотника. И носовые платки художника. — Энди Уорхол, из беседы с Гленном О’Брайеном. Журнал Interview, июнь 1977 г.

Однако в мире моды любят и ценят не только «Банки с супом Campbell». Расшитое кристаллами платье по мотивам Уорхола от Джанни Версаче (1991 г.) словно олицетворяет собой наследие художника — не зря Версаче ощущал глубокое духовное родство с Уорхолом. В 2017 г. Раф Симонс от имени дома Calvin Klein заключил с фондом Уорхола двухлетний контракт на использование работ из архивов художника во всех коллекциях бренда. «Гениальный Уорхол — это не только яркие рекламные картинки, — объяснил Симонс. — Он изображал все стороны американской жизни — в том числе темные. В творчестве Уорхола больше правды об Америке, чем где бы то ни было». Стиль Уорхола столь же узнаваем в наши дни, как и в 1960-х, когда он стал новой иконой нью-йоркской моды. Яркие платиновые парики, свитеры-поло, очки с темными или прозрачными линзами, блейзеры — ключевые элементы его гардероба. Не менее памятны и смокинги, в которых он выходил на ковровую дорожку, или кожаные куртки с полосатыми футболками в стиле битников, в которых он щеголял на пару с суперзвездой его «Фабрики» Эди Седжвик. Уорхол и сам был произведением искусства — творением рук своих.

ЛУИЗА БУРЖУА Луиза — француженка. Она прекрасно знает, как быть женщиной и пользоваться губной помадой без лишних раздумий. Разумеется, у нее утонченное мировосприятие и представление о том, какой она хотела бы являться миру сама. — Хельмут Ланг и Нэнси Сперо. Dear Louise. Tate Etc, осень 2007 г.

Л

Напротив: Луиза Буржуа со своей мраморной композицией «Глаза в глаза» (1970)

60

уиза Буржуа любила необычные, богатые смыслом наряды. В 1982 г. она пришла на фотосессию к Роберту Мэпплторпу, одетая в темный «рок-н-ролльный» жакет из обезьяньего меха; в качестве аксессуара под мышкой у нее был ключевой элемент собственной композиции Fillette — большой гипсовый фаллос, обтянутый латексом. Мэпплторп описал опыт общения с ней как «сюрреальный», пояснив: «Ей не нужно было ничего говорить, она сама чувствовала, что и как надо сделать». В 2008 г. в интервью Guardian Луиза Буржуа вспоминала ту фотосъемку: «Она всем очень понравилась, потому что нас с Робертом считали хулиганами». В 2009 г. голландский фотограф Алекс ван Гельдер сделал ее портрет; на этом знаменитом снимке художница, будто в кокон, закутана в роскошную белую шубу, а на голове у нее черная шапкабини. Буржуа и ван Гельдер дружили с 1940-х, причем сблизились на почве общей любви к африканскому искусству. Фотограф уверял: «Луиза заказала мне свой портрет, потому что я очень сексуальный,

а она любила сексуальных людей». Озорное, шутливое отношение к одежде, имиджу и моде говорило об этой искренней и прямолинейной женщине ничуть не меньше, чем ее творчество. В посвященном ей документальном фильме «Паук, любовница и мандарин» (2008) Буржуа предстала перед зрителями в свободной ярко-розовой шубе из искусственного меха и кепи с блестками, а затем — в «сутенерском» костюме от Huggy Bear. Выбор одежды подчеркивал и неукротимое жизнелюбие художницы, и готовность работать на камеру. Луиза Буржуа родилась в Париже, в Рождество 1911 г. С раннего детства родители одевали ее у лучших парижских кутюрье. Как призналась сама художница в интервью газете New York Times, семейные ссоры по поводу ее гардероба не раз служили ей источником вдохновения. Буржуа объяснила, что ее композиция 1996 г. «Голубые дни» и сходная с ней работа 1997 г. «Розовые После смерти отца в 1951 г. Луиза дни и голубые дни» (в обеих демонстрировались наряды самой Луизы и членов Буржуа погрузилась в глубокую депрессию и в следующие тридцать ее семьи, аккуратно развешанные лет регулярно посещала терапевта. на плечиках) «навеяны теми временами, Сеансы кончились лишь со смертью когда мои мать с отцом все время спорили, кто из них лучше меня одевает. врача в 1982 г. Один говорил: “Я купил ей Poiret”. ВтоВ своей нью-йоркской квартире Бур- рая возражала: “Я купила ей Chanel. жуа устраивала открытые вечера, Chanel ей больше идет, чем твой Poiret”». куда молодые художники могли приНеудивительно, что Луиза Буржуа нести свои работы для критического всю жизнь страстно увлекалась модой. разбора. Эти мероприятия она назы- В 2015 г. в интервью журналу Dazed and вала «чертовы воскресенья». Confused ее ассистент Джерри Горовой заметил: «Видно, что отец Луизы был большим щеголем. Отношение к одежде и обществу было очень важно для нее в юные годы». Родители художницы реставрировали старинные гобелены; в 2008 г. Буржуа объяснила корреспонденту газеты Observer: «Эти гобелены привили мне чувство масштаба. Благодаря им я узнала историю искусства, поняла, что такое символика. Реставрация гобеленов повлияла на меня и в психологическом плане. Я увидела, что сломанную или разорванную вещь можно починить, восстановить. Творчество для меня — форма реставрации: возможность привести в порядок отношения с миром и собой».

62

В 2008 г. газета New York Times опубликовала подборку, посвященную роли моды в жизни художника. В ней приводятся слова Луизы Буржуа: «Историю нашей жизни можно припомнить и пересказать по форме, весу, цвету и запаху вещей, что висят у нас в шкафу». Ее инсталляции — материальное воплощение этой мысли. Одежда была невероятно важна и для ее творчества, и для мироощущения. В 1978 г. Буржуа представила новаторский перформанс «Банкет», в котором ей удалось объединить скульптуру и человеческое тело. Среди работ, показанных во время перформанса, был бугристый резиновый костюм, до неузнаваемости менявший тело модели. Подобный прием использовала и Рей Кавакубо при создании коллекции 1997 г. Lumps and Bumps («Комки и пупырышки»). С тех пор, вплоть до ретроспективной выставки бренда Comme des Garçons в Метрополитен-музее (2017), многие отмечали несомненные параллели между творчеством Буржуа и Кавакубо — одной из самых изобретательных кутюрье нашего времени. В том же 2017 г. сеть американских магазинов модной одежды Barneys посвятила дизайн витрин обеим художницам сразу. По словам арт-директора Barneys Денниса Фридмана, «у них немало общего в формах и линиях, особенно в том, что связано с телесностью, прежде всего с женским телом, — гротеск, деконструкция».

Я работаю лишь тогда, когда у меня есть потребность выразить нечто. Я сама могу точно не знать, что именно, но чувствую, как оно назревает и когда начинает получаться. Это очень сильная потребность. Чтобы передать свои чувства, нужно быть раскрепощенным и восприимчивым. Истинный дар художника — уметь высвобождать бессознательное. Наверняка я знаю одно: результаты меня вдохновляют. — Луиза Буржуа. Observer (UK), 2009 г.

Кавакубо далеко не единственный модельер, которому интересны концептуальные находки Луизы Буржуа. Близкий друг художницы австрийский дизайнер Хельмут Ланг признавал «неразрывную и безусловную эмоциональную связь» между ними. В 2003 г. они совместно разработали дизайн ограниченной партии футболок под названием

63

«Какая форма у этой песни?». Кроме того, в одной из своих коллекций Ланг обыграл «Невольничье ожерелье» — работу Буржуа 1940-х, а также не раз использовал образ художницы в рекламных кампаниях. В 1998 г. Ланг и Буржуа вместе с Дженни Хольцер создали экспозицию в венском музее Кунстхалле. В 2007 г. Ланг рассказывал: «Когда мы познакомились, Луиза уже почти не выходила из дому, поэтому она носила удобную повседневную одежду — например, футболку с длинными рукавами и шестью карманами. Экстравагантные вещи она оставляет для особых случаев — например, фотосессий или приема особенно дорогих гостей». Примерно то же отметил Джерри Горовой в интервью Guardian: «В какой-то момент — в 1990-е — она стала все время носить одно и то же. Постоянно ходила в черном, словно в форме. На фотографиях тех лет она одета совсем иначе, чем в 1980-х, когда мы познакомились. Тогда ее любимыми цветами были синий, белый, розовый».

Если Луизе Буржуа не нравился цвет чьей-нибудь рубашки, она тут же заявляла об этом вслух. — Джерри Горовой. Guardian, 2016 г.

В 2017 г., когда дизайнер Симона Роша открыла первый бутик в Нью-Йорке, на почетном месте в нем висела картина Луизы Буржуа. Творчество художницы вдохновило Роша на создание коллекции осеньзима — 2015. Роша объясняет: «Я бесконечно люблю ее работы — в них есть что-то очень личное, интимное. В инсталляциях она часто использовала текстиль, но мне нравятся все ее материалы: мрамор, дерево, стекло, их сочетание». Помимо игры с тканью любовь Буржуа к сфере моды выражалась в экспериментах с ювелирными изделиями. В рамках проекта «Портативное искусство» в лондонской галерее Hauser & Wirth (2008 г., куратор Селия Форнер) была представлена брошь-паук. В основу ее дизайна лег один из самых знаменитых образов в творчестве Буржуа. На той же экспозиции выставлялись витые браслеты-наручники из золота и серебра, созданные самой художницей. В 2018 г. Селия Форнер вновь запустила проект в нью-йоркской галерее Hauser & Wirth, добавив к нему работы пятнадцати новых мастеров.

Напротив: Луиза Буржуа. Нью-Йорк, март 1996 г.

ВАНЕССА БИКРОФТ Мода очень важна для перформансов Бикрофт, потому что художница подчиняет ее своей воле. Она важна не на уровне логотипов, трендов или статусных символов: модные вещи используются, чтобы подчеркнуть тело и выразить идею перформанса. — Франка Соццани. Observer (UK), март 2005 г.

Н

Ванесса Бикрофт со своей работой VB55. Новая национальная галерея, Берлин, апрель 2005 г.

66

есмотря на демонстративный разрыв с популярной культурой и якобы поверхностное знакомство с миром моды, итальянская художница Ванесса Бикрофт удивительно остро и тонко чувствует стиль ХХI в. Она сотрудничает с крупнейшими брендами фэшниндустрии — такими как Prada, Dolce & Gabbana и Manolo Blahnik — и, очевидно, хорошо знает секреты дизайнерского успеха. В сентябре 2016 г. Бикрофт работала с итальянским модным домом Valentino над линейкой женских туфель Rockstud, а впоследствии призналась: «Я люблю строгую чистоту Valentino; сегодня их вещи радуют сочетанием исторических традиций и творческого взгляда на настоящее и будущее». Сама Бикрофт весьма ответственно подходит к символике костюма, поскольку мода для нее — неотъемлемая часть художественной формы. Например, VB45 — перформанс в венском музее Кунстхалле (февраль 2001 г.) — являл зрителям армию амазонок, одетых лишь в кожаные ботфорты от Хельмута Ланга.

Один из главных моих приемов — визуальная организация моделей (в основном женщин). Я выстраиваю их в ряды с определенной цветовой схемой. Мода подхватила и быстро освоила этот прием. Мир моды подражает миру искусства, и наоборот. — Ванесса Бикрофт. Kaleidoscope, 2016 г.

Бикрофт родилась в Генуе в 1969 г. Для ее произведений характерна скупая эстетика в духе 1990-х, весьма близкая модным образам Мартина Маржелы и Хельмута Ланга того периода. Основной прием художницы — сбор и построение многочисленных моделей — роднит ее творчество с перформансом на подиуме. В ее работе VB16 Piano Americano-Beige, представлявшей группу женщин в белье телесных оттенков, заметно влияние «антверпенской шестерки» с ее деконструктивизмом и минимализма XXI в. с его сдержанной элегантностью. В пер- Бикрофт назвали в честь английформансе на открытии галереи Джереми ской актрисы Ванессы Редгрейв. Дейча в 1996 г. проводилась отчетливая параллель с остроактуальными тенденци- В детстве мать почти каждое восями моды. Как объясняет сама Бикрофт, кресенье водила Бикрофт на опер«отсылкой к подиуму служила фотография ные спектакли в Арена-ди-Верона. Йоргена Теллера — модель, одетая в прозрачное белье от Agent Provocateur, босо- В юности Бикрофт принципиально ножки от Chanel и зеленое многослойное не смотрела телевизор и придерживалась макробиотической платье-кочан». Ее собственный стиль — тонко про- веганской диеты. Своих соседей рисованные брови и непринужденная она называла «пещерными людьми» монохромная элегантность — очень бли- за то, что ели мясо. зок эстетике конца ХХ в. Помимо платьев от Yves Saint Laurent и очков от Céline художница охотно носит черное, но время от времени надевает и белое пальто-халат, похожее на рабочую «униформу» дизайнеров дома Margiela (намек на то, что изысканный образ требует тяжкого труда). Волосы у нее длинные, с пробором посередине, иногда каштановые, а иногда с рыжеватым оттенком из палитры прерафаэлитов. Для внешности Бикрофт характерна обманчивая простота — знак высшего шика. На перформанс в Музее Гуггенхайма в 1998 г. она одела свою «армию» моделей в бикини и босоножки на шпильках, созданные Томом Фордом для бренда Gucci, и сама приняла участие в шоу, посвященном культовому дизайнеру ХХ в. В газете New York Times отмечалось, что все происходившее на площадке «было частью перформанса — включая саму художницу, которая прохаживалась среди зрителей в облегающей черной рубашке, легинсах и туфлях от Gucci». Бикрофт часто обыгрывает каблук в работах, называя его «пьедесталом» и тем самым поднимая один из главных модных атрибутов на новую высоту.

69

В 2008 г., беседуя с корреспондентом журнала Museo, художница сказала: «Не могу логически объяснить свой интерес к крайностям, но мои любимые цвета — черный и белый». Бикрофт живет и дышит собственным творчеством и работает только на своих условиях. В онлайн-версии журнала The Cut Эми Ларокка отмечает: «Она хороша, как картина — пожалуй, кисти Боттичелли; она прелесть: широко распахнутые глаза, длинные ресницы, невинный взгляд». Художница прекрасно умеет пользоваться внешними данными: на фотопортрете 2006 г. под названием «Белая мадонна с близнецами» Бикрофт одета в подогнанное по фигуре платье от Мартина Маржелы с опаленным подолом и прорезями для кормления на груди. Снимок рассказывает историю ее попыток усыновить двух осиротевших младенцев в Судане. По словам самой художницы, это «провокационный образ, который вызывает либо восторг, либо гнев».

Я понимаю, что немножко витаю в облаках. — Ванесса Бикрофт. The Cut, 2016 г.

Напротив: VB60. Ванесса Бикрофт. Сеул, февраль 2007 г.

70

Ее сотрудничество с лейблом Yeezy, принадлежащим рэп-звезде Канье Уэсту, тоже вызывает бурные споры среди критиков. Бикрофт работала с Уэстом над клипами и короткометражными фильмами и была арт-директором его свадьбы с Ким Кардашьян. Рэпер обращался к ней за консультациями, запуская первую совместную линейку с Adidas в феврале 2015 г.; несколько сезонов спустя их творческий дуэт собрал миллионную аудиторию во всем мире, когда показ коллекции Yeezy 3 в Мэдисон-сквер-гарден транслировался на платформе интернет-сервиса Tidal. Художница вызвала нешуточный медийный скандал, заявив: «Я разделилась надвое. Есть Ванесса Бикрофт — белая европейская женщина, а есть Ванесса Бикрофт в образе Канье, мужчины с африканскими корнями. Я даже прошла ДНК-тест, чтобы проверить: может, во мне и правда африканская кровь? Оказалось, что нет, но я с удовольствием сдам анализы еще раз». Несмотря на поднявшийся шум, Бикрофт игнорирует злопыхателей и идет своим путем — как в мире моды, так и за его пределами.

ЛИ БАУЭРИ Искусство — это все, что трогает нас, вызывает мощное душевное движение. Или, как сказал бы покойный мастер перформанса, дизайнер, музыкант, а также великий маг визуальной и физической логики Ли Бауэри, искусство — это все, что движется само. — Бой Джордж. Paper, январь 2005 г.

М

Напротив: Ли Бауэри в уникальном комплекте собственной работы. Лондон, ок. 1980

72

ода и творчество удивительным образом сочетались в жизни Ли Бауэри — артиста, художника, дизайнера и музыканта. Бауэри родился в 1961 г. в австралийском городе Саншайн и страстно увлекся модой в четырнадцать лет: когда подросток оправлялся после тяжелой операции, мать научила его вязать спицами и крючком. Он осваивал дизайн в Технологическом институте Мельбурна, а в девятнадцать лет перебрался в Лондон. Там ему удалось осуществить многие свои мечты, а заодно вдохновить и тех, кто попал в его орбиту. Бауэри начал шить одежду, в которой его замечали, и вскоре влился в светскую жизнь андеграунда, одержимого духом нового романтизма. Даже в кругах, где трудно удивить костюмом монахини, пирата, куртизанки XVIII в. или ковбоя с Дикого Запада, он был твердо намерен выделиться и заявить о себе. В 1985 г. Бауэри открыл собственный клуб Taboo. Посетителей просили одеваться «с фантазией»;

наряды самого владельца всегда были экстравагантнее всех. В поездках Бауэри тоже любил носить эпатажные костюмы; кинематографист Чарльз Атлас, режиссер фильма «Легенда о Ли Бауэри», вспоминал в интервью американской радиостанции NPR: «Когда он приезжал в Нью-Йорк, мы часто ходили гулять по вечерам, и он мог надеть, например, бюстгальтер с поролоном, украшенный заколками для волос. Еще у него была расшитая бисером маска с бахромой, которая закрывала все лицо. Он часто носил высокие сапоги и штуковину, которую называл “меркин”, — лобковый парик. Конечно, увидев его на улице, люди застывали как вкопанные». Обращение к искусству перформанса было вполне закономерным шагом для Бауэри, чье художественное ви́дение размывало, смешивало и по-новому преломляло понятия гендера и сексуальности: он раздвигал границы собственной индивидуальности в эпоху, когда подобные эксперименты шли вразрез Бауэри был одной из любимых модес общепринятым представлением лей художника Люсиана Фрейда. о норме. Одно из самых смелых и памятКогда Бауэри попросили создать ных его выступлений — перформанс костюмы для представления балет1992 г. в лондонском клубе Kinky ного танцовщика Майкла Кларка, Gerlinky, во время которого он впервые он хотел сшить артисту и его изобразил сцену родов, «произведя труппе наряды из тряпиц, которыми на свет» свою будущую жену Николу Фрейд вытирал кисти. Бейтмен, вымазанную красной краской и клубничным желе. Тот же номер пара Бауэри любил экспериментировать представила год спустя на американском с косметикой, начиная с декорафестива ле Уигсток, проходившем тивных пятен на лице (см. с. 73) в Томпкинс-сквер-парке (Ист-Виллидж, и заканчивая более радикальными Нью-Йорк) и на других площадках. способами изменить внешность. Уже в 1981 г. Бауэри сформулировал свое творческое и жизненное кредо: обмен идеями необходимо обеспечивать любыми средствами. «Думаю, что в первую очередь важна индивидуальность, а насчет поведения и внешности не должно быть никаких строгих правил», — писал он в дневнике. По словам журналиста Йена Паркера, который в 1995 г. брал у художника интервью для газеты Independent, сам Бауэри считал свои стилистические упражнения одновременно серьезными и забавными: «Это просто игра, но, возможно, за ней кроется

74

что-то трагическое, мучительное. Между двумя этими полюсами идут вечные силовые линии». Бауэри не любил модного мейнстрима, хотя в 1982 г. его вещи продавались в бутике Сьюзен Барч на Томпсон-стрит в Нью-Йорке, а год спустя участвовали в организованном ею фэшн-шоу New London — New York. В фильме Чарльза Атласа модельер Майкл Костифф вспоминает: «Ли не очень хотел, чтобы кто-то другой носил его вещи. Он сам был своим главным творением». В 1986 г. в интервью журналу The Cut Бауэри сказал: «У меня сложные отношения с модой. Быть модным — значит нравиться многим, а я предпочитаю нравиться узкому кругу… Есть, пожалуй, человек двадцать, чье мнение для меня действительно важно». В телешоу Джоан Риверс художник еще раз подчеркнул свою позицию: «Мне интересна не столько сама мода, сколько возможность выразить мысль, воплотить фантазию. Я люблю выделяться внешне, люблю провокационные жесты».

Мне кажется, что индустрия моды (где у всех женщин чистая кожа, голубые глаза, идеальные светлые локоны и британский десятый размер одежды, а у всех мужчин чистая кожа, усы, идеальные волнистые волосы, широкие плечи и благородно-мужественные черты лица) — РЕДКАЯ ДРЯНЬ. — Ли Бауэри. Запись в дневнике, 1981 г.

В октябре 1988 г. у Бауэри прошла персональная выставка инсталляций в лондонской галерее Энтони д’Оффе. Во время выставки художник сидел в шезлонге, отгороженный полупрозрачным зеркалом: сам он никого не видел, но посетители наблюдали за ним. Так он провел неделю; звуковой дорожкой к перформансу стал шум уличного движения. В книге Leigh Bowery: The Life and Times of an Icon Сью Тилли цитирует слова обозревателя Artscribe International: «Это был замедленный показ мод, втиснутый в перформанс. Дизайнер придумывал одежду для себя, буквально одержимый творческим процессом». Тилли, лучшая подруга Бауэри, говорила: «Он делал такие вещи, какие хотел. Его не волновало, понравятся ли они другим людям. Да он и не пытался ничего продать».

75

Осенняя коллекция Александра Маккуина Horn of Plenty («Рог изобилия», 2009 г.). Макияж моделей напоминает образы Ли Бауэри 1980-х

Тем не менее Бауэри оставил заметный след в мире моды и к его творчеству до сих пор обращаются мастера высочайшего уровня. Синяя краска на лицах моделей и экзотические индийские украшения, дополнявшие весеннюю коллекцию Джона Гальяно в 2003 г., напрямую отсылали к одному из самых известных образов художника. В осенней коллекции Horn of Plenty («Рог изобилия», 2009 г.) Александр Приехав в Лондон, Бауэри устроился Маккуин обыграл ломаные силуэты в один из ресторанов Burger King и гротескный макияж, характерные в Вест-Энде. Стесненный в среддля эстетики Бауэри. В том же году ствах художник говорил, что его на показе Maison Margiela можно было мечтой было продавать бургеры увидеть его фирменные «аксессуары»: на Елисейских Полях в Париже. шапки с помпоном и маски с залысинами и цветными потеками. В 1993 г., незадолго до смерти больного СПИДом художника, Энни Лейбовиц сфотографировала его в роскошном БДСМ-костюме с ногой-колонной. Черные латексные комбинезоны из коллекции Гарета Пью 2007 г. обязаны своим появлением именно этому кадру. Можно привести и более свежие примеры. В мае 2015 г. на экспозиции In Part в выставочном комплексе фонда Prada (Милан) был показан видеопортрет Ли Бауэри. А летом 2016 г. настоящий фурор в мире моды произвели «живые рюкзаки» Рика Оуэнса, навеянные сценой родов в исполнении Бауэри; ремни на манекенщицах в точности воспроизводили те, которыми в изначальном перформансе была опутана Никола Бейтмен. Как заметил Оуэнс в интервью для портала Dazed Digital, «в этой идее провокация сочетается с нежностью».

КИТ ХАРИНГ Что такое «коммерциализация»? Если это значит, что мою картину напечатают на футболке и ее купит парень, у которого нет тридцати тысяч долларов на оригинал, — я обеими руками «за». — Кит Харинг. Los Angeles Times, февраль 1990 г.

Н

Напротив: Кит Харинг на открытии лавки искусств Pop Shop. Нью-Йорк, 1986 г.

78

аследие Кита Харинга исполнено любви и сострадания: он личным примером доказал, что оглушительный успех не помеха добрым делам. Знаменитый музыкальный продюсер Джуниор Васкес говорил: «Кит был истинным сыном мегаполиса. Он всегда жил в ритме городских улиц». Завсегдатай легендарных нью-йоркских клубов начала 1980-х, Харинг дружил с Энди Уорхолом и Жан-Мишелем Баския, боролся за права сексуальных меньшинств и против наркоторговли, помогал больным СПИДом, поддерживал Нельсона Манделу и работал с детьми из разных стран мира. В 1986 г. он получил приглашение расписать фрагмент Берлинской стены. В наши дни фонд Кита Харинга по-прежнему выдает лицензии на использование его работ и сотрудничает с благотворительными организациями. Художественный талант Харинга быстро обрел признание, но гардероб доставлял ему немало хлопот. В 1989 г. одежда и обувь художника пришлись не ко двору в парижском отеле Ritz (в Париж он прилетел из Пизы, где работал над муралом по заказу городских властей). Персонал гостиницы не желал пускать Харинга в рестораны,

поскольку вместо «приличных туфель» он носил высокие кроссовки; художнику «постоянно делали замечания» еще и за то, что ходит в шортах по коридорам и фойе. В наши дни уличный стиль Харинга одержал победу: кроссовки пользуются у истинных ценителей моды таким же спросом, как дизайнерская обувь, а его любимые пары — черно-красные Air Jordan 1 или высокие Nike Delta Force (в оригинальных коробках) выставляются в витринах как произведения искусства. В 1982 г. арт-дилер Тони Шафрази устроил Харингу первую сольную выставку в своей галерее на Мерсер-стрит в Нью-Йорке и сразу же отметил его необычный стиль. «С самого начала у Кита был свой узнаваемый образ… К двадцати годам он уже на двадцать лет опережал свое время. Настоящий законодатель мод». Кит Харинг родился в 1958 г. в штате Пенсильвания и прославился благодаря знаменитому диско-клубу 1980-х Paradise Garage. В 1997 г. журнал Vanity Fair опубликовал статью, где легендарный диджей Джонни Дайнелл рассказывал, как Харинг «стал официальным художником клуба. Он придумывал принты для футболок, оформлял зал, рисовал приглашения, которые В переходном возрасте Кит Харинг мы всегда бережно хранили». Себе любил группу Grateful Dead и зано- Харинг тоже подбирал уникальные сил в специальный дневник все образы, начиная со знаменитых учениченовости из жизни музыкантов. Кроме ских очков (персональный дизайн оправы того, он был горячим поклонником ему обеспечивал друг — художник Кенни солиста группы The Monkees Дэви Шарф). На первый взгляд очки не вязаДжонса и делал коллажи из его лись с вольным, гедонистическим обрафотографий. зом жизни, однако стилистические находки Харинга отражали прежде всего его душевное состояние и внутренний мир; многие из них были навеяны хип-хопом, который он слушал за работой. Художник любил музыку и часто рисовал обложки для альбомов и синглов своих друзей, включая трек Christmas in Hollis («Рождество в Холлисе») рэп-группы Run-D. M. C. В 2013 г. бренд Adidas использовал этот рисунок для дизайна лимитированной коллекции кроссовок Superstar 1980s: принт с его миниатюрной версией украшал язычки. Несмотря на любовь к уличному стилю, Харинг никогда не одевался по шаблону, и очки на нем воспринимались удивительно естественно. Наряду с бейсболками, кроссовками и разрисованными джинсами он носил университетские куртки с декоративными

80

заплатками, яркие бомберы с поддернутыми рукавами, велосипедные кепки, диснеевские футболки, жилеты и бусы. На встречу с принцессой Монако Каролиной, заказавшей Харингу мурал для больницы имени принцессы Грейс, художник надел костюм и галстук от Аrmani в тонкую синюю полоску — однако, верный себе, дополнил образ белоснежными высокими кроссовками Nike.

Многим людям хочется быть крутыми. Как только что-нибудь становится популярным, они шарахаются от этого в сторону. Им кажется: быть модным означает «прогнуться», продаться. Так что им приходится искать новое увлечение — непопулярное, зато крутое. Но лично мне ничто не мешает совместить крутое с модным. — Кит Харинг. Журнал Interview, декабрь 1984 г.

Неповторимый стиль Харинга заинтриговал дизайнеров Малкольма Макларена и Вивьен Вествуд: в 1983 г. они привлекли художника к разработке осенней коллекции, которую он украсил светящимися человечками, собаками и младенцами. В этих моделях ощущался и дух милого Харингу хип-хопа: из спортивного трикотажа были сшиты не только брюки, но и юбки с пиджаками; кроссовки с тремя язычками довершали эффект броского уличного шика. Вествуд казалось, что рисунки Харинга напоминают магические символы и иероглифы, поэтому она дала коллекции название Witches — «Ведьмы»; на показе в Париже дефиле сопровождалось рэп-музыкой. Это было далеко не последнее появление работ Харинга на подиуме — мир моды регулярно обращается к творчеству художника. Осенью 1988 г. он украсил коллекцию своего друга Стивена Спрауса Signature фирменными харинговскими «закорючками». Бренд Comme des Garçons выпускал кашемировые свитеры с графикой Харинга. Томми Хилфигер привлекал художника к дизайну кроссовок и веллингтонов для концептуального французского бутика Colette. И Jeremy Scott, и Reebok размещали миниатюры Харинга на кроссовках, а в 2018 г. бренд Coach полностью посвятил художнику коллекцию весна-лето: свитеры, платья, жакеты и сумки с узнаваемыми мотивами и образами из его работ.

81

В 1986 г. Харинг открыл собственный бутик Pop Shop, надеясь сделать свое творчество общедоступным. Наибольшим спросом пользовались постеры, футболки с принтами, худи и декали*. Магазин закрылся в 2005 г., однако идея «народной моды» не утратила актуальности, как и наследие самого Харинга. Его знаменитые рисунки и узоры можно встретить везде — на подиумах, в магазинах таких брендов, как японский Uniqlo, в коллекциях «уличных» лейблов — достаточно вспомнить Joyrich и Obey, которые обращались к фонду Кита Харинга за свежими идеями для коллабораций. Именно этого хотел бы и сам Харинг. Он охотно расписывался на одежде всех желающих; разрисовывал вазы для кутюрье Жан-Шарля де Кастельбажака и детские кепки; бесплатно раздавал значки со знаменитым «Сияющим младенцем». В 2009 г. его подруга Мадонна призналась в интервью журналу Rolling Stone: «У меня есть кожаная куртка, которую расписал Кит Харинг. Я никогда и ни за что с нею не расстанусь». В этой куртке певицу можно увидеть на снимках из клуба Paradise Garage, сделанных в 1984 г.

Мне позвонили из одной фирмы, которая производит синтетику. Намечалась большая медийная кампания: попытка снова ввести полиэстер в моду. — Кит Харинг. Журнал Interview, декабрь 1984 г.

Из всех экспериментов Харинга в мире моды наиболее примечательна коллаборация с его любимой певицей Грейс Джонс. Художник говорил: «Глядя на нее, я мечтаю расписать ее тело» — и однажды осуществил свою мечту. Энди Уорхол познакомил Харинга с певицей, а в 1984 г. попросил Роберта Мэпплторпа запечатлеть плоды их творческого союза. В 1986 г. Харинг снялся в клипе к песне Джонс I’m Not Perfect, But I’m Perfect for You. В режиме ускоренной съемки художник покрывает своими знаменитыми символами огромный круг белой ткани, который затем превращается в широкую, струящуюся юбку Джонс. В этом кратком эпизоде соединилось все, что олицетворял собой Кит Харинг: искусство, мода, слава, музыка — и радость жизни. * Дека́ль — метод непрямой печати изображений переносом с бумажной основы, а также само такое изображение.

82

В стиле Кита Харинга. Нью-Йорк, середина 1980-х

ВИЗИТНАЯ КАРТОЧКА: ОЧКИ Для этих художников очки не просто аксессуар, а символ внутренней сущности. Продуманно строгие оправы Стива Маккуина подчеркивают образ интеллектуала, который поднимает в своем творчестве такие серьезные темы, как рабство и трудовая миграция. Ричарду Аведону посчастливилось наблюдать всю эволюцию моды 1960-х, и безупречная элегантность его «стекол» под стать совершенству его фотокомпозиций, где запечатлены самые яркие и необычные модели той эпохи, например Чайна Мачадо и Верушка. В линзах стильных современных очков отражается и культурное богатство авангардных работ Йоко Оно, и озорная ирония, которой искрится диалог Такаси Мураками с миром моды.

СТИВ МАККУИН

Б

ританский художник и кинорежиссер несколько лет подрабатывал в универмаге Marks & Spencer и уволился лишь в 1995 г., когда ему предложили «кучу денег за режиссуру». Спонсоры не прогадали. В 1999 г. Маккуин получил весьма престижную премию Тернера за фильм «Бесстрастное лицо», посвященный звезде немого кино Бастеру Китону, а в 2013-м удостоился премий «Оскар» и BAFTA за картину «Двенадцать лет рабства». В школьные годы Маккуин носил очки с заклеенным стеклом, но сегодня он знаменит небрежной элегантностью — и любовью к стильным черным оправам. В 2017 г. Эдвард Эннифул — главный редактор британской версии Vogue — пригласил Маккуина к сотрудничеству. Впрочем, творчество почти не оставляет художнику времени на моду, если не считать выходов на красную дорожку. «Работа для меня главное, в ней вся моя жизнь», — признался он корреспонденту Guardian в 2014 г. После оскароносного фильма «Двенадцать лет рабства» Маккуин снял картину «Пепел» об убийстве подростка в Гренаде. Среди прочих его произведений можно отметить инсталляцию «Тяжесть»: тюремную койку, покрытую сетью от москитов из золота 999-й пробы. Работа выставлялась на экспозиции «Художники и писатели в Редингской тюрьме» (2016), организованной в память об Оскаре Стив Маккуин на международном киноУайльде — самом знаменитом узнике фестивале в Торонто, сентябрь 2011 г. этого заведения.

ТАКАСИ МУРАКАМИ

Т

акаси Мураками прославился как отец современного концептуального направления под названием Superflat («сверхплоское»). Его уникальный стиль объединяет в себе элементы высокой и массовой культуры: яркие цветы и стилизованные фигурки в духе аниме сочетаются с двумерной техникой традиционной японской живописи. На автопортретах художник изображает себя в скейтерских шортах, мешковатых футболках и сандалиях, с волосами, стянутыми в конский хвост. И конечно, в неизменных очках: круглых, в тонкой проволочной оправе, стильных и удивительно подходящих этому загадочному, колоритному, ультрасовременному персонажу. Первым модным экспериментом художника стала коллаборация с брендом Issey Miyake: в 2000 г. дизайнер Наоки Такизава украсил парки с капюшоном и мужские брюки из весенне-летней коллекции принтом от Мураками — экзотическими глазами медуз. В 2003 г. началось сотрудничество художника с Марком Джейкобсом под эгидой Louis Vuitton. Их творческий союз продлился тринадцать лет и породил многочисленные линейки кожаных изделий в необычных тонах — в том числе нежно-розовых и небесно-голубых — со знаменитым логотипом LV. Сумки были приняты с немалым энтузиазмом, что вдохновило художника на новые коллаборации. Вверху: Такаси Мураками в галерее Perrotin. Гонконг, май 2013 г.

ЙОКО ОНО

Й

око Оно всю жизнь ходит в очках: солнцезащитных «стрекозах», футуристических монолитных очках 1980-х, вайфарерах и круглых тишейдах, которые так любил ее муж Джон Леннон. Смелые произведения и броские наряды Оно лучше всяких слов свидетельствуют о ее неустрашимом характере. В 1966 г. на выставке в лондонской галерее Индика она покорила Леннона, заставив его влезть на стремянку и рассмотреть в лупу слово «да», написанное на потолке. Три года спустя, в Гибралтаре, пара поженилась; невеста была в белой мини-юбке, гольфах, широкополой шляпе и больших круглых очках, которые почти полностью закрывали ее лицо. Интерес к одежде как будто у Оно в крови. Во время одного из своих первых перформансов — «Отрежь кусок» в токийском центре искусств Согетцу (1964 г.) — художница выходила к публике в нарядном платье и предлагала искромсать его ножницами. Сейчас, на девятом десятке, Оно предпочитает свободную одежду в стиле унисекс: носит брючные костюмы со шляпой-котелком или кожаные байкерские куртки с прозрачными блузами — и, конечно, неизменными очками. Ее творчество многогранно и по сути абстрактно; музыка — неотъемлемая его часть. В 1969 г. Оно и Леннон запустили совместный проект под названием Plastic Ono Band. В 1981 г. Оно записала свой сольный альбом Season of Glass («Сезон стекла»); на его обложке были изображены забрызганные кровью очки Леннона, обнаруженные возле его тела после убийства.

Вверху: Йоко Оно. Берлин, 2006 г. Напротив: Ричард Аведон в мастерской (Нью-Йорк, 1985 г.). За спиной у фотографа его работа «Клиффорд Фелднер, безработный гуртовщик»

РИЧАРД АВЕДОН

Н

а черно-белом балу Трумена Капоте — знаменитом маскараде 1966 г., устроенном в честь издательницы Кэтрин Грэм в гостинице Plaza, — Ричарду Аведону пришлось проявить изобретательность, чтобы соблюсти дресс-код и разглядеть торжество во всех деталях. Если верить статье, опубликованной в журнале Life в декабре того же года, фотограф «повязал черную полумаску прямо поверх очков». Очки Аведона будто жили своей жизнью. На многих снимках они сидят у него на лбу, поджидая своего часа. Аведон всегда выбирал стильные «гангстерские» авиаторы — эталон непринужденного шика в культуре хип-хопа. В 2015 г. знаменитые очки фотографа вдохновили Гаррета Лейта (сына Ларри Лейта, основателя бренда Oliver Peoples) на создание оправы «аведон». Любовь Аведона к моде прослеживается и в его творчестве. Главный принцип его эстетики — глубокое погружение, и моду, даже высокую, он в первую очередь ценил как совместное действо: слаженное, динамичное, требующее постоянного присутствия в моменте. Его творческий метод «оживлял» и наделял характером любую вещь. Созданные им образы вошли в фонд мировой классики: модель Довима в платье от Кристиана Диора позирует со слонами в цирке d’Hiver (1955); повторяя знаменитый кадр Мартина Мункачи, Кармен Дель Орефиче в наряде от Кардена и с раскрытым зонтиком в руках словно парит над булыжной мостовой (1957). Рекламные работы Аведона поднимали моду на новую высоту; в своих фотопортретах он подбирал свежие, выразительные штрихи и детали, позволявшие удивительно точно и тонко раскрыть внутренний мир персонажа — будь то фигура первой величины вроде Мартина Лютера Кинга — младшего или безвестный «Рональд Фишер, пчеловод из Дэвиса, Калифорния».

ПАБЛО ПИКАССО Тот, кто пытается объяснить картину словами, чаще всего попадает пальцем в небо. — Пабло Пикассо Дидье Оттингер. Futurism (2008)

П

Пабло Пикассо в мастерской. Франция, Валлори, ок. 1952

88

абло Пикассо не стоял на месте. Его творчество переходило из одной фазы в другую: художник непрестанно совершенствовал и свое послание миру, и формы, в которые оно облекалось. Бесконечный поиск отражался и в экспериментах с внешним видом. В 1900 г. Пикассо перебрался из Испании в Париж и в первые годы там жил очень бедно. За ужин в кабаре Le Lapin Agile («Проворный кролик») ему не раз приходилось расплачиваться собственными картинами. В те времена его любимой одеждой была «спецовка художника»: залатанный комбинезон, рыбацкий свитер и мешковатая куртка. Пикассо очень дорожил репутацией серьезного и ответственного труженика искусства. В 1919 г., работая над декорациями к балету де Фальи «Треуголка» в Лондоне, художник влюбился в стиль английского джентльмена. В сопровождении критика Клайва Белла — зятя Вирджинии Вулф — Пикассо ходил к лучшим портным с лондонской Сэвил Роу и покупал костюмы-тройки, которые щегольски носил с декоративными носовыми платками, брогами и котелками. В Монте-Карло, куда Пикассо приехал в 1925 г. по приглашению Дягилева, художник охотно надевал пляжные белые слаксы с темно-синими блейзерами.

Пикассо примерял на себя самые разные вещи и образы: оксфордские сумки и стилизованные кепи в духе Скотта Фицджеральда; сексапильные черные рубашки с распахнутым воротом; полосатые футболки, брюки-чинос и эспадрильи; махровые рубашки-поло и шорты 1950-х. Художник легко сочетал полосатые рубахи с брюками в клетку тартан, а в зрелые годы любил разгуливать с обнаженным торсом. К тому же Пикассо обожал шляпы и шапки — перуанские вязаные шапочки с помпонами, плоские соломенные шляпы, благородные, сдержанные хомбурги. И не только: для забавы художник охотно надевал карнавальные шляпы матадоров, вьетнамские ноны и оперенные головные уборы американских индейцев, часто покуривая при этом сигару. Берет — традиционный головной убор баскских крестьян — стал визитной карточной Пикассо как в жизни, так и в творчестве. Этот аксессуар выходит на первый план в его картинах «Женщина в красной шляпе» (1934), «Женщина в берете и клетчатом платье» (1937), «Мария-Тереза в синем берете» (1937) В 1903 г., когда Пикассо и его и «Портрет мужчины в берете» (1971). приятель — поэт и критик Макс Можно вспомнить и еще один образ Жакоб — снимали квартиру на буль«человека в берете» — один из первых варе Вольтера в Париже, друзья известных нам портретов кисти Пикассо, были так бедны, что им приходилось написанный в 1895 г., когда художнику спать в одной кровати, по очебыло четырнадцать лет; в нем проявлено реди носить один и тот же цилиндр на редкость зрелое мастерство юного и пользоваться одним блокнотом живописца. Неизгладимое впечатление, на двоих. которое производили на публику береты Пикассо, отражено в анналах лондонского Института современного искусства. Согласно журналу посещений, в 1950-е, после двух выставок Пикассо, в институте постоянно находили забытые посетителями береты. Кураторы объясняли: «Пикассо носил берет, и все остальные пытались ему подражать». Берет — любимый головной убор бунтарей, революционеров, интеллектуалов богемного толка; Пикассо доводилось примерить на себя все эти амплуа. В 1944 г. он вступил во Французскую коммунистическую партию и до конца жизни жертвовал немалые суммы на ее начинания. Политическим взглядам Пикассо посвящено не меньше исследований, чем его творчеству. Художник, которого обозреватель журнала Spectator в 2018 г. назвал «богатым как Крёз», всю жизнь исповедовал принципы гражданского активизма. Берет был

90

Тот, за кем шли остальные, был человеком редкого обаяния. Тот, за кем шли остальные, был человеком бесспорно редкого обаяния. — Гертруда Стайн. Picasso (1912)

Модель Катуша в вечернем платье по мотивам картин Пикассо из весенне-летней коллекции Ива Сен-Лорана, январь 1988 г.

символом его характера и убеждений — неотъемлемой частью образа и личности. Много лет модельеров привлекает личность Пикассо и его многогранное творчество. В 1935 г. оптическая иллюзия Пикассо и Мана Рэя «Руки, имитирующие перчатки» (Пикассо разрисовал руки, а Ман Рэй их сфотографировал) подсказала Эльзе Скиапарелли идею легендарных перчаток с красными ногтями. В 1940 г. в витринах нью-йоркского универмага Bergdorf Goodman вместе с вещами из сезонных коллекций появились и работы Пикассо. Среди полотен была работа розового периода «Бюст женщины», которую оттеняло золотое платье из ткани ламе в комплекте с серебристым жакетом из лисьего меха, а также «Обнаженная в сером» — картина голубого периода, размещенная рядом с длинной накидкой из меха куницы. В 1944–1945 гг. знаменитый голливудский дизайнер Гилберт Адриан создал платье под названием «Оттенки Пикассо»; источником вдохновения ему послужили насыщенные цвета и угловатые формы кубистического периода. Зимняя коллекция Ива Сен-Лорана 1979 г. отдавала дань уважения альтер эго Пикассо — Арлекину: в нее входило платье из бледно-розового атласа и тюля в черный горошек, с гофрированными воротником и манжетами. Сумки с геометрическим узором из летней коллекции Prada 2017 г.; пляжное платье 2012 г. с газетным принтом «Пикассо» от Оскара де ла Ренты; искаженные абстрактные лица на трикотаже от Жиль Зандер того же года; необычный face-art — лица, нарисованные поверх лиц, — на показе осенне-зимней коллекции Jacquemus 2015 г. и многое другое было бы невозможно без творческого наследия Пикассо. Художник и сам не чуждался декоративно-прикладного искусства. В 1955 г. он работал с американской компанией Fuller Fabrics над коллекцией Modern Masters («Современные мастера»), создавая текстиль для повседневной одежды с принтами, которые назывались, например, «Петух» и «Рыба». В 1956 г. Пикассо подготовил для той же компании линейку фурнитуры «Горлица». В 1962 г. он сотрудничал со спортивным брендом White Stag; плодом коллаборации стали виниловые анораки с быками и вельветовые пончо с принтом по мотивам картины «Фавн-музыкант». Рекламная кампания линейки была выдержана в демократическо-революционном духе, характерном для жизни и творчества художника: «Можете ли вы купить оригинал Пикассо? За тридцать долларов — вполне!» — сообщалось потенциальному покупателю.

ЛУИЗА НЕВЕЛЬСОН Для меня искусство и жизнь — одно и то же, а мода — это часть жизни. Я счастлива, когда ношу красивую одежду, чудесные украшения. Творческий процесс у меня идет постоянно — почему он не должен касаться меня самой? — Луиза Невельсон. Vogue, июнь 1976 г.

Л

Напротив: Луиза Невельсон, июнь 1980 г.

94

оскутная, почти коллажная какофония повседневных нарядов Луизы Невельсон была под стать ее произведениям. Странные сочетания разнородных фрагментов удивительно органично срастались друг с другом, когда художница превращала их в единое целое. Точно так же обрывки и осколки жизни, собранные в ее скульптурах, вызывают мощный эмоциональный отклик, но в итоге оставляют впечатление единства и гармонии. Невельсон родилась в Киеве в 1899 г.; наибольшую известность ей принесла композиция «Небесный собор» (1958), составленная из коробов с досками и щепками, которые художница подобрала на улицах Нью-Йорка и выкрасила в матовый черный цвет. Невельсон прекрасно умела работать с сочетаниями и контрастами. Кутюрье Арнольд Скааси вспоминал первую встречу с художницей: «…на ней была мужская джинсовая рубаха и штаны цвета хаки… На голове красовалась остроконечная ведьмина шляпа из какого- то ужасного рыже- бурого искусственного меха. Довершала ее наряд соболиная шуба!» Модельер

«Хорошо одеваться» не значит носить дорогие или «правильные» вещи. Мне плевать, что вы надеваете. Хоть бы и лохмотья, но они должны подходить вам. Если вы чувствуете, что образ вам не идет, — значит, вы не готовы к встрече с миром. — Луиза Невельсон. The Metropolitan Museum of Art Bulletin, ок. 1965

увидел в облике Невельсон «нечто среднее между эксцентричной лесбиянкой и элегантно стареющей хиппи» и был «заворожен». Впоследствии Скааси стал личным дизайнером художницы, однако работали они почти всегда в тандеме: у Невельсон не было недостатка в собственных идеях. Вполне обычными заказами были, например, бархатные пончо в зелено-фиолетовых тонах или жакеты из иранской шерсти, подбитые мехом шиншиллы, — для работы в огромной холодной мастерской на Спринг-стрит в нью-йоркском Сохо. В 1977 г. редактор журнала Vogue Диана Вриланд попросила у Скааси один из нарядов Невельсон для выставки в Метрополитен-музее. По ее словам, стиль художницы «представлял немалый интерес». На открытие своей ретроспективы 1967 г. в Музее Уитни Невельсон пришла в белой крестьянской блузе с вышивкой, длинной мексиканской юбке и лазурном тюрбане из камчатной салфетки. С ее плеч ниспадали два лиловых японских гобелена. Ансамбль дополняли самодельные Когда Невельсон было девять лет, аксессуары: ожерелье из кабаньих клыков девочка увидела статую Жанны д’Арк и брошь из дерева и золота. «Я ищу в Роклендской публичной библиотеке и выбираю то, что мне подходит», — за- (Нью-Йорк) и решила, что станет явила Невельсон в интервью Metro- скульптором. politan Museum of Art Bulletin и пояснила, что даже в ранней юности считала В 1933 г. Невельсон была ассисмоду слишком «временной». Ей нужна тенткой Диего Риверы при работе была одежда, которая не меняется над серией муралов «Портрет Амеот сезона к сезону и более «постоянна», рики» (для Нью-Йоркской школы чем циклические предложения париж- рабочих). У нее завязался роман ских кутюрье. На седьмом десятке с художником — к немалому огорчеНевельсон охотно покупала винтажные нию Фриды Кало. кружевные платья и японские кимоно; в семьдесят лет начала носить знаменитые накладные ресницы. По ее убеждению, лучше всего смотрелись две-три пары разом, хотя по особым случаям можно было наклеить и пять комплектов. В 2007 г. газета New York Times писала: «Луиза Невельсон объявила старость лучшим временем для модных революций». Хотя Невельсон с детства хотела посвятить себя искусству, полноценную учебу ей удалось начать лишь в двадцать девять лет. В книге Louise Nevelson: A Passionate Life Лори Лиль рассказывает,

97

как будущая художница в юности вырабатывала свой стиль: «Лет в четырнадцать она купила в универмаге Woolworth отрез льна и каркас для широкополой шляпы. Лен она разрезала на полосы, сплела в косички и обмотала ими каркас. Затем по трафарету нарисовала и раскрасила бабочек, вырезала их и пришила на тулью. Эту самодельную шляпу девочка носила в школу, пока “шедевр” ей не надоел». Шляпы и платки стали визитной карточкой Невельсон. Среди ее аксессуаров имелись плюшевые жокейские картузы, объемные стетсоны, шелковые банданы и пуховые платки. Одним из ее любимых шляпников был легендарный Мистер Джон, чьи творения носили светские львицы и кинозвезды, включая Мэрилин Монро. По слухам, Невельсон расплачивалась с мастером собственными произведениями — так дорого стоили его шляпы. Добывать их Невельсон готова была любой ценой. В биографии художницы Light and Shade Лори Уилсон пишет, что в 1930-х и 1940-х Невельсон «часто называли “Леди шляпа”, поскольку она носила роскошные головные уборы — иногда украденные, а иногда купленные для нее любовниками».

Одеваясь, я каждый раз создаю картину. — Луиза Невельсон. Dawns and Dusks (1976)

Напротив: Луиза Невельсон, ок. 1970

98

Радикальный стиль Невельсон складывался годами. Поиски начались, когда художнице было уже за тридцать, — после расставания с консерватором-мужем, который желал видеть супругу покорной домохозяйкой. Оставив его, Невельсон первое время жила впроголодь, но умудрялась одеваться с неброским шиком, весьма далеким от безудержной экстравагантности ее зрелых лет. Лишь после первой персональной выставки 1941 г. в берлинской галерее Нирендорф и продажи нескольких работ в начале 1950-х Невельсон произвела эстетическую революцию в собственном гардеробе. Художница решила: публика должна смотреть не только на ее работы, но и на нее саму. Одежда стала для нее продолжением творчества.

ДЖУЛИАН ШНАБЕЛЬ Я отказываюсь иметь фирменный стиль. Кажется, на днях Майкл Стайп, солист группы R. E. M., сказал кому-то, что мне «принадлежит белый цвет». Не знаю точно, что он имел в виду, но, по-моему, это очень здорово. — Джулиан Шнабель. Evening Standard, май 2014 г.

Д

Напротив: Джулиан Шнабель. НьюЙорк, май 2017 г.

100

жулиан Шнабель — художник в пижаме: режиссер, дизайнер и живописец, который вывел ночные одеяния из сумрака на свет. У него всегда имелись блистательные союзники и единомышленники: как режиссер Шнабель дебютировал в 1996 г. биографическим фильмом о своем покойном друге Жан-Мишеле Баския. Хорошие знакомые настолько уютно чувствуют себя в его обществе, что не стесняются время от времени попросить о творческих услугах; в силу отзывчивости художник загружен самыми разными проектами. Шнабель познакомился с Донателлой Версаче, когда писал портреты ее детей и брата Джанни; впоследствии они вдвоем создали ожерелье для аукциона в пользу Музея американского искусства Уитни. В 2006 г. он обновил интерьер гостиницы Gramercy Park; с ее владельцем Йеном Шрегером художник познакомился еще в школьные годы, а затем вращался в одних и тех же кругах Нью-Йорка. По поводу этого многомиллионного проекта Шнабель несколько небрежно высказался в интервью

газете New York Times: «Я не дизайнер, но вечно что-то строю и оформляю. Вообще говоря, я больше раскрашиваю, а это не очень сложно». В обновленной гостинице Шнабель развесил свои работы, а также холст Энди Уорхола — еще одного близкого друга, чей портрет он написал в 1982 г. Молчаливый художник настолько уютно чувствовал себя, позируя Шнабелю, что беспрекословно согласился снять рубашку и продемонстрировать розовый корсет. Он и запечатлен на портрете. Шнабель знаменит в первую очередь как художник, который олицетворяет кипучий, амбициозный, предприимчивый и прагматичный дух искусства 1980-х. Неуемная энергия У Джулиана Шнабеля шестеро детей. помогла ему обзавестись сетью поистине Старший сын, арт-дилер Вито, «звездных» связей, которые до сих пор назван в честь дона Корлеоне придают блеск его творческой легенде. из романа Марио Пьюзо «Крестный Но что бы и с кем бы Шнабель ни делал, отец». В семье также есть близон неизменно вкладывает в произведение нецы: Сай, названный в честь всю душу. Название одной из самых ранхудожника Сая Твомбли, и Ольмо, них и знаменитых его работ — «Смерть который обязан своим именем пермоды» — повторяет заголовок некогда сонажу Жерара Депардье в фильме попавшейся ему на глаза газетной статьи Бертолуччи «Двадцатый век». о самоубийстве топ-модели. В этой надрывной композиции из осколков битой посуды сполна проявился артистический пыл, свойственный и творчеству Шнабеля, и самой его натуре. В документальном фильме под названием «Частный портрет» (2017) Шнабель заявляет: «Когда ты молод, тебе хочется что-нибудь сделать. Ты и сам толком не знаешь, что именно, но тебя куда-то толкает, куда-то несет. Надо бесконечно верить в то, что ты делаешь. Тут нет ничего рационального, только слепая вера». В 1980-х Шнабеля примерно с одинаковой силой любили и презирали за уверенность в себе и деловое чутье. В 2003 г. корреспондент газеты Guardian назвал его «надменным денди, который дает интервью, развалившись на диване в роскошных апартаментах посреди Манхэттена, одетый в шелковую пижаму и тапочки с монограммой». Километры газетных столбцов посвящены его образу жизни: дневным прогулкам по Нью-Йорку, вечерним выходам на красную дорожку и роскошным пижамам, которые Шнабель надевает, рисуя картины у себя в огромном палаццо Чупи. Журнал Vogue и другие популярные издания не раз

102

публиковали материалы о художнике и его двенадцатиэтажной резиденции в итальянском стиле, возведенной над бывшими конюшнями в Вест-Виллидж. «На мне пижама смотрится не хуже смокинга», — заметил однажды Шнабель. Никому, кроме него, не удавалось вознести этот наряд на такие высоты. Испанская модель Олац Лопес Гармендия, прожившая в браке с художником семнадцать лет, под влиянием бывшего мужа запустила собственную линейку дизайнерских пижам. И она далеко не единственный модельер, готовый вывести на подиум одежду для сна. В 2013 г. Марк Джейкобс выходил на финальный поклон после показа коллекций домов Marc, Marc Jacobs и Louis Vuitton в роскошной пижаме. В нашем столетии шелковые спальные двойки вошли в обязательную программу любого фэшн-шоу и регулярно появляются на международных подиумах таких домов, как Thakoon, Céline, Dolce & Gabbana, Dries van Noten и Gucci. Именно Шнабель помог пижаме стать повседневной одеждой. В интервью телеканалу CBS художник вспоминал: «Если по улице идет человек в пижаме, все думают, что он сбежал из психиатрической лечебницы. Когда родились мои мальчики, я пришел к ним в больницу в пижаме. Одна женщина сказала мне: “Вы ошиблись этажом”. Я ответил: “Нет-нет, все правильно. У меня тут дети”. Тогда она возразила: “Нельзя разгуливать здесь в пижаме”. Но тут другая пациентка, художница, узнала меня и успокоила соседку: “Это Джулиан Шнабель. Он всегда ходит в пижаме. Все в порядке”». Журнал Vanity Fair согласился с этим: в 2008 г. Шнабель удостоился титула «оригинал» в знаменитом списке самых стильных людей мира.

Мои работы занимают пространство, как будто отстаивают свою позицию. Зрители всегда на это реагируют. Кого-то это вдохновляет, а кого-то оскорбляет. Вот и хорошо. Мне это нравится. — Джулиан Шнабель. Observer, октябрь 2003 г.

В мире моды Шнабель пользуется заслуженной любовью. Он настроен на волну индустрии, которая неизменно будоражит фантазию всего мира. Тунисский кутюрье Аззедин Алайя, чьи «скульптурные»

103

Джулиан Шнабель на премьере своего фильма «Мирал», 67-й Венецианский международный кинофестиваль, сентябрь 2010 г.

платья с таким удовольствием носили и супермодели, и светские львицы, был истинным братом Шнабеля по духу. Неудивительно, что художника и модельера связывали узы тесной дружбы и взаимного преклонения. В 2013 г. Шнабель побеседовал с Алайя для журнала Interview, причем отметил, что дружит с ним уже двадцать пять лет, и назвал Шнабель увлекается серфингом. модельера «художником… скульптором, Вместе с легендарным серфингикоторый творит с помощью ножниц». стом Герби Флетчером художник В свою очередь, Алайя украшал работами открыл клуб Blind Girls («Слепые Шнабеля свое ателье и парижский бутик. девушки»), чье название отсыК творчеству Шнабеля обращалась и Вик- лает к его картине 2001 г. «Больтория Бекхэм: идеи для осенней коллек- шая девушка без глаз». В 2015 г. ции 2014 г. ей подсказала одна из картин бренд RVCA выпустил лимитированную художника — особенно, по ее словам, коллекцию Blind Girls Surf Club, «в плане цветовой гаммы». При создании созданную при участии Шнабеля весенне- летней мужской коллекции и Флетчера. Louis Vuitton 2018 г. дизайнер Ким Джонс вспомнил целую плеяду художников 1970-х и 1980-х. Разумеется, замысел был бы неполон без кивка в сторону Шнабеля; поэтому модельер отправил на подиум восхитительно объемистую лоскутную пижаму. Пожалуй, в спальне она смотрелась бы чересчур официально, зато для улицы лучшего варианта не придумать.

ЛИ МИЛЛЕР Уж лучше снимать картины, чем самой быть картинкой. — Ли Миллер Бекки Конкин. Lee Miller in Fashion (2013)

Т

Напротив: Ли Миллер, ноябрь 1928 г.

106

ворческий путь Ли Миллер изумляет неожиданными поворотами. Она родилась в 1907 г. в городке Покипси, штат Нью-Йорк, и в 1920-х работала фотомоделью; Георгий Гойнинген-Гюне снял ее в платье от Lanvin для обложки французского Vogue. Перебравшись в Париж, Миллер стала музой и помощницей Мана Рэя, а во время Второй мировой войны была фотокорреспондентом и — первой из женщин-репортеров — снимала освобождение Бухенвальда и Дахау. В качестве штатного фотографа Vogue Миллер освещала творческие эксперименты Эльзы Скиапарелли, Эдварда Молино и других художников моды. Фотографировать она научилась в 1929 г. в Париже под руководством своего возлюбленного Мана Рэя. Именно тогда Миллер освоила соляризацию — эффект частичного затемнения, который придавал ее образам нечто сюрреалистическое. Однако подлинным художником-сюрреалистом Миллер делали уникальная графика и композиция ее снимков. В ее творческих находках, будь то абстрактные очертания женского тела в «Склонившейся обнаженной» (1930) или причудливое сочетание юмора и гротеска в «Защитных масках» (1940-е) — фотографии двух женщин на руинах разбомбленного здания в Лондоне, — зрелое мастерство сочеталось со свежим взглядом.

В 2013 г. сын Миллер, Энтони Пенроуз, пояснял в интервью газете Independent: «Что бы она ни снимала — моду или войну, — она всегда оставалась сюрреалистом». Работы Миллер — например, призрачная «Плывущая голова (Мэри Тейлор)» (1933) или «Без названия (Взрыв руки)» (1930) — открывали новые возможности фотографии и передавали уникальное мировоззрение, с которым нельзя было не считаться. Ли Миллер славилась красотой и безупречным вкусом (редактор Vogue Мэдж Гарланд называла ее «ослепительным видением») и не испытывала недостатка в мужском внимании. Однако ей было тесно в рамках стереотипных представлений о женственности, бытовавших в начале ХХ в., и Миллер создала новый образ, в основе которого лежал ее собственный взгляд на себя и мир. В 1928 г. фотография Миллер, сдеСвою тонкую красоту она уравновешивала ланная Эдвардом Стейхеном, была простой одеждой, часто выбирая андроиспользована для рекламы тампонов гинные образы. Тренчи, широкие слаксы, Kotex. Миллер стала первым «лицом» платья-рубашки и куртки-блузоны были гигиенических товаров для женосновой ее гардероба. Ее фигура выщин в мире. Поначалу она пришла игрышно смотрелась в брюках мужского в ужас (и была вынуждена завершить покроя; отправляясь на задания Vogue карьеру модели), однако впоследво время войны, Миллер надевала прекрасно подогнанную форму, сочетая пракствии радовалась, что сумела сдетичность с непринужденным шиком. лать нечто немыслимое прежде. Она с легкостью набрасывала на себя одежду — юбки-карандаши до середины икры, твидовые пальто, кардиганы, жакеты от Chanel, шляпки от Caroline Reboux, — и легкий оттенок искушенности лишь добавлял силы ее небрежному шарму. Волосы, подстриженные чуть короче и чуть ближе к мужским фасонам, чем требовала мода, подчеркивали задорное и утонченное обаяние Миллер. Столпы мира моды по-прежнему высоко ценят ее стиль и переосмысляют его каждый сезон. Прочитав биографию фотохудожницы, Фрида Джаннини с особым пылом взялась за осеннюю коллекцию 2007 г. для дома Gucci; под влиянием работ Миллер она же адаптировала винтажные силуэты 1940-х для Недели высокой моды в Милане. В 2008 г. дизайнер из Бельгии Анна Демельмейстер представила кулоны под названием «Глаз Миллер». Работая с домом Céline, Фиби Фило нередко обыгрывала творческие находки Миллер и те образы, которые фотохудожница примеряла на себя в 1930-е и 1940-е: красно-белый свитер с геометрическим узором из коллекции Céline

108

Разумеется, я фотографировала. А что еще прикажете делать девушке, которой подвернулась война? — Ли Миллер в интервью радиостанции CBS, 1946 г.

Женская коллекция осень-зима — 2014–2015 от Céline. Неделя высокой моды в Париже, март 2014 г.

2012 г. визуально повторяет тот, что Миллер носила восемьюдесятью годами ранее, в 1932 г. После показа осенней коллекции 2014 г. Фило призналась журналисту Тиму Бленксу, что «отправной точкой для нее послужил знаменитый снимок 1945 года, где Миллер сидит в ванне Адольфа Гитлера». На фото военного корреспондента Дэвида Шермана Миллер обнажена, однако рядом с ванной стоят тяжелые, покрытые коркой грязи сапоги — они-то и поразили воображение Фило. По словам дизайнера, Миллер «делала то, что в ее времена было радикальным и вызывающим, — например, носила мужскую одежду, — но для нас теперь в порядке вещей». В фотографиях, которые Миллер делала для журналов мод, заметен отпечаток ее собственного неповторимого стиля. После войны ее интерес к проектам Vogue значительно ослабел, но в 1944 г. она отправилась в Париж и оказалась По словам обозревателя журнала в числе первых иностранных корреспонNew Yorker Джудит Ньюман, модедентов, запечатлевших хронику его осволью Миллер стала почти случайно: бождения. Отчасти ее глаз фиксировал «Если верить некоторым рассказам, и то, как одеваются парижане, как понеосенью 1926 г. Конде Наст увидел, многу оживает индустрия моды. В статье как она переходит улицу, и чудом для Vogue, опубликованной в ноябре успел спасти ее из-под колес мча1944 г., Миллер излагала парижские щегося авто. За этой судьбоносной впечатления, без прикрас описывая встречей последовало собеседоваповседневную жизнь. По ее словам, ние с Эдной Чейз, шеф-редактором одеж да стала «проще и практичнее, Vogue». В марте 1927 г. фотоно сулит великое множество новых идей. графия Миллер впервые появилась Хит сезона — незаменимые для велосина обложке журнала. педистов ветровки, зачастую подбитые мехом». В ответ на этот репортаж редактор Эдна Вулман Чейз послала Миллер телеграмму, требуя «чего-нибудь более элегантного». Однако после войны исполнительный директор Vogue Гарри Йоксалл отметил ее уникальный дар: «Кто еще сумел бы с одинаковой силой написать про американских солдат и Пикассо? Кто смог бы показать и гибель тысяч людей в СенМало, и возрождение моды? Кто отважился бы побывать на линии Зигфрида, а неделю спустя рассказать о новой линейке одежды?»

ДЖЕКСОН ПОЛЛОК Рисовать — это не занятие, это состояние души… Рисовать — значит открывать самого себя. Каждый настоящий художник рисует свою суть. — Джексон Поллок в интервью 1956 г. Селден Родман. Conversations with Artists (1957)

О

Напротив: Джексон Поллок в мастерской на ЛонгАйленде, 1949 г.

112

тстраненная жизненная позиция Джексона Поллока и задумчивая манера в духе Джеймса Дина отражались и в его гардеробе — неизменном сочетании черных или белых футболок с черными или синими джинсами, часто с накинутой поверх заляпанной краской робой и с сигаретой в качестве аксессуара. Его одежда разительно контрастировала с буйством красок на его полотнах, которые удивительно точно передавали сумятицу, царившую в послевоенной Америке, а заодно и в душе самого художника. В 1950 г. журнал Time напечатал статью о Поллоке под названием «Хаос идет в ваш дом». Увидев заголовок, художник язвительно бросил: «Хаос идет к черту, а я рисую». Творческое наследие Поллока — разброд, воплощенный в искусстве, а его яркие, ни с чем не сравнимые картины не только стали классикой мировой живописи, но и оставили неизгладимый след в мире моды. Поллок использовал метод деконструкции еще до того, как деконструктивизм стал массовым течением. А его персональный стиль, близкий битникам и как будто предвосхищавший гранж, оказался весьма актуален с расцветом американской контркультуры.

Джексон Поллок родился в 1912 г. в штате Вайоминг. Его юность прошла в Аризоне и Калифорнии, поэтому, будучи студентом Высшей школы прикладных искусств в Нью-Йорке, куда он поступил в 1930 г., Поллок любил щеголять в ковбойских шляпах и шейных платках. Этот образ был скорее фантазийным: Поллок боялся лошадей и за всю жизнь не заарканил ни одной коровы. Однако мужественный потертый деним был его любимой тканью, и художник охотно носил комбинезоны Levi’s и джинсы фирмы Lee с их же обтягивающими куртками. Рабочая «униформа» Поллока вдохновляет многие лейблы XXI в., включая M. i. h. и Baldwin, которые создали линейки джинсов, названные в честь художника. В сфере высокой моды можно вспомнить осенне-зимнюю коллекцию Рафа Симонса 2014 г., включавшую деним с потеками всех цветов радуги; соавтором дизайнера стал художник Стерлинг Руби. Однако работы Поллока завораживали мир моды еще при жизни художника. Сесил Битон использовал две его картины, в том числе «Лавандовый туман» (1950), в качестве фона для фотосессии Vogue 1951 г., представлявшей светло-голубые Поллок часто скупал обрезки прои кораллово-розовые платья из шелка мышленной холстины, которая и страусиных перьев от лейблов Sophie используется для упаковки груи Irene; их нежную элегантность подчерзов или обшивки мебели, и рисовал кивали веера, чулки и босоножки с тонна ней — иногда при помощи кулинар- кими ремешками. Лебединая грация ного шприца. моделей в невесомых нарядах контрастировала с лихорадочной яркостью холВ детстве одежду Поллоку часто шила стов Поллока, словно наглядно противомать, Шейла: она придумывала ему поставляя прошлое и будущее искусства и четверым его братьям необычные и моды. Битон уже улавливал грядущие костюмы «с эполетами и затейлиперемены, хотя мир моды пока был глух выми пуговицами». Мальчики одевак его пророчествам и творческим откролись лучше всех учеников их школы вениям Поллока, олицетворявшего амев городке Тингли. риканский абстрактный импрессионизм, а в каком-то смысле и новый уклад современной Америки. Хотя модели Битона были одеты по последнему слову весенней городской моды, их образы еще не затронул низовой, бунтарский, уличный шик, которому предстояло вскоре потрясти устои мейнстрима. Битон еще не раз обращался к творчеству Поллока: в 1968 г. в статье для приложения Vogue Decorating он призывал читателей «брать пример с Джексона» и приобщаться к живописи действия:

114

Я полагаю, что новые запросы требуют новых форм и технологий. Современные художники открыли много новых способов и приемов самовыражения. Мне кажется, что наш век радио, самолетов и атомных бомб нельзя уместить в классические формы, доставшиеся нам от Ренессанса или других прошедших эпох. Каждая эпоха находит свою технику. — Джексон Поллок в интервью Уильяму Райту, 1950 г.

Модель Шалом Харлоу в белом платье с вышивкой ришелье и широким поясом стоит под струями автоматически разбрызгиваемой краски на показе весенней коллекции Александра Маккуина прет-а-порте — 1999 (Неделя высокой моды в Лондоне, сентябрь 1998 г.). Результат напоминает холст Джексона Поллока

щедро брызгать краской на ковры или использовать пульверизаторы, чтобы раскрасить постельное белье. Уникальное художественное ви́дение и мироощущение Поллока открыли искусству новые неизведанные горизонты; его творчество остается неисчерпаемым источником вдохновения для современных кутюрье. В 1950 г., на его четвертой персональной выставке в галерее Бетти Парсонс, «собрался весь цвет мира моды… в надежде своими глазами увидеть скандально известного художника». В биографии Поллока Эвелин Тойнтон пишет, что художник «напоминал экзотического зверя в зоопарке». Поллок погиб в 1956 г., однако его творческим находкам суждено будоражить подиумы — и умы модельеров — спустя десятилетия после автомобильной аварии, которая оборвала его жизнь. Дизайнеров-радикалов притягивает его абстрактный стиль; он отлично подходит для работы с чистым силуэтом и до сих пор не утратил оригинальности. Дом Margiela создал знаменитые всесезонные кеды «Поллок» с разноцветными брызгами, а в весенней коллекции 2013 г. Том Браун показал серые туфли на высоком каблуке с потеками белой краски. Канадскобританский дизайнер турецкого проис- Во время Второй мировой войны, хождения Эрдем Моралиоглу объясняет, признанный психологически непричто щедрое многоцветье ткани, которую годным для службы в американон использовал в осенней коллекции ской армии, Поллок зарабатывал 2011 г., навеяно просмотром художе- на жизнь, вручную расписывая галсственного фильма о Поллоке: «Меня при- туки и ткани. Позже он устроился вела в восторг эта идея — разрезать холст уборщиком в Музей непредметной и надеть его на себя». В нежных, ошелом- живописи, ныне известный под имеляющих красотой платьях угадывается нем его основателя Соломона Гугключевая антитеза Моралиоглу — «тота- генхайма — дяди галеристки Пегги литарная атмосфера 1950-х и бунт безум- Гуггенхайм. ного художника». Ранее, в 2006 г., участница Антверпенской шестерки Анн Демельмейстер показала несколько облагороженных вариаций на тему рабочей робы Поллока: струящиеся белые юбки-брюки и асимметрично завязанные шелковые блузы в мелких брызгах голубой краски, напоминающие шедевр живописи действия. Кутюрье классической школы тоже обращаются к наследию художника: в 1984 г. Марк Боан создал для дома Dior собственную версию «поллоковского платья», с которого вместо краски струились нити черных бус.

117

ВИЗИТНАЯ КАРТОЧКА: КОСТЮМ Эти художники — любители костюмов убедительно доказывают: строгий покрой отнюдь не мешает свободе творчества. Для них костюм — рабочая форма. В их манере одеваться сквозит уверенность в себе, спокойная сила и чуткое, пристальное внимание к деталям, столь характерное и для их работ — от культовых цветовых абстракций Пита Мондриана до китчевых шедевров Джеффа Кунса (например, скандально известной фарфоровой скульптуры, изображающей Майкла Джексона с его шимпанзе Бабблзом, или хромированных «надувных собак» из нержавеющей стали). «Человек эпохи Возрождения» Сесил Битон прославился фотопортретами звезд первой величины; не менее блистательным был и его гардероб.

СЕСИЛ БИТОН

П

Сесил Битон. Фото Нормана Паркинсона, 1972 г.

ервый визит Сесила Битона к королевским портным Anderson & Sheppard — ателье, знаменитое своими костюмами свободного «американского» кроя, — состоялся 17 октября 1934 г. В 1965 г. искусный и безупречно элегантный фотохудожник, разменявший уже седьмой десяток, по-прежнему шел в авангарде моды и сетовал, что «Сэвил Роу не мешало бы перестроиться и, как ни банально это звучит, приспособиться к новым временам». В начале 1960-х Битон демонстративно отказался от услуг английских портных, однако вскоре обнаружил, что костюмы, пошитые для него в Париже, не дотягивают до высоких стандартов качества, принятых «на Роу». К покупкам Битон относился вдумчиво и ответственно; запись в его дневнике гласит: «На одежду я трачу относительно немного — иногда позволяю себе хороший костюм на заказ, однако большинство моих вещей пошиты в Гонконге и Гиллингеме (графство Дорсет) или же куплены в странах, где мне довелось побывать». В 1971 г. Музей Альберта и Виктории организовал выставку под названием «Мода: антология Сесила Битона», для которой художник создал подборку уникальных туалетов — в их числе был костюм от Пьера Бальмена, который носила Гертруда Стайн, и платье от Андре Курреже, принадлежавшее княгине Ли Радзивилл.

МАКС ЭРНСТ

В

1920 г. Макс Эрнст создал работу «Боксерская груша, или Бессмертие Буонаротти» — автопортрет, соединенный с телом женщины в платье с открытыми плечами; на теле сидит голова из анатомического пособия. Эрнст, в строгом пиджаке и белоснежной рубашке с полосатым галстуком-бабочкой, смотрится как самый обходительный сюрреалист и самый галантный дадаист, какого можно себе представить. Внешне он был ослепительно хорош; внутренне — надломлен кошмаром Первой мировой войны. Всю жизнь Эрнст рисовал, вырезал и склеивал, казалось бы, несовместимое, разоблачая иллюзии своего времени. В 1934 г. он выпустил роман-коллаж под названием «Неделя доброты»; среди его жутковатых образов была стайка птиц в сюртуках, вырезанных из модных журналов Викторианской эпохи, аллегорическое предостережение о скором приходе нацистов. Картина «Встреча друзей» (1922) включает автопортрет: Эрнст, как всегда, одет в щегольской костюм.

Макс Эрнст в Музее современного искусства. Нью-Йорк, 1961 г.

ДЖЕФФ КУНС

Н

еизменно строгие костюмы Кунса резко контрастируют с его яркими, броскими произведениями. В образе художника всегда продумана каждая деталь — например, белая рубашка в елочку или тщательно подобранная цветовая гамма. Для встреч с публикой художник выбирает элегантный, лаконичный минимализм: костюм-двойку из льна в оттенке светлого денима, галстук в тон и темно-синюю рубашку. А вот его работы — от позолоченных статуй Майкла Джексона до скульптуры «Розовая Пантера» и двенадцатиметровой фигуры щенка из цветов возле Музея Гуггенхайма в Бильбао — переливаются всеми мыслимыми и немыслимыми оттенками. Кунс уже работал на стыке моды и искусства, воспроизводя на сумках Louis Vuitton шедевры величайших художников мира, включая Рубенса и Ван Гога. Сумками он увлечен всерьез: в 2014 г. Кунс подготовил ограниченную линию для международной розничной сети H&M. Сумки были украшены его знаменитой «Собакой из шариков».

Джефф Кунс перед «Собакой из шариков» (лиловой). Палаццо Грасси, Венеция, апрель 2006 г.

ПИТ МОНДРИАН

Р

аботы голландского художника Пита Мондриана 1920–1930-х, с тщательно прочерченными квадратами и прямоугольниками трех основных цветов, оставили неизгладимый след в мире моды. Эти цветовые матрицы можно увидеть на самых разных предметах гардероба — от юбок, купальников и носков до знаменитых коктейльных платьев 1965 г. от Ива Сен-Лорана. Четко выделенные и смело раскрашенные ячейки прекрасно смотрятся на ткани. На собственной худощавой фигуре Мондриан, однако, предпочитал видеть строгие костюмы с однобортным пиджаком и галстуком. Простота классического покроя напоминает о непритязательной опрятности знаменитых «Композиций» Мондриана; именно чистотой линий его полотна и привлекают самых утонченных дизайнеров. Столь же минималистичны были и круглые очки, которые он носил. Пожалуй, иногда его гардероб бывал даже чересчур аскетичным. В альманахе Studio International за 1966 г. опубликованы воспоминания художника Наума Габо. Среди них есть и такой эпизод: в 1938 г., вскоре после того, как Мондриан перебрался в Лондон, Габо как-то зашел к нему рано утром. Мондриан ходил по дому, одетый в старый пиджак. «Оказалось, что у него нет теплой пижамы». Узнав, что Мондриан приехал в Англию почти без вещей, жена Габо, Мириам, отвела художника в магазин, где он купил себе «самую настоящую робу с завязками на шее, чтобы в ней рисовать».

Напротив: Пит Мондриан. Нью-Йорк, январь 1942 г. Вверху: модели в платьях из коллекции «Мондриан» Ива Сен-Лорана 1965 г. Последнее шоу модельера в Центре Помпиду, Париж, 2002 г.

ХАННА ХЁХ Я хотела бы показать людям богатый художественный мир, чтобы они стали лучше относиться к тому миру, где мы живем. — Ханна Хёх. New York Times, 1997 г.

Х

Напротив: Ханна Хёх. Автопортрет (1930)

122

анна Хёх предпочитала стрижку каре в духе Луизы Брукс, а в ее гардеробе царил андрогинный шик 1920-х: полосатые платья-матроски, суконные юбки, костюмы в стиле унисекс с галстуками-бантами, простые блузы с воротником «Питер Пэн» — и крепкие, основательные туфли на шнуровке. В этих нарядах художница выглядела сильной и творческой личностью. До самой своей смерти в 1978 г. Хёх оставалась верна опрятному мальчишескому стилю, который выражал современный, раскованный подход к жизни, отличаясь при этом удивительной элегантностью. Даже в восемьдесят четыре года она носила белоснежное каре с челкой. Хёх — стойкий экспериментатор, чей творческий путь изобилует неожиданными поворотами. Это, пожалуй, сближает ее с модным домом Prada. Художница родилась в 1889 г. в немецком городке Гота; с 1916 по 1926 г. она работала в издательстве Ullstein Verlag, где занималась дизайном текстиля для журналов мод, включая Die Dame. Во времена Веймарской республики она великолепно ориентировалась в мире женской периодики. Наибольшей известностью пользуются ее фотоколлажи, однако в 1918 г. Хёх написала «Манифест современной

Вышивка очень близка к живописи. Она меняется с каждым новым стилем, который приносит смена эпох. Это вид искусства, и относиться к нему надо соответственно… Вы, труженицы искусства, вы, современные женщины, которые вкладывают в работу всю душу и готовы отстаивать свои права (экономические и моральные), твердо стоят обеими ногами на земле, — знайте по крайней мере, что ВАША вышивка есть документ эпохи. — Ханна Хёх. Embroidery and Lace, 1918 г.

вышивки», в котором заявила об уникальной ценности этого ремесла в мире искусства, тогда принадлежавшем почти исключительно мужчинам. Позже, под влиянием одного из «отцов» дадаизма Хуго Балля, Хёх занялась изготовлением дадаистских кукол, одетых в кубистические наряды вроде тех, что Балль надевал, отправляясь в Cabaret Voltaire — цюрихский ночной клуб, где обычно собирались его единомышленники. Хёх высоко ценила манифест дадаизма, призванный «напомнить миру, что существуют свободомыслящие люди — не затронутые войной и национализмом, — которые живут совсем другими идеалами». Хёх и сама жила другими идеалами. Она была одной из немногих женщин, связанных с дадаизмом, однако ее творческое наследие незаслуженно затмили работы художников-мужчин — таких как Георг Гросс и Джон Хартфилд. Вопреки собственным радикальным заявлениям, кол- Хёх нарочно подписывала свои леги по цеху глядели на нее свысока работы инициалами Х. Х., и даже не хотели допустить ее работы что по-немецки читается как «хана Первую международную выставку ха»; это была ироничная отсылка дадаистов в Берлине (1920 г.) — просто к ее дадаистскому опыту. потому, что она была женщиной. Еще один влиятельный член группы, Во времена Третьего рейха творХанс Рихтер, заявлял, что главным твор- чество Хёх считалось «дегенераческим вкладом Хёх в движение дадаизма тивным», и художнице приходилось была «удивительная способность добы- вести затворническую жизнь в Гейвать кофе и пиво», несмотря на нехватку лигензее — одном из предместий средств. Тем не менее ее фотоколлаж Берлина. У себя в саду она зако«Разрез последней веймарской культур- пала работы друзей-дадаистов, ной эпохи пивных животов Германии, чтобы сохранить их для потомков. сделанный кухонным ножом Дада» попал на выставку и стал одним из самых примечательных экспонатов. На холсте были искусно собраны страницы из журналов и рекламные объявления, разбитые на группы с подписями «Дада» и «Анти-Дада». Название коллажа — один из примеров того, как Хёх осмысляла гендерные проблемы послевоенного общества (а к этой теме она возвращалась снова и снова). Конформизм был чужд ее натуре. Ее смелый, четкий стиль в одежде свидетельствовал о цельном, cамостоятельном характере. По собственному признанию, художница «непререкаемо верила в себя».

125

Личную жизнь Хёх предпочитала не выставлять напоказ. Некоторое время она прожила в браке с предпринимателем Куртом Мэттисом, который был намного моложе ее; имелся на ее счету и многолетний роман с женщиной — голландской писательницей Матильдой Брюгман. И если свои любовные связи художница не афишировала, то в творчестве активно исследовала и ставила под вопрос принятые представления о мужском и женском началах. В ее коллажах «Да денди» и «Сильные мужчины», собранных из иллюстраций к дамским журналам, показана пародийная альтернативная версия мужественности. Работа «Учительница гимнастики» представляет разные грани женской идентичности: стройная, модно одетая девушка со стильным каре противопоставлена крупной фройляйн в кухонном переднике. Хёх часто использовала привычные, хорошо знакомые образы, поясняя, что «эстетическая сила вещи — например, мужского воротника — многократно увеличивается, если взять фотографию этой вещи, вырезать ее, а затем выложить на стол десяток таких вырезок и составить кадр из них». Один из самых знаменитых коллажей Хёх — «Показ мод» (1925– 1935) — во многом предвосхищает нынешние представления о женщине и моде. Британка канадского происхождения Эделин Ли признается, что творчество Ханны Хёх вдохновляло ее при работе над коллекцией 2017 г. В 1920 г. Хёх написала рассказ «Живописец» о современной, переЛи объясняет, чем так привлекательна довой супружеской паре, котодля современных дизайнеров эпоха, когда рая распадается, когда жена жила и творила Хёх: «Это было после просит мужа четыре раза в год Первой мировой войны — тревожное мыть посуду. В таком поручении время, в чем-то похожее на наше. он видит «попытку поработить его Мы неплохо представляем себе, дух». Сюжет навеян воспоминаниями как должна была выглядеть “настоящая о жизни Хёх с одним из ее первых леди” в прошлом; но как должна одеваться возлюбленных — художником Раулем успешная, независимая женщина в наши Хаусманом. дни, чтобы сохранить достоинство и элегантность, не жертвуя комфортом?» Подобные вопросы были очень близки и Ханне Хёх. Взрывной рост Напротив: Ханна Хёх новых медийных технологий и головокружительные перспективы в берлинской модернизма сформировали эстетику ее творчества, а заодно и ее гардемастерской, роб. Примерно то же происходит с молодыми дизайнерами в наши дни. 1967 г.

МАРСЕЛЬ ДЮШАН Не я один придумал панк, у меня были предшественники. Дюшан выбрал писсуар. Я выбрал Джонни Роттена. — Малкольм Макларен. Times (London), 2009 г.

Б

Напротив: Марсель Дюшан. Нью-Йорк, февраль 1927 г.

128

ыть может, именно Марсель Дюшан больше всех прочих художников повлиял на современную моду. Всю жизнь он исследовал окружающий мир и искал новые способы самовыражения. После триумфа модернистской работы «Обнаженная, спускающаяся по лестнице № 2» (1912), сделавшей его знаменитым, Дюшан начал экспериментировать с новой техникой, которую он назвал «реди-мейд». Этот метод позволял взять любой заурядный предмет и — волей художника — превратить его в произведение искусства; источник вдохновения можно было найти даже в самом неожиданном месте. После знаменитого писсуара («Фонтан», 1917 г.) в дело пошло все: сушилки для бутылок, птичьи клетки с обломками мрамора внутри, миниатюрное французское окно и, конечно, велосипедное колесо. Дюшан осмыслял мир с помощью иронии, как и полагалось истинному дадаисту. Трудно не увидеть дюшановские мотивы в коллекциях грузинского дизайнера Демны Гвасалия. В 2017 г. он объявил, что его бренд Vetements отныне будет представлять новые модели лишь «в качестве сюрприза», когда ему самому этого захочется, и выпал из графика сезонных показов. Играя на обаянии неожиданного, он создавал

огромные худи-оверсайз, которые, кажется, невозможно носить, а также ярко-желтые футболки с логотипом компании DHL по цене двести долларов — и они немедленно становились международными хитами. Сходной тактики придерживается и дизайнер бренда Moschino Джереми Скотт, создавая одежду с символикой McDonald’s и остромодные сумки из серии Happy Meal. Неожиданность — беспроигрышный козырь в мире моды, и Дюшан проторил путь многим поколениям художников. Его творчество основано на юморе и рефлексии: усы, подрисованные Джоконде (L. H. H. O. Q., 1919 г.), и переосмысление классиков фэшн-индустрии, которым занимается Гвасалия при доме Balenciaga, — эксперименты одного порядка. Марк Джейкобс назвал «Мону Лизу» Дюшана своим любимым произведением искусства. В 2014 г., выбирая задник для подиума, Карл Лагерфельд воспользовался рецептом Дюшана и украсил дверь уборной портретом Коко Шанель, назвав получившееся произведение «Дверь II». Сам Дюшан одевался как истинный денди. В 1917 г. он носил шубу из меха енота — обязательный предмет в гардеробе щеголей того времени, хотя в повседневной жизни предпочитал белоснежную рубашку с галстуком. Постоянными темами его творчества были идентичность и антитеза; в 1921 г. художник даже придумал себе «женскую ипостась» по имени Роза Селяви (что по-французски звучит как Eros, c’est la vie — «эрос есть жизнь»). Ман Рэй, друг и верный помощник Дюшана по части художественных шуток, сфотографировал «Розу» для реди-мейд-коллажа с флаконом от духов Un Air Embaumé, выпущенных в 1915 г. французским парфюмерным брендом Rigaud. В исполнении Дюшана аромат назывался Belle Haleine, Eau de Voilette («Прекрасное дыхание. Вуалетная вода»). На этикетке красовался портрет Дюшана в женском платье и шляпке, с густо подведенными глазами. (В 1990 г. флакон вошел в коллекцию произведений искусства, собранную Ивом Сен-Лораном и Пьером Берже, и был продан на аукционе Christie’s.) Роза Селяви еще не раз являлась миру — например, в виде манекена в мужском пиджаке, галстуке и шляпе на парижской выставке сюрреалистов 1938 г. Произведение называлось «Роза Селяви в провокационном андрогинном настроении»; обнаженный пах манекена украшали инициалы Р. С. Вещь-обманка, которая на деле не то, чем кажется, — постоянный мотив в мире моды, как и в творчестве Дюшана. Дадаизм побуждал общество выйти из зоны комфорта, и современные дизайнеры, отвергающие

130

Я не люблю слово «искусство» — оно страшно заезжено. Сегодня перед искусством преклоняются, и совершенно зря. Я знаю его изнутри и очень хотел бы от него отделаться. У меня нет желания и возможности объяснять все, что я делаю. — Марсель Дюшан в интервью телеканалу BBC, 1968 г.

принятые нормы красоты, часто воспринимаются как продолжатели этого направления. Такие экспериментаторы, как Margiela, Bless и Comme des Garçons, исследуют творческий потенциал модного лейбла, понемногу расширяя привычные нам горизонты потребления. Неудобные белые кеды, которые трескаются на каждом шагу, стали классикой Maison Margiela. В 1997 г. дизайнерский дуэт Bless представил парики, выкроенные из старых шуб и совершенно не похожие на настоящие волосы. Анн Демельмейстер недвусмысленно объявила себя духовной наследницей Дюшана, когда сопроводила показ осенне-зимней коллекции 2008 г. аудиозаписью интервью, в котором художник «говорит о великой жизненной силе нонконформизма», как писал Тим Бленкс на портале Vogue.com. Сам Дюшан в 1957 г. сказал: «Творческий акт совершается не только художником. Благодаря зрителю произведение вступает в диалог с внешним миром: аудитория расшифровывает и интерпретирует его внутренние качества, тем самым внося свой вклад в творение». Мода обретает многомерность в самом акте ношения дизайнерской вещи; если она инновационна, от соседства с ней отчасти сдвигаются границы наших ожиданий и представлений. Дюшану хотелось, чтобы его произведения радовали не только глаз, но и интеллект. Художник пояснял: «Мне всегда были интересны идеи — а не просто визуальные эффекты. Я хотел снова поставить живопись на службу разуму». Творческий союз моды и искусства — в первую очередь возможность генерировать новые идеи, опробовать новые форматы. В 2012 г. дизайнер Хуссейн Чалаян и художник Гэвин Тюрк выпустили музыкальный трек под названием 4-minute mile («Миля за 4 минуты»), во многом навеянный кинетической скульптурой Дюшана «Вращающаяся полусфера» (1925). Трек содержит запись беседы Чалаяна и Тюрка об искусстве — совсем не то, чего ждешь от музыкальной композиции. Дюшан был бы доволен. В 2017 г. Вирджил Абло почтил столетний юбилей «Фонтана», включив в линейку Off-White худи с подписью R. Mutt — той самой, что украшала оригинальный реди-мейд Дюшана. Филипп Колберт, дизайнер Rodnik Band, пошел еще дальше и сделал для коллекции 2011 г. самое настоящее платье-писсуар — объемное и расшитое пайетками. Колберт объяснял: «Модель вышла в этом платье на красную дорожку, и у публики был шок. В зале думали: о боже, вот это действительно туалет — во всех смыслах слова!»

Напротив: Марсель Дюшан. Фотография Луши Нельсон для журнала Vanity Fair, 1934 г.

НИКИ ДЕ СЕН-ФАЛЛЬ Большинство людей не замечают остроты моих работ. Они думают, что это всё фантазии, грезы. — Ники де Сен-Фалль. Los Angeles Times, 1998 г.

Н

Напротив: Ники де Сен-Фалль с фигурами из серии «Нана». Фото Берта Стерна для журнала Vogue, апрель 1968 г.

134

ики де Сен-Фалль родилась во французском городке Нейи, но выросла в Нью-Йорке. В 1949 г. ее фото украсило обложку журнала Life, на страницах которого ее назвали «светловолосой юной леди, в чьем образе американская неприхотливость сочетается с французским шиком». В статье отмечалось, что де Сен-Фалль весьма бережно относится к одежде, «а чтобы сэкономить деньги и место в гардеробе, выбирает вещи двойного назначения» вроде наряда с обложки: белой юбки из шелковой тафты, «к которой можно купить топ за 19,95 долл. и получить законченный вечерний туалет». Девятнадцатилетняя дебютантка-фотомодель со временем превратится в неустрашимую художницу-феминистку, которую газета New York Times в 2002 г. посмертно провозгласит «героиней, сражавшейся за права женщин, когда феминизма как такового еще не существовало». Ники де Сен-Фалль отличалась безупречным вкусом. Ее стиль, предположительно, вдохновил Ива Сен-Лорана на создание женского смокинга, который в 1966 г. произвел настоящий фурор в Париже. Некоторые полагали, что женщине неприлично выходить к ужину в брюках, но Сен-Лорану очень нравилось, как де Сен-Фалль носила мужские костюмы с высокими каблуками. Вероятно, кутюрье восхищался и ее воинственным отношением

к миру; в результате на свет появилось одно из самых любимых и узнаваемых творений мэтра. В номере журнала Vogue за февраль 1950 г. фотография де СенФалль в бежевом крепдешиновом платье сопровождала объявление о ее свадьбе с писателем Гарри Мэтьюзом. Некоторое время пара вела кочевой образ жизни, колеся по Европе; в середине 1950-х супруги осели в Париже, заняв одну из знаменитых обшарпанных мастерских в тупике Ронсен на Монпарнасе. Однако в 1956 г. де Сен-Фалль познакомилась с кинетическим скульптором Жаном Тэнгли и начала работать с ним в тандеме. Вскоре она ушла к нему от мужа и продолжила творческие поиски. В феврале 1961 г. она принялась за серию картин-перформансов под названием «Тир», В 1962 г. на один из «расстрель- сначала используя для них рубашки одного ных» перформансов де Сен-Фалль из бывших возлюбленных, а затем — пластв Малибу пришла актриса Джейн массовые мишени-«ассамбляжи», заполненФонда; получившуюся картину ные изнутри краской и украшенные кухонкупил Роберт Раушенберг. ной утварью, бритвами, оторванными кукольными руками и прочими предметами. Художница расстреливала их из винтовки двадцать второго калибра, отчего они взрывались разноцветными фонтанами. Эти перформансы прославили Ники де Сен-Фалль в мире искусства. Для стрельбы по мишеням она надевала белый комбинезон и черные сапоги; нередко к ней присоединялись другие художники, в том числе Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг. Де Сен-Фалль производила впечатление жесткой, волевой и даже грозной личности; мало кто мог сравниться с ней по самобытности и силе характера. В статье 2016 г. обозреватель журнала New Yorker приводит ее слова: «Искусства перформанса тогда еще не было, но я устраивала именно перформансы. Представьте себе: я, интересная женщина (если б я была некрасива, люди бы обязательно сказали: мол, у нее комплексы, не хватает внимания), кричала на мужчин во время интервью и палила из ружья». В 1969 г. по заказу парижского выставочного центра «Большой дворец» было снято интервью, в котором Ники де Сен-Фалль сказала: «Женщины правили бы этим миром гораздо лучше, чем мужчины. Женщины и темнокожие: вот бы нам объединиться и взять власть. Получился бы новый мир. Мир радости». Этот бунтарский дух очаровал Марию Грацию Кьюри — первую женщину, занявшую пост креативного директора при легендарном доме Dior. После весеннего шоу Dior 2018 г.

136

Я никогда не знаю, что дальше, и все меняю на ходу. Ничего нельзя предсказать. Не существует никакого изначального плана. — Ники де Сен-Фалль. Vogue, 1987 г.

Осенняя коллекция прет-а-порте дизайнера Жюли де Либран для бренда Sonia Rykiel была навеяна скульптурной серией де Сен-Фалль «Нана». Неделя высокой моды в Париже, март 2017 г.

Кьюри назвала де Сен-Фалль «удивительно сильной, революционно настроенной женщиной, чей пример не может не вдохновлять». В коллекции Кьюри индивидуальный стиль художницы перемешался с ее творческими находками. Знаменитые береты с вуалью обыграл шляпных дел мастер Стивен Джонс. Модели выходили на подиум в платьях и юбках, украшенных «фирменными» символами де Сен-Фалль: переплетенными змеями, фигурами из колоды Таро, яркими завитками. Принтом для футболок послужила обложка книги «Следы» — автобиографии де Сен-Фалль. В этой коллекции как будто воплотился ее дух; впрочем, дом Dior очарован ею уже давно. В 1971 г. журнал Vogue опубликовал фото из резиденции Марка Боана близ Фонтенбло. Боан стал главным дизайнером Dior в 1960 г. В его доме обнаружилось множество работ де СенФалль: литографии, акварели, карандашные рисунки, даже огромная черно-зеленая фигура из серии «Нана». Сам Боан пояснил: «Ники — моя добрая соседка, великий художник и прекрасный друг». Творчество де Сен-Фалль привлекает и других модельеров. Выпускник лондонского колледжа Сен-Мартинс Давид Кома, чьи изделия охотно носит Леди Гага, в 2009 г. представил коллекцию, вдохновленную изгибами огромных скульптур из серии «Нана», которую художница начала в 1964 г. Самая знаменитая из них — временная инсталляция в стокгольмском Музее современного искусства под названием Hon-en-Katedrall («Она-собор» в переводе со шведского) — была создана при участии Жана Тэнгли. Раздвинутые ноги массивной фигуры служили входом на выставку, для которой она и была изготовлена. Эстетика серии «Нана» впоследствии определила и стиль Сада Таро в Тоскане — парка скульптур, который де Сен-Фалль считала делом своей жизни. Чтобы финансировать творческие проекты, художница брала коммерческие заказы — например, в 1980-х создала авторский флакон для духов, синий куб с крышкой в виде двух переплетенных змей. В 1970-х универмаг Bloomingdale’s продавал игрушки для бассейна — миниатюрные надувные копии скульптур «Нана». Де Сен-Фалль готова была поддерживать творческий процесс непрестанно, любыми доступными способами, объясняя при этом: «Я не могу изменить общество; могу лишь предложить ему образы счастливых, жизнерадостных и сильных женщин. Этим я и занимаюсь».

УИЛЬЯМ МЕРРИТ ЧЕЙЗ Полагаю, Чейз собственным примером поощрял индивидуальность и прививал своим ученикам чувство стиля и любовь к свободе. — Джорджия О’Кифф Нэнси Хопкинс Рейли. A Private Friendship. Part I. Walking to the Sun Prairie Land (2014)

У

Напротив: Уильям Меррит Чейз, 1900 г.

140

ильям Меррит Чейз родился в 1849 г. в штате Индиана — в «бедном, но гордом семействе» — и в зрелые годы стал истинным образцом денди в безупречном костюме и начищенных ботинках. В молодости он торговал дамской обувью в отцовской лавке модных товаров и проявил незаурядную деловую смекалку: по собственному признанию, он всегда продавал туфельки на размер меньше, чтобы покупательница поскорее приходила за новой парой. Чейз быстро стал известным и востребованным портретистом в избранных кругах Гринвич-Виллидж. В 1879 г. он переехал в огромные, роскошные апартаменты на Десятой улице в Нью-Йорке, где селились самые успешные американские художники того времени. Новую студию он заполнил яркими диковинками, в числе которых были чучела лебедя и фламинго, африканские и японские маски, гобелены и венецианские шпалеры. Все это великолепие было навеяно воспоминаниями о поездке в Мюнхен, где Чейз учился в Королевской академии изящных искусств, а заодно перенимал привычки европейских художников, чьи мастерские творчески выражали их сущность.

Обстановка его студии стала зримым продолжением его творческого кредо; это было богатое и шикарное рабочее пространство. В доме на Десятой улице Чейз принимал гостей, устраивал вечеринки и представлял «живые картины», для которых надевал затейливые наряды, например «бархатные брюки и воротники-жабо». Работать он предпочитал в белом фланелевом костюме; по улицам прогуливался в щегольском цилиндре и штиблетах, повесив на шею пенсне на черной шелковой ленте. В 1903 г. Джон Сингер Сарджент изобразил его во фраке с белым галстуком, с палитрой и кистью в руках и лихо закрученными, холеными усами. На «Автопортрете в мастерской на Четвертой авеню» (1915), написанном незадолго до смерти, 67-летний художник запечатлел себя во всем блеске: в коричневой домашней куртке с бархатным воротом, накинутой поверх строгого черного костюма, с усами, бородкой и моноклем. Чейз до мельчайших деталей продумывал свой образ и рисовал себя таким, каким хотел бы остаться в памяти потомков. Художник, знаменитый портретами блистательных американок, одетых согласно последним тенденциям моды, прекрасно разбирался

Слева направо: друзья-художники Мортимер Ладдингтон Менпес, Уильям Меррит Чейз и Джеймс Макнил Уистлер. Фото из книги Мортимера Менпеса Whistler As I Knew Him (1904)

142

Мне отнюдь не безразлично, что скрыто за маской… однако могу вас уверить: если внешность передана должным образом, внутренний мир сам собой проступит на холсте. — Уильям Меррит Чейз. Дэвид Миллер. American Iconology: New Approaches to Nineteenth-Century Art and Literature (1995)

Уильям Меррит Чейз. Автопортрет в студии на Четвертой авеню (1915)

и в дамской одежде. Вопреки канонам эпохи, многие его модели изображены в свободных, уверенных позах; ирония в том, что роскошные, вычурные наряды сковывали их по рукам и ногам. Подобные одеяния были обязательны для дам из «приличного общества», как отмечает, например, писательница Эдит Уортон. Однако Чейза привлекали сильные женщины, которые понемногу начинали менять сложившийся миропорядок. На «Портрете леди в розовом» (1888) изображена Мариетта Лесли Коттон — ученица Чейза, которая добилась мировой славы. Она была одной из первых американок, отважившихся стать хозяйками собственной жизни. На портрете Чейза она одета в вечернее платье из атласа и тюля, украшенное бантами и лентами; тело ее затянуто в корсет, но поза и выражение лица вольные и раскрепощенные. Картина отдает должное и удивительному мастерству, с которым пошит модный наряд девушки. По работам Чейза можно составить представление о самых изысканных туалетах конца XIX — начала ХХ в. На портрете 1879 г. Харриет Хаббард Айер запечатлена в черном платье от Фредерика Уорта; кружевные рукава и манжеты с раструбом вызывают в памяти коллекции Métiers d’Art В 1896 г. Чейз основал в Нью-Йорке («Шедевры»), подготовленные Карлом Школу изящных искусств; сегодня Лагерфельдом для дома Chanel и сочетав- мы знаем это заведение как Школу шие роскошь эксклюзивных тканей с кра- дизайна Парсонса. Среди ее выпусксотой ручной вышивки. Айер, богатая дама ников — Том Форд, Марк Джейкобс из высшего общества, в 1886 г. открыла и Донна Каран. собственное дело — первую американскую компанию по производству косметики, Одна из самых известных учениц а затем весьма успешно применила свои Чейза, Джорджия О’Кифф, вспомиталанты в журналистике. Картина «Готова нала: «В нем была некая свежесть, к прогулке» (1877) написана в манере ста- энергия, пылкость и требовательрых мастеров, однако в ней есть и совре- ность, что делало его необыкноменные мотивы. Изображенная на ней венно обаятельным». Чейз также молодая наездница готовится сесть в седло учил Эдварда Хоппера, который даже и натягивает желтые перчатки из мягкой указывал имя наставника на своих кожи. Ее элегантный, но незатейливый визитных карточках. костюм отлично подходит для скачки в дамском седле. И хотя на холсте отчетливо видна изощренная формальность женского наряда того времени, наездница прямо и смело смотрит на зрителя, словно давая понять: грядут перемены.

145

ВИЗИТНАЯ КАРТОЧКА: ШЛЯПА Знаменитые шляпы этих художников живо вызывают в памяти их эстетические принципы. В работах Йозефа Бойса объединяются самые разные жанры и формы — от инсталляции до скульптуры из повседневных предметов, наделенных социальными смыслами. Его фетровая федора — часть этого последовательного нарратива. Нарочито строгий котелок Рене Магритта перекликается с сюрреалистическим юмором его картин, а ковбойская шляпа Брюса Наумана символизирует бесстрашие, с которым художник берется за свои новаторские, во многом сенсационные творения. Грейсон Перри, известный прежде всего керамическими произведениями, а также протестом против социально-политических норм, нередко появляется на публике в костюме своего женского альтер эго по имени Клер, обыкновенно дополняя эпатажный образ ярким капором.

ЙОЗЕФ БОЙС

Н

емецкого художника Йозефа Бойса на родине прозвали «человеком в шляпе» за то, что никогда не покидал дома без милой его сердцу шляпы трилби. За покупками он ходил в старейшую шляпную лавку мира Lock & Co, работающую в Лондоне с 1676 г. Когда у него просили автограф, он всегда писал свое имя, а рядом рисовал контур любимого головного убора. Шляпы он предпочитал серые, черные или цвета хаки. Работая с разными жанрами и материалами, Бойс тем не менее уверял, что «шляпа может все сделать сама». Помимо знаменитых трилби в его гардеробе были длинные тяжелые пальто, меховые воротники, высокие ботинки, ветровки без рукавов и войлочные костюмы. Добавьте к этому скулы кинозвезды, мальчишеское обаяние и бьющую ключом энергию. Неудивительно, что мир моды поддался чарам Бойса. Осенняя коллекция Рика Оуэнса 2015 г. отсылает к перформансу художника «Я люблю Америку, и Америка любит меня» (1974), в ходе которого Бойс замотался в рулон войлока и на три дня заперся в галерее с живым койотом. Оуэнс охотно признает, что «увлечен» Бойсом, и рассказывает: «Мне пришлось немало поработать, чтобы создать серый, мягкий бойсовский кокон». Бельгийская дизайнерская команда A. F. Vandervorst вдохновляется творчеством Бойса со дня основания. В 2012 г. группа представила женскую версию его стиля: модели выходили на подиум в трилби от Стивена Джонса и шарфах из кроличьего меха. Это дефиле вызывает в памяти «Войлочный костюм Бойса» (1970) — перформанс, для которого художник изготовил из валяной шерсти сто копий своих костюмов.

БРЮС НАУМАН

Б

рюс Науман не любит вторжений в свое личное пространство. Этот мастер работает с широким спектром форм и технологий и живет с супругой, художницей Сьюзен Ротенберг, вдали от суетной толпы — на участке почти в три квадратных километра около городка Галистео в штате Нью-Мехико, где дизайнер Том Форд выстроил огромное ранчо. Кажется, что ужин на мегароскошной яхте Timoteo, который в 2009 г. устроил в честь Наумана модный дом Missoni, пригласив таких лидеров фэшн-индустрии, как Карин Ройтфельд и Ренцо Россо, происходил где-то в другой вселенной. Звезды собрались, чтобы отпраздновать победу художника на Венецианской биеннале современного искусства, где Науман завоевал для США Золотого льва за лучший национальный павильон. В инсталляции «Топологические сады» была представлена ретроспектива его работ, включая неоновую вывеску «Пороки и добродетели» (1983), а также две звуковые инсталляции, Days и Giorni. Новое и непривычное — стихия Наумана; в его работах всегда есть стилистический вызов. Однако его шляпы остаются неизменными. Он носит незатейливые стетсоны от Nudie’s Rodeo Tailors. В 1990 г. Брюс Науман создал провокационную видеоинсталляцию, в которой мим неопределенного пола невозмутимо повторял серию команд: садился на собственную шляпу, брался руками за голову и испражнялся в шляпу. Напротив: Йозеф Бойс, июнь 1982 г. Вверху: Брюс Науман, Нью-Мехико, июнь 1983 г. Автор фотопортрета: Франсуа ле Диаскорн

ГРЕЙСОН ПЕРРИ

Г

рейсон Перри любит очаровательные шляпки, особенно капоры с цветами, кружевом, атласом, бантиками и лентами. Грейсон Перри носит такие шляпы, когда перевоплощается в свое альтер эго по имени Клер. В этой ипостаси Перри оттачивает дизайнерские навыки уже много лет: когда ему было десять, он позаимствовал платье у сестры и вышел в свет, дополнив образ париком и теннисными туфлями. Сегодня его любовь к женским фасонам — достояние общественности; в 2005 г. он даже вел в образе Клер репортаж с показа коллекции Сhanel для журнала Spoon. В 2017 г. художественная галерея Уокера в Ливерпуле организовала выставку под названием «Превращаясь в Клер: платья Грейсона Перри», где были представлены двенадцать его любимых нарядов и головных уборов — частично сделанные его руками, а частично выполненные студентами лондонского колледжа Сент-Мартинс. Однако головные уборы художника играют не только декоративную и развлекательную роль. В интервью 2005 г. он сознался, что теряет слух и «с этим ничего нельзя поделать — только носить капоры и слуховой аппарат. По крайней мере, капоры красивые!». В 2014 г., когда Грейсон Перри был удостоен ордена Британской империи и представлен королеве Елизавете в Букингемском дворце, он выбрал более консервативную широкополую шляпу со страусиными перьями в стиле «мать невесты», отказавшись от привычного капора пастушки.

Вверху: Грейсон Перри на ежегодной летней встрече художников в галерее «Серпентайн». Лондон, июнь 2011 г. Напротив: Рене Магритт со своей картиной «Варвар», 1938 г.

РЕНЕ МАГРИТТ

К

артина Рене Магритта «Сын человеческий» (1964) — одно из самых знаменитых и узнаваемых произведений сюрреалистического искусства. Мужчина в шляпе-котелке, пальто и красном галстуке, с лицом, закрытым зеленым яблоком, — это, конечно, сам художник. Его силуэт нельзя перепутать ни с чем: Магритт носил котелок и часто использовал его как художественную деталь. На картине того же года «Мужчина в котелке» лицо персонажа закрывает белая птица; на полотне под названием «Тайна горизонта» (1955) трое мужчин в котелках стоят под тремя полумесяцами. Консервативный головной убор на редкость удачно сочетался с острым чувством абсурда. Метафоры Магритта нередко раскрывались через детали костюма: на картине «Красная модель» (1934) изображена пара ботинок, которые переходят в босые ноги, — визуальный мотив, обыгранный в коллекции Comme des Garçons 2009 г., включавшей туфли-«обманки» с нарисованными пальцами. В коллекции американского бренда Opening Ceremony под названием Ceci n’est pas un Shirt («Это не рубашка», 2014 г.) принты, навеянные творчеством Магритта, были размещены на юбках, платьях, бомберах, футболках и свитерах. Сам Магритт весьма придирчиво подбирал гардероб и всегда щеголял в безупречных костюмах, рубашках, галстуках и шарфах. Художник был и лично связан с миром моды: работая на заказ, он создавал мотивы и образы для брюссельского модного дома Norine, в 1928 г. вместе с поэтом Полем Нуже подготовил каталог для коллекции мехов дома Samuel. Каталог признан образцом инновационного сочетания графики с высоким стилем.

СИНДИ ШЕРМАН Наверное, моя работа во многом связана с тем, как изображают женщин в СМИ. В моде и в кино мы не так уж часто видим образы пожилых или старых женщин. Отчасти я говорю об этом. — Синди Шерман. Guardian, июль 2016 г.

М

Напротив: Синди Шерман. Неделя высокой моды в Париже, март 2014 г.

150

ир моды обожает Синди Шерман. Ей звонят из дизайнерских бутиков, когда в ассортименте появляется нечто, подходящее под ее «экстравагантные запросы». Раф Симонс называет ее своей вдохновительницей; не случайно в его нью-йоркском офисе висит большая работа Шерман. В 2017 г. на показе дебютной коллекции Симонса для Calvin Klein художница сидела в первом ряду, а несколько месяцев спустя, в качестве ответной любезности, дизайнер предоставил ей вещи из своей эксклюзивной коллекции Calvin Klein By Appointment для ежегодного благотворительного бала в Метрополитен-музее. На этом приеме для избранных Шерман предстала живым воплощением хлесткого городского шика — в брючном костюме-двойке с цветочным принтом и на высоких каблуках. Художница появилась на балу в сопровождении верных поклонников Симонса, включая рэпера ASAP Rocky и актрису Гвинет Пэлтроу. В мире моды и искусства Шерман — настоящая принцесса крови. В 2008 г. она разработала для дома Louis Vuitton дизайн авторской сумки; все экземпляры линейки были быстро раскуплены и сейчас обладают

коллекционной ценностью. В 2011 г. бренд MAC Cosmetics при участии Шерман подготовил линейку косметики, включая губную помаду оттенков «Роскошный телесный» и «Пепельная фиалка». Шерман родилась в штате Нью-Джерси в 1954 г. Эта художница постоянно меняется, примеряет на себя новые образы, экспериментирует с радикальным макияжем. Не стоит удивляться, что творческий путь нередко заводит ее в сферу высокой моды. Как исследователь индивидуальности, Шерман убеждена, что потребность в экстравагантных нарядах восходит Актриса Молли Рингуолд сыграла главную роль в полнометражной к ее детским попыткам обратить на себя картине Шерман «Убийца в офисе» внимание — ведь она была младшей (1997). Фильм в жанре комедийного из пятерых детей в семье. Тем не менее хоррора повествует о сотруднице в стиле Шерман нет никакой болезненной журнала, которая становится серий- подоплеки. Она работает и дружит с ведуной убийцей после случайной гибели щими модельерами уже более тридцати лет, коллеги. начиная с фотосессии 1983 г. для журнала Interview, на страницах которого художШерман давно придумала себе иденица предстала в нарядах от Issey Miyake, альную эпитафию: «Наконец-то она Comme des Garçons и Jean-Paul Gaultier нашла себе подходящий наряд». из бутика Дайан Бенсон. Шерман была очарована творениями дизайнеров и в 2016 г. призналась корреспонденту журнала Harper’s Bazaar: «Вещи были очень странные и необычные, особенно от Comme des Garçons. Помню, я думала: это похоже на одежду какой-нибудь бродяжки или пиратки — везде дыры, лохмотья. Мне понравилось». Десять лет спустя, весной 1993 г., Harper’s Bazaar заказал художнице подборку автопортретов под названием «Коллекция Синди Шерман». Для этого задания она примерила вещи нового сезона, включая ансамбль от Dolce & Gabbana, выполненный в технике петчворк, и вечернее платье от Вивьен Вествуд. На одном из снимков у нее на голове красуется нижнее белье. Сегодня в круг близких друзей Шерман входит дизайнер Нарцисо Родригес. В интервью обозревателю Harper’s Bazaar Кэти Хорин кутюрье отметил: «С ней легко говорить о моде, она так много знает». Художница, чьей главной темой стала неоднозначность внешнего образа, кажется, вполне уверена в собственной внешности. Невзирая на опасения, что искусство может стать для модных кругов всего лишь «стильным аксессуаром», Шерман удается плодотворно сотрудничать с крупнейшими брендами и выбирать то, что подходит

152

В детстве — наверное, лет в десять — я часто наряжалась, потому что дома у нас был чемодан со старыми вещами. В нем лежали платья со школьных балов, другая одежда… Где-то в подвале я нашла бабушкины вещи (сама она умерла давно). А может быть, они были даже прабабушкины — очень старые, начала века. Я надевала их и превращалась в эту женщину, эту старушку. У меня даже сохранилась такая фотография. Мы с подругой превращались в маленьких старушек и разгуливали по нашему кварталу. Но потом я обнаружила, что все мои подружки воображают себя балеринами или принцессами, а мне было гораздо интереснее превращаться в чудище или ведьму — в какую-нибудь жуть. — Синди Шерман. System, 2014 г.

Синди Шерман с Аззедином Алайей (в центре) и Николя Гескьером, дизайнером дома Louis Vuitton. Неделя высокой моды в Париже, март 2014 г.

лично ей. Первой дизайнерской вещью, которую она приобрела в Париже в 1980-х, был костюм от Жан-Поля Готье. Однако добиться гармонии в своем образе ей удалось не сразу. В интервью британской газете Observer в 2016 г. Шерман призналась: «Мне понадобилось немало времени, чтобы понять, кто я и что мне нужно.

Не думаю, что я способна увидеть мир глазами другого человека, но иногда у меня получается ухватить особую манеру или взгляд, вот у людей и создается обо мне такое впечатление. Мне интересно, почему человек выбирает себе тот или иной образ. Но я не могу знать, что он переживает. — Синди Шерман. Журнал Interview, ноябрь 2008 г.

Шерман понимает всю сложность инновационного стиля. Она была преданной поклонницей блестящего — но не всегда удобного в носке — лейбла Marni, когда его ведущим дизайнером работала основательница компании Консуэла Кастильони. Шерман утверждает: лучший способ отдохнуть — «это отправиться в Marni и на следующий день получить на дом четыре больших пакета с вещами». Среди ее любимых брендов также числятся Prada, Stella McCartney и Jil Sander — выбор мыслящих женщин. А Шерман, несомненно, много размышляет о моде. В 1994 г., беседуя с корреспондентом газеты New York Times, художница сказала: «Те образы, к которым приучает нас мода, успели всерьез повлиять на наши представления. Нам кажется, что все, кто носит дизайнерскую одежду, должны быть стройными и красивыми, но это очень далеко от реальности». В нынешнем столетии Шерман продолжает сотрудничество с журналом Harper’s Bazaar, в частности вела проект Twirl, для которого одевалась как бьюти-блогер и носила вещи от Chanel и Miu Miu. Она сатирически отозвалась о виртуальном Instagram-подиуме, однако призналась, что наряды доставили ей немало удовольствия. Сапоги от Marc Jacobs оказались «потрясающими», но особенно художнице понравился зеленый костюм от Gucci, который она надевала для фотосъемки: «Такой необычный, что я бы, пожалуй, не прочь его носить. На спине была змея — очень крутая».

РОБЕРТ РАУШЕНБЕРГ Перевернуть все вверх дном — вот что ценно… Сделать как положено — невелика заслуга. — Роберт Раушенберг Майкл Киммельман. Secret of My Excess. Guardian, 2000 г.

Р

Напротив: Роберт Раушенберг, 1975 г.

156

оберт Раушенберг родился в 1925 г. в техасском городке Порт-Артур. Его родители, небогатые христиане-фундаменталисты, по воскресеньям ходили в церковь дважды. Мать Дора сама мастерила одежду маленькому Мильтону, как Раушенберга окрестили при рождении (в 1947 г. он взял себе имя Боб, а позже сменил его на полную форму — Роберт). Его детские наряды шились из остатков и обрезков ткани. Никто не поощрял его в стремлении стать художником, однако после смерти в 2008 г. его назвали «дедушкой современного искусства». Он исследовал культурный ландшафт Америки, показывая, как новые средства коммуникации и растущие объемы потребления меняют повседневную жизнь. Технологический прогресс, многократно ускоривший обмен информацией, а также доступ к относительно дешевым импортным товарам подпитывали глобализационные процессы и меняли умонастроения. Описывая развернувшуюся перед ним панораму, Раушенберг перебирал самые разные формы и техники: живопись, коллаж, шелкографию, скульптуру. Его жизнь и творчество в равной степени отображали происходящее в мире. На его знаменитых «комбинированных картинах» старые носки, кроссовки, галстуки и поношенная

одежда соседствовали с комиксами и рекламными объявлениями; однажды в дело пошло даже чучело козы — словом, Раушенберг использовал все, что мог раздобыть. Сам он считал себя художником-документалистом. Костюмы самого Раушенберга говорили языком американской моды. В интервью для журнала Vogue за октябрь 1965 г. искусствовед Лоуренс Аллоуэй заметил: «Естественнее всего Раушенберг, похоже, чувствует себя в повседневной американской В 1946 г. Раушенберг рабоклассике, известной во всем мире (благодаря тал упаковщиком на одной вестернам и армии США): брюках — обычно из швейных фабрик Лосчиносах с низкой посадкой, футболках или “форменных” рубашках, кроссовках, наручных часах. Анджелеса, в цехе по производству купальников. Именно Костюм на нем смотрится скорее как символ тогда младший дизайнер простоты и непритязательности, чем как строгая фабрики Пат Пирман убеуниформа интеллектуала». Кроме того, художник с удовольствием носил одежду из денима — дил юношу, что у него есть художественный талант. особенно выигрышно на нем смотрелись обрезные шорты; ковбойские сапоги из змеиной кожи и свитеры-поло с простыми блейзерами добавляли ему очков за стильность в 1970-е. Однако фирменной раушенберговской деталью были рубашки с аккуратно подвернутыми рукавами. На заре своей карьеры, в 1950-х, еще не добившись творческого и финансового успеха, Раушенберг на пару со своим тогдашним возлюбленным Джаспером Джонсом оформлял витрины в универмаге Bonwit Teller. Вдвоем художники создавали необычные, проникнутые духом искусства декорации для модных новинок. Их услугами пользовался и бренд Tiffany; знаменитый арт-директор магазина Джин Мур высоко ценил работу их творческого дуэта. В 1998 г., незадолго до смерти, Мур вспоминал: «Мне очень нравилась одна их витрина — с дорожными мотивами… В этом дизайне чувствовался дух приключений, путешествий». Наделенный многогранным талантом, Раушенберг был еще и прекрасным танцором и хореографом. Некоторое время он числился штатным декоратором и костюмером танцевальной труппы Мерса Каннингема; в 1964 г., получая Гран-при Венецианской биеннале, художник заявил, что постановки труппы были его «самыми монументальными полотнами». Для танцевальной композиции Antic Meet («Комические встречи», 1958) Раушенберг одел Каннингема в черное трико, прикрепив к телу стул в качестве аксессуара. В 2008 г. газета New York Times

158

Первый раз в жизни меня не смутил вид красоты и изящества, потому что, когда видишь человека, чье имущество состоит из одного-единственного куска материи, но это — кусок великолепного розового шелка, — красоту не надо разлагать на составляющие… Я всегда говорил, что предрассудки и стереотипы никому не нужны. Но прежде… у меня не было возможности использовать лиловый цвет — уж слишком он красив. — Роберт Раушенберг после поездки в Индию в 1975 г. Мэри Линн Котц. Rauschenberg: Art and Life (1990)

Лоскутный принт этого платья от Эрдема Моралиоглу вызывает в памяти коллажную эстетику Раушенберга, позволявшую наделить готовый материал новыми актуальными смыслами. Фото с показа осенне-зимней коллекции прет-а-порте лейбла ERDEM. Неделя высокой моды в Лондоне, февраль 2017 г.

опубликовала статью, где этот костюм сравнивался с вещами из знаменитой коллекции Рей Кавакубо Lumps and Bumps («Комки и пупырышки»), созданной в 1997 г. — том самом, когда она тоже одевала танцоров из труппы Каннингема. Родство силуэтов не подлежит сомнению. Связь Раушенберга с брендом Comme des Garçons не исчерпывается этими параллелями. В 1993 г. художник участвовал в показе его осенней мужской коллекции в Париже и вышел на подиум, одетый в черный мохеровый кардиган с круглым вырезом и серебристые брюки со вставками. Кроме того, мотивы слияния и противопоставления и многослойные образы, характерные для произведений Раушенберга — таких как «По ветру» (1963) и «Место власти» (1979), — прослеживаются и в работах протеже Кавакубо Джуньи Ватанабе, известного любовью к технике петчворка. «Зеленые» инициативы Раушенберга намного опередили свое время. Уже в 1990-е основанный художником благотворительный фонд выносил на обсуждение проблемы, над которыми бьются флагманы современной промышленности, например загрязнение окружающей среды при производстве текстиля. Фонд Раушенберга ведет активную деятельность во многих странах мира. Его девиз — «оздоровить мир силой творче- На свадьбе с Сюзанной Вайль ского подхода» — влияет на большие и малые в июне 1950 г. Раушенберг был дела, особенно лидеров молодого поколения. одет в белый костюм с белым Нью-йоркский модельер Майкл Лейд, собира- галстуком-бабочкой и белыми ющий материал для своих творений на улице, туфлями — в тон белоснежному объясняет: «Не так уж трудно сделать нечто туалету невесты. уникальное и стильное из того, что найдется под рукой». Международные бренды, включая Timberland, движутся по тому же пути — например, используют на производстве обуви переработанные автомобильные покрышки. Том Форд уже более десяти лет старается перевести свой бренд в разряд экологически чистых, создавая «экосмокинги» из шерсти ручного прядения для знаменитых друзей вроде Майкла Фассбендера и Брэдли Купера. Конечно, Раушенберг не мог предвидеть ничего подобного, когда собирал разнородный материал для своих произведений; однако его любовь к повторно используемым вещам актуальна для сегодняшней культуры потребления.

АЛЕКСАНДР РОДЧЕНКО Придется купить себе чертову шляпу. Я не могу разгуливать в кепке, потому что французы их не носят и все подозрительно на меня косятся. Думают, что я немец. — Александр Родченко. Из письма Варваре Степановой, 1 апреля 1925 г.

С

Напротив: Александр Родченко, 1924 г.

162

тили и фасоны одежды, которую мы носим, постоянно переосмысляются, обыгрываются расчетливо или по наитию; однако на подиумах трудно найти нечто совершенно новое. Ретро так или иначе берет свое, а истинный прогресс идет по линии текстильного дизайна и производства. После 1917 г. ситуация в революционной России была принципиально иной. Александр Родченко и его собратья-конструктивисты задались целью покончить с буржуазным наследием царизма и построить новый мир, радикально изменив все сферы жизни, включая моду. Целью Родченко была утилитарность во всем: живописи, скульптуре, фотографии, дизайне. Одежда, воплощавшая в себе идеалы Советской России, отличалась простотой, геометрическими формами и предельной функциональностью. Сшитые из плотного денима, отделанные кожей и снабженные четырьмя большими карманами комбинезоны Родченко были рабочей униформой: практичной, с налетом модернизма. И сам художник, и его жена Варвара Степанова — как и прочие верные партийцы — создавали эскизы, которые по большей части остались на бумаге: тканей и техники в стране

катастрофически не хватало, и смелые модели конструктивистов так и не пошли в массовое производство. В итоге Родченко переключился на костюмы и декорации для театральных постановок — например, пьесы Маяковского «Клоп», — что позволило ему отточить дизайнерские навыки. Ему самому одежду шила Степанова, обладательница драгоценной машинки Singer. В гардеробе Родченко прослеживается та же эстетика, что и в его творчестве: строгая чистота линий и выверенный подход характерны для всех его произведений. Его смелые, оптимистичные воззрения отражались и в выборе одежды. Художник предпочитал мощные, по большей части гендерно нейтральные силуэты. В те времена сила оставалась идеалом как для мужчин, так Родченко встретился с Пабло и для женщин, и в эстетике конструктиПикассо единственный раз в жизни — визма не было места для эротичных в 1925 г., когда приехал в Париж или кокетливых женских фасонов. на выставку советских конструктиВ эскизах Родченко преобладала черно-красная цветовая схема, как и в гравистов. Однако ни один из художфике, созданной им для кино, включая ников не владел языком другого, фильм «Броненосец Потемкин» (1925), и поговорить им не удалось. а также на знаменитом плакате «Книги» для издательства «Ленгиз». Во всех агитационных работах, которые ему заказывали, форма органично сливалась с функцией, а главным посылом становился оптимистический взгляд на будущее. Родченко отличался прагматичным подходом к искусству, многогранным талантом и неукоснительной верностью идеалам коммунизма. Работая под взрывоопасным руководством Ленина, а затем Сталина, он с энтузиазмом придерживался партийной линии — выполнял любые заказы и не жалея сил создавал положительный образ своей страны. Во всем, что делал Родченко, прослеживалась глубинная связь с его жизненными принципами. Свои скульптуры — такие как «Пространственная конструкция № 12» (1920) — он создавал из подручных материалов: например, фанерных колец разного диаметра, которые можно было развернуть, чтобы получить трехмерную фигуру, или сложить обратно. Триптихом «Чистый красный цвет. Чистый синий цвет. Чистый желтый цвет» (1921) художник словно заявлял: традиционное искусство «закончилось». Лаконичная элегантность его знаковых кадров, включая «Лестницу» (1930) и серию «Пионеры» (1932), предвосхищает контрастную черно-белую светопись фотохудожников

164

1970-х, например Хельмута Ньютона. В 1980-х фирменные приемы его графики — необычные углы, крупные планы, портреты величиной во весь лист и броские шрифты — пригодились многим журналам, в том числе The Face. Арт-директор журнала Невилл Броди отдал дань уважения мастерству Родченко, творчески переосмыслив его полиграфические находки. Фотокомпозиция «Киллер» (1985) с 13-летним Феликсом Ховардом в качестве модели до сих пор числится среди лучших обложек в истории популярной прессы.

Я хочу делать такие снимки, каких не делали еще никогда… одновременно простые и сложные кадры, которые будут изумлять, потрясать зрителей… Я должен этого добиться, чтобы фотографию наконец начали воспринимать как вид искусства. — Александр Родченко. Запись в дневнике, 14 марта 1934 г.

Творчество Родченко — один из самых неожиданных и закономерных источников вдохновения для современных дизайнеров. Конечно, потребители из «поколения Я» далеки от его моральных и политических убеждений, однако его стилистические решения актуальны по сей день. В 1960-х итальянский модный дом Pucci использовал принты с контрастными блоками цвета в дизайне платьев-комбинаций; их простой и смелый силуэт напоминает о неукротимой энергии конструктивизма, а также молодежного движения, которое потрясло мир в те годы. С мотивами Родченко легко работать: незатейливая, здоровая прозрачность его образов как нельзя лучше подходит для программного высказывания. Например, совсем не сложно разглядеть влияние Родченко в коллекциях российского дизайнера Гоши Рубчинского, который имеет полное право записать себя в наследники конструктивистов. Серпы и молоты на его черно-красных спортивных костюмах — современных аналогах комбинезонов Родченко — символы пролетариата, истории молодежи и, конечно, СССР. Элементы конструктивистской графики прослеживаются во всей весенне-летней коллекции Рубчинского 2016 г. Дизайнер и не скрывает преемственности: в том же году он показал Канье Уэсту московский Мультимедиа Арт Музей, где проходила выставка работ Родченко.

165

Джерри Холл в Советском Союзе, фотография Нормана Паркинсона (1975 г.). Стилистом этой фотосъемки для британского Vogue выступила Грейс Коддингтон, а визуальный ряд был навеян советской символикой в работах Родченко

Ромбовидные кимоно Иссея Мияки и его же пальто-кокон 1976 г. загадочным образом напоминают об эстетике Родченко. Мияки и другие японские дизайнеры — в том числе Ёдзи Ямамото — заметно изменили западное представление о силуэте в начале 1980-х; они нашли новые способы подчеркнуть женственность фигуры, предложив альтернативу традиционным парижским «песочным часам». Забавно, но революцион- Родченко обожал шутки и розыные идеи Родченко оказались востребованы грыши. Его любимым фокусом был именно в контексте потребительского бума «исчезающий большой палец» — 1980-х; в огромных накладных плечах из кол- благодаря ловкости рук казалекции Тьерри Мюглера 1988 г. отчетливо лось, что палец отрублен. сквозит конструктивистская любовь к угловатым формам. И хотя сам Родченко считал высокую моду апофеозом мещанской пошлости и настаивал на ее радикальном обновлении, у двух этих мастеров, несомненно, есть общие принципы. Мюглеру (по его словам) хотелось, чтобы его модели «были больше, сильнее и выше простых смертных»; Родченко мечтал возвысить народные массы при помощи своих эскизов. Возможно, это огорчило бы советского художника, однако сходство целей и методов здесь налицо.

ТАМАРА ДЕ ЛЕМПИЦКА Чудес не бывает, бывает только то,  что делаешь сам. — Тамара де Лемпицка Фиона Маккарти. Artist of the Fascist Superworld. Онлайн-версия газеты Guardian, 2004 г.

В

Напротив: Тамара де Лемпицка. Париж, 1932 г.

168

ыписанные в характерной манере мягкого кубизма полотна Тамары де Лемпицки словно воплощают в себе идеалы ар-деко вместе с духом пьянящей роскоши. Как правило, на них изображены звезды бомонда и многочисленные возлюбленные — обоего пола, — которых художница обожала и пленяла. Де Лемпицка родилась в Варшаве в 1898 г. и какое-то время жила с супругом-адвокатом в Петербурге; во время революции ее муж был арестован, после чего пара уехала из России. Перебравшись в Париж, де Лемпицка научилась зарабатывать на жизнь творчеством. Она писала портреты светских львиц, одетых по последней моде — например, в трикотаж от Жана Пату и приталенные шелковые платья от мадам Вионне. На картине 1930 г. возлюбленная художницы Ира Перро предстает в облегающем платье из белого атласа с асимметричными оборками — кинематографичном наряде, весьма похожем на те, что носила и сама де Лемпицка. Художница вела блистательный, модный образ жизни, который отображался и в ее энергичных, красочных произведениях, и в ее гардеробе. Она одевалась с шиком и высоко ценила красоту и ум. Регулярно посещая «не только чайные» салоны американской писательницы Натали

Барни, она познакомилась с Жаном Кокто и другими завсегдатаями, включая маркизу Луизу Казати, которая представила ее фотографу Адольфу де Мейеру и итальянскому поэту Габриэлю д’Аннунцио. Элегантный гардероб де Лемпицки неизменно пополнялся лучшими новинками сезона. Художница обожала шляпы; ее любимой мастерицей была Роза Дескат, чьи экстравагантные творения в форме летающих — или суповых — тарелок носили первые модницы Европы и Нью-Йорка. Однако Дескат создавала и более практичные шляпыколокольчики и таблетки; у де Лемпицки от них ломились шкафы. Кроме того, художница часто одевалась у парижского кутюрье Марселя Роша, в 1925 г. открывшего собственный модный дом. Она носила костюмы и соболиные шубы от Чарльза Крида, а волосы укладывала роскошными светлыми локонами. Некоторые искусствоведы полагают, что творческие достижения де Лемпицки были куда скромнее; ее произведения слишком прочно привязаны к своему периоду. Арт-критик журнала Newsweek Питер Плейгенс писал: «Она сама была культурным продуктом, а не творцом, который вдохновляет других Кожаная шапочка, в которой де Лемпицка изобрахудожников». Мода постоянно меняется, но произведение искусства должно быть долговечным. зила себя на знаменитом «Автопортрете в зеленом Однако даже если творчество де Лемпицки поверхностно, то ее собственный образ — стильной Bugatti» (1929), скопирована с модели дома Hermès. и независимой женщины, которая горела недолго, но ярко, — до сих пор не утратил обаяния. Ее произведения выставляются по всему миру — например, в Королевской академии изящных искусств в Лондоне (2004 г.) и в веронском Палаццо Форти (2015 г.); их коллекционируют такие корифеи моды, как Доменико Дольче и Стефано Габбана, чья осенне-зимняя коллекция 2000 г. была навеяна картиной де Лемпицки, которую Стефано подарил Доменико в 1997 г. Сама де Лемпицка формулировала свои творческие задачи просто. Помимо заработка, говорила она, «моей целью было не копировать, а создать новый стиль, найти яркие, светящиеся краски и во всей полноте передать элегантность моих моделей». Модернистский задор художницы проявился в знаменитом «Автопортрете» (1929), созданном для обложки немецкого журнала мод Die Dame. За рулем зеленого Bugatti сидит подлинно свободная, раскованная женщина — несколько отстраненная и холодная, но обеспеченная и идущая в ногу со временем. Забавно, что в действительности

170

Я первая женщина, которая стала рисовать чисто, и в этом основа моего успеха. Из сотни картин всегда можно выделить мою. Именно поэтому галереи начали вешать мои работы на видном месте, в центре зала: они нравились зрителям. Они были тщательно выписаны. Они были «завершенными». — Тамара де Лемпицка, 1925 г., Artquotes.com

у де Лемпицки не было Bugatti, да и ее настоящую машину — желтую Renault — незадолго до того угнали. Ее можно назвать настоящей королевой имиджа: и в творчестве, и в самопрезентации самым важным для нее было яркое, убедительное шоу, пусть даже идущее вразрез с реальностью. В ровных линиях и гладких поверхностях ар-деко сквозила незамысловатая гедонистическая эстетика, легко поддающаяся расшифровке. Де Лемпицка мечтала добиться успеха в жизни; ее творческий и личный стиль находил живой отклик в период, когда военная и революционная разруха была еще свежа в памяти публики. В наши дни де Лемпицка по-прежнему пользуется любовью кутюрье, которых пленяет ослепительный шик ее образов. Именно в этом многие видят главное предназначение моды: создавать великолепный фасад, и чем он блистательнее и совершеннее, тем лучше. Художница, которая становилась к мольберту в вечернем платье из невесомого тюля, с четырьмя нитками жемчуга на шее и алмазными браслетами на руках, творила мир собственных фантазий. Ее картину «Девушка с перчатками» (1929) прекрасно обыграл Альбер Эльбаз в пляжной коллекции 2014 г. для дома Lanvin, создав абсолютно современное и при этом невероятно выразительное зеленое платье. В ту же коллекцию входил и парадный туалет длиной до пола, с открытым плечом и оборками, словно придуманный для моделей де Лемпицки. В осеннезимней коллекции Nina Ricci 2011 г., созданной Питером Коппингом, тоже угадывается влияние де Лемпицки с ее любовью к сборчатым и плиссированным творениям Марселя Роша. Мадонна — увлеченная собирательница работ художницы — снялась для рекламной кампании Louis Vuitton (осенне-зимняя коллекция Марка Джейкобса 2009 г., фотограф — Стивен Майзель): томный макияж, переливчатое платье с оборками и голливудские локоны напоминают роскошный стиль де Лемпицки. У де Лемпицки было безупречное чувство стиля; в молодости она работала моделью и регулярно снималась у австрийской фотохудожницы мадам Д’Ора (Доры Каллимус). Прежде чем посвятить себя живописи, она иллюстрировала журналы мод. В созданных ею образах — от женщин с андрогинными чертами, заметными, например, в изысканной простоте «Синего шарфа» (1930-е), до «Прекрасной Рафаэлы» (1927) с обнаженными пышными формами — до сих пор прочитывается вполне современный посыл.

Напротив: Тамара де Лемпицка за мольбертом, 1930-е

МАРИНА АБРАМОВИЧ Мода подпитывается искусством и постоянно обращается к наследию разных эпох — культурных и исторических. От таланта дизайнера зависит, насколько удачно исторические заимствования впишутся в современный образ. — Марина Абрамович. AnOther, декабрь 2010 г.

Х

Напротив: Марина Абрамович с моделью и писательницей Кристал Ренн. Фото Душана Рельина для украинского Vogue, август 2014 г.

174

удожница Марина Абрамович появляется на обложках модных журналов — включая самые влиятельные издания вроде V, Pop и Elle — чаще, чем многие топ-модели. Перед камерой она всегда предстает уверенной в себе и стильной: с длинными, темными, блестящими волосами, нередко с красной помадой и маникюром в тон. Абрамович родилась в Сербии в 1956 г., а сейчас вращается в узких кругах творческой элиты и носит наряды, подобающие ее статусу: произведения высокой моды с аксессуарами, чья стоимость превышает тысячу долларов. Ее любимый аромат — Wonderwood от Comme des Garçons. Абрамович тесно связана и с миром музыки. Она предоставила свою интеллектуальную собственность во временное пользование рэперу Jay-Z, который воспроизвел один из перформансов художницы в галерее нью-йоркского Университета Пейс, где исполнил свой сингл Picasso Baby. Леди Гага поддерживала кампанию по сбору средств для Института перформанса Марины Абрамович на краудфандинговом сайте Kickstarter.

Нынешнее отношение Абрамович к моде диаметрально противоположно тому, что она выражала в юности, как будто сегодняшняя стильная фаза — очередной ее перформанс. В 2005 г., беседуя с корреспондентом журнала Vogue, художница пояснила: «До того как я прошлась по Великой Китайской стене в 1988 г., мне хотелось, чтобы публика видела меня в совершенно определенном образе. Радикальная активистка, очень жесткая; никакого макияжа, сплошная духовность. Но потом… пришел момент, когда мне захотелось поиграть, сделать собственную жизнь зрелищной и получить удовольствие. Я подумала — почему бы и нет? Надо брать от жизни всё». Абрамович безоглядно смеАбрамович — страстная поклон- нила курс, не просто начав носить дизайнерскую ница Марии Каллас, на которую одежду, а полностью погрузившись в мир моды. похожа внешне. В ее коллекции Она работала с такими лейблами, как Costume есть фотографии оперной дивы, National, во время крупных культурных меропригде сходство очень заметно. ятий — например, благотворительного бала американской некоммерческой организации Art of Elysium. Художница сняла несколько видеороликов, в том числе совместный короткометражный фильм с компанией Adidas в 2014 г. В рамках капсульного проекта Национального клуба искусств в НьюЙорке она представила собственную лимитированную коллекцию. По данным газеты Women’s Wear Daily (2013), Абрамович подготовила для проекта семь комбинезонов — в разных жизнеутверждающих тонах и с «семью небольшими магнитами в карманах, размещенными так, чтобы указывать на определенные энергетические точки тела». «Влюбленные» — перформанс, поставленный Абрамович на Великой Китайской стене в 1988 г., — один из образцов «искусства выносливости»: направления, в котором преимущественно работает художница. Начав с восточного конца стены, она прошла 2400 километров навстречу своему партнеру, немецкому перформансисту Франку Уве Лайсипену (Улаю), который вышел в путь с противоположного конца. Встретившись посередине стены, пара рассталась после двенадцати лет, проведенных вместе. По завершении этого проекта Абрамович, кажется, избавилась от всех внутренних преград, мешавших ей выразить себя в моде. Вновь обретенная уверенность в собственном таланте означала: «…больше мне не нужно кому-то что-то доказывать». Осмысляя новый подход к стилю, Абрамович решила: «Я состоялась как художник. Я могу это сделать. Интерес к моде дал мне внутреннюю свободу. И я его не стыдилась».

176

О своих изначально напряженных отношения с модой Абрамович рассказала в серии документальных фильмов «Искусство-21: мастера ХXI века», выходившей на телеканале PBS: «В 1970-х, когда художницы предпочитали красную помаду и красный лак, все модное казалось мне очень пошлым. Несовместимым с искусством. Как будто, если ты самовыражаешься таким способом, ты не можешь выразить себя в творчестве. Я не хотела иметь к этому никакого отношения». Со временем ее взгляды изменились — возможно, подсознательно. В 2010 г. Абрамович сказала в интервью журналу AnOther: «У меня была тайная тяга к моде, в которой я не признавалась самой себе. Так что, когда у меня впервые появились серьезные деньги, я купила костюм от Yamamoto. В нем я чувствовала себя прекрасно и не испытывала никаких угрызений совести!» Сегодня художница утверждает, что изысканный гардероб отнюдь не создает ей проблем, «кроме, пожалуй, одной: у меня все черное, поэтому, когда открываешь шкаф, очень трудно что-то найти», как она пожаловалась в интервью австралийскому Harper’s Bazaar в 2017 г. Ее дружба с Риккардо Тиши — В 2018 г. Абрамович расскаитальянским модельером, который двенадцать зала корреспонденту газеты лет занимал пост креативного директора Art Newspaper, что научилась при доме Givenchy, крепка и плодотворна. Абра- плавать, когда отец вытолкнул мович режиссировала показ его коллекции ее из лодки на середине реки 2015 г. на Пирсе № 26, с видом на реку Гудзон. и принялся грести прочь. Тиши подробно разъяснил творческую сторону их отношений, когда выступил приглашенным редактором журнала Visionaire. На обложке летнего выпуска 2011 г. был размещен черно-белый снимок Марио Тестино, где Тиши припал губами к груди Абрамович. По словам самой художницы, идея кадра возникла так: «Я спросила: признаешь ли ты, что искусство подпитывает моду идеями? Ну так вот, я искусство, ты мода — давай, соси! Он очень застенчивый, так что пришлось долго уговаривать. Но в конце концов получилось. Во время съемки я хотела прийти в определенное состояние духа — светлое, но исполненное силы, — как будто я передаю эмоции художника, чье творчество служит источником вдохновения. Искусство обогащает. Искусство питает. Искусство — кислород для общества».

Бывший дизайнер дома Givenchy Риккардо Тиши со своими музами и вдохновителями. Слева направо: Тиши, певица Сиара, актриса и певица Бамбу (Каролина фон Паулюс), модель Диего Фрагосо Калейрос Линс, актриса Лив Тайлер, стилист Панос Йапанис, модели Джонатан Маркес и Мариякарла Босконо, Марина Абрамович. Журнал W, сентябрь 2010 г.

ЭГОН ШИЛЕ Его экзистенциальная тоска была вполне оправданной — ведь он прожил совсем недолго. Он умер в 28 лет. Большинство современных художников в этом возрасте только заканчивают учебу… А он умер, и его жена, и многие его друзья. Если они не болели сифилисом, то умирали от туберкулеза или испанки либо гибли на Первой мировой. — Трейси Эмин. Онлайн-версия газеты Guardian, июнь 2017 г.

А

Напротив: Эгон Шиле на знаменитом фотопортрете Антона Йозефа Трчки, 1914 г.

180

встриец Эгон Шиле был для мира живописи тем же, что француз Артюр Рембо — для мира поэзии. Его образ подсказал Дэвиду Боуи обложку альбома Heroes (1977): заостренные черты, впалые щеки и необычный жест певца живо вызывают в памяти известный фотопортрет Шиле, который в 1914 г. снял Антон Йозеф Трчка. Созданные в начале ХХ в. картины Шиле смотрятся по-прежнему современно и влияют на творчество успешных фэшн-иллюстраторов, включая Дэвида Даунтона, Била Донована и Ричарда Хейнса. Британская художница Трейси Эмин влюблена в Шиле, которого открыла для себя в возрасте четырнадцати лет. Ее сразу заворожил магнетический, романтический мир его полотен: «Он так на меня повлиял, что самой смешно. Я рисовала вариации на темы Шиле… и многому научилась», — сказала Эмин

корреспонденту Guardian в 2017 г. Кроме того, Шиле — кумир вольнолюбивой молодежи мира моды. Работая при доме Yves Saint Laurent, Эди Слиман представлял удлиненные, хрупкие силуэты, будто сошедшие с полотен австрийского художника. На рекламных постерах весенне-летней мужской коллекции Слимана 2013 г. модель Саския де Брау — почти бесплотная в черном брючном костюме — с тревожным выражением лица жмется к стене, красиво вытянув тонкие, длинные пальцы. Вытянутые пальцы — характерный жест болезненно худых, изможденных моделей Шиле. Угловато-изящные формы Карла Лагерфельда тоже вызывают в памяти его образы, а в аскетичном фирменном стиле домов Acne и Lanvin крой костюмов и джинсов остроумно подогнан под линии Шиле — на радость разборчивому потребителю ХХI в. Родившийся в бедной семье Шиле всегда мечтал хорошо одеваться. В юности он вырезал из картона затейливые накладные воротнички, создавая броские образы с минимальными затратами. Ради модной обновки он готов был экономить даже на еде. По немногочисленным дошедшим до нас фотографиям хорошо видна его любовь к элегантным нарядам. На каждом снимке художник одет в костюм с рубашкой и галстуком: весьма обаятельный контраст с небрежно зачесанными волосами, которые иногда топорщились хулиганским ежиком. Шиле изображал себя таким, каким хотел В 1906 г., когда Шиле исполнилось выглядеть в глазах публики. На «Автошестнадцать, он поступил в венскую портрете с павлиньим жилетом» (1910) Академию изящных искусств, став он одет в жилет «явно с чужого плеча, самым юным учеником в ее истопотому что сам он был очень беден и жил рии. Однако вскоре художник бросил почти впроголодь со своей возлюбленной учебу и основал собственный круВалли Нойциль», — говорит искусствовед Клаус Альбрехт Шрёдер, директор жок под названием Neuekunstgruppe («Группа нового искусства»). венской галереи Альбертина, где в 2018 г. прошла выставка избранных работ Шиле. Далее Шрёдер поясняет: «Этот портрет — не отражение в зеркале, а фантазия. Художник воображает себя эталоном изящества, несущим миру спасение через искусство». «Автопортрет в рубашке» — еще один ранний образчик «селфи», весьма характерный для творчества Шиле. Юный живописец изображает себя подрастающим сердцеедом с губами Купидона и глазами олененка Бэмби, глядящими на зрителя из-под длинных опущенных ресниц.

182

Помимо себя Шиле нередко изображал девушек из бедных кварталов — худых, мужеподобных и сексуально раскрепощенных (полезное свойство, если учесть, что многие из них зарабатывали на жизнь, торгуя любовью). Тонкие черты, которые так нравились Шиле, не вписывались в тогдашние стандарты красоты: считалось, что здоровая и благополучная женщина должна быть сытой, статной, с округлыми формами. Хотя Шиле в первую очередь знаменит эротическими зарисовками обнаженной (или полуобнаженной) натуры, на многих его картинах можно заметить интригующие детали богемного гардероба, отличного от общепринятых фасонов эпохи, по-прежнему тяготевших к пастельным тонам и пышным оборкам. На портрете 1913 г. некая фройляйн Верндорфер изображена в блузе свободного современного покроя — в красный горошек, с рукавами в три четверти, вырезом-«лодочкой» и озорными пуговками на плече. В 1914 г. Шиле написал портрет Фредерики Марии Беер — светской львицы, искавшей внимания лучших художников своей эпохи, — в пестром платье-трубе длиной до щиколотки (практически в духе Missoni) и синем тюрбане. Шиле довелось попробовать себя и в качестве иллюстратора: в 1910 г. «Венские мастерские» заказали ему серию открыток с модными фасонами. Женские силуэты — неземной стройности, как и всегда у Шиле, — выписаны на них удивительно нежными, любовными штрихами. В этих образах нет привычного надрыва; в них чувствуется лишь стремление запечатлеть красоту. Город черный, и все в нем делается как будто механически. Я хочу побыть один. Я хочу отправиться в Богемский лес. Май, июнь, июль, август, сентябрь, октябрь. Я должен видеть и изучать что-то новое. Я хочу хлебнуть темной воды, увидеть, как деревья гнутся под бешеными порывами ветра. Я хочу изумленно глазеть на замшелые стены. Я хочу ощущать все на свете, слышать, как шелестит молодая березовая поросль, как трепещут листья; я хочу видеть зарю и солнце, упиваться вечерней благодатью синезеленых долин, подмечать, как блестит золотая рыбья чешуя, наблюдать, как в небе громоздятся белые башни облаков, говорить с цветами. — Эгон Шиле. Из письма к Антону Пешке, 1910 г.

183

Эгон Шиле. Автопортрет с павлиньим жилетом (1911)

К наследию Шиле обращаются многие кутюрье. В 2000 г. Джон Гальяно признался корреспонденту газеты New York Times: «Этот художник вдохновляет меня еще с ученических времен. Я вижу красоту и в психологическом аспекте, и в красках и линиях его картин». Трудно не заметить влияние Шиле в творениях самого Гальяно, созданных при доме Dior: после показа коллекции 2004 г. модельер сказал Саре Моуэр в интервью для Vogue: «За идеями я отправился в Вену и там как следует изучил Эгона Шиле». Коллекции Alexander McQueen 2013 г., подготовленные Сарой Бертон, навеяны яркими образами Густава Климта — учителя Шиле. Однако Бертон, по собственному признанию, горячо любит и самого Шиле; именно в его творчестве она изначально почерпнула идеи для коллекции. В осенне-зимней мужской коллекции Дриса ван Нотена 2007 г. обозреватель Хэмиш Боулз усмотрел «встречу Эгона Шиле с уличным шиком». В мае 2017 г. фотограф Тим Уокер провел съемку для культового британского журнала i-D. Предельно худощавые модели демонстри- В 2015 г. администрация лондонровали одежду от Gucci, Margiela и Гоши ского метрополитена отказалась Рубчинского. Все образы были композици- размещать на станциях рекламные онно выстроены в манере Шиле и отобра- постеры для выставки работ Шиле жали непреходящее обаяние его эстетики. в галерее Курто, сочтя их слишВ 2011 г. газета New York Times опуб- ком провокационными. ликовала рецензию на выставку Ричарда Аведона Photographer of Influence («Влиятельный фотограф») в Музее искусств округа Нассау. В этой статье сам Аведон объяснил, чем творчество Шиле актуально и притягательно для XXI в. По его словам, в произведениях австрийского художника есть «откровенность и многозначность, которые идут вразрез с традицией лести и обмана, свойственной портретной живописи». Воззрения и находки Шиле, столь прогрессивные для начала ХХ столетия, оказались востребованы и в конце века, когда нестандартная внешность и «альтернативная» красота начали вызывать острый интерес. Как показывают революционные фотообразы Юргена Теллера и Коринн Дей 1990-х, эта новая парадигма моды развивается в русле, проложенном Эгоном Шиле, и понемногу приучает нас к тому, что странное и непривычное может быть желанным.

ДЖОРДЖИЯ О’КИФФ О’Кифф довольна жизнью и пишет, как всегда, превосходно. Когда она садится в седло — в голубой блузе, черной жилетке и черной шляпе — и мчится навстречу грозовым тучам, это незабываемое зрелище, поверь моему слову. — Ансель Адамс. Из письма Альфреду Стиглицу, 1937 г.

В

Напротив: Джорджия О’Кифф, 1930 г.

186

творчестве Джорджии О’Кифф нет места излишествам: ее художественные высказывания смелы, прямолинейны и лаконичны на уровне смысла и эстетики. В живописи она многократно возвращалась к одним и тем же сюжетам. Ее гардероб был столь же однороден: художница поочередно носила несколько комплектов одежды, а когда находила понравившуюся вещь, надевала ее снова и снова. О’Кифф родилась в штате Висконсин в 1887 г.; более века спустя, в 2015 г., обозреватель американского Vogue дал ее элегантному, минималистичному стилю такое определение: «…монашеская простота на манер нашего Юго-Запада». В 2017 г. Бруклинский музей представил экспозицию ее нарядов, озаглавленную Living Modern («Жизнь на современный лад»). В интервью журналу AnOther куратор выставки Ванда Корн пояснила: «Нашей целью было изучить и показать, что носили женщины в тот период. Ведь О’Кифф вовсе не стремилась идти наперекор моде. Ей просто нравились… более аскетичные версии любых модных вещей».

О’Кифф и в 80 лет запросто убьет гремучую змею… Она ездит из нового дома в Абикиу в свой первый дом на Западе, Гоуст-Ранч, на машине с кондиционером, как все разумные жители западных штатов. Она встает рано, ест понемногу, имеет фигуру, которой позавидовали бы многие женщины вдвое моложе нее, носит одежду простых, классических фасонов… Ее никак не назовешь провинциальной; напротив, в своей изысканной сложности она всегда была современнее любого современника. — Юджин Гуссен. O’Keeffe. Американская версия Vogue, март 1967 г.

В 1950-е ее любимым дизайнером была Клер Маккарделл — «крестная мать» американской моды, возникшей в пику вычурным, гипертрофированно женственным парижским фасонам и зарождающемуся стилю New Look. Маккарделл предлагала простые, но изящные модели, делая ставку на практичность и комфорт. Ее силуэты идеально подходили Джорджии О’Кифф — особенно фирменные платья-халаты Маккарделл, В 1929 г. О’Кифф научилась впервые представленные в 1942 г. Именно водить автомобиль и купила их художница постоянно носила у себя на ранчо Ford модели А. Художница в штате Нью-Мехико, подхватив серебряным по- назвала свою машину Хелло. ясом от Гектора Агилара, изготовленным для нее в Таско. Часто платья были неожиданно яркими — В личной библиотеке О’Кифф в розовых или желтых тонах. Гардероб художницы имелось первое издание отнюдь не ограничивался черно-белыми комплек- модернистского романа тами, в которых мы видим ее на строгих «офици- Джеймса Джойса «Улисс». альных» портретах. Нередко О’Кифф заказывала копии понравившихся ей нарядов или шила нечто подобное сама. За мольбертом и на верховых прогулках она носила удобную, практичную рабочую одежду: джинсовые «двойки» (рубаху и штаны) с традиционной вышивкой индейцев навахо или блузы с этническими принтами, подвязанные тканым поясом с геометрическим узором. На одной из самых знаменитых фотографий художницы — с ковбоем Орвиллом Коксом — Ансель Адамс запечатлел ее в широкополой черной шляпе гаучо. На страницах модного журнала шляпа смотрится как экзотический аксессуар, однако она была необходима для защиты от палящего солнца Нью-Мехико. Стиль О’Кифф легко узнаваем и весьма характерен. Художница отличалась редким постоянством вкусов: предпочитала однотонную одежду свободного покроя — желательно с карманами — и серебряные броши или зажимы в качестве аксессуаров. Однако время от времени ее туалеты поражали новизной и смелостью. Овдовев (ее муж Альфред Стиглиц умер в 1946 г.), О’Кифф начала много путешествовать. В 1950-х, вернувшись из Испании, она привезла с собой костюм от модного дома Eisa. Это был первый дом Кристобаля Баленсиаги, основанный им еще до гражданской войны в Испании. Костюм был очень прост, но скроен с той феноменальной четкостью линий, которой и прославился Баленсиага. Этот блестящий, радикальный выбор показывает, как чутко Джорджия О’Кифф улавливала веяния моды.

189

Напротив: Джорджия О’Кифф в Нью-Мехико, апрель 1960 г.

В основе ее чувства стиля лежало прекрасное знание собственных вкусов и готовность им следовать. В начале 1900-х О’Кифф, вместе с горсткой передовых ценителей моды, стала коллекционировать и носить японские кимоно, так похожие на платья с запа́хом, которые она полюбит позже. В те же годы Поль Пуаре начал шить кимоно в Париже; освободив женщин от корсетов, он проторил путь Коко Шанель, окончательно избавившей женскую моду от обременительного наследия XIX в. Сама О’Кифф отказалась от корсетов в ранней молодости: они не позволяли носить легкую и практичную одежду, которую художница предпочитала с девичества. В последние годы жизни она пользовалась услугами венского ателье Knize; среди его клиентов числились эрцгерцоги из династии Габсбургов (все их заказы шились вручную; на один костюм приходилось семь тысяч стежков). Дом Knize изначально специализировался на мужской одежде и обратился к женским фасонам лишь в 1990-х, однако некоторые знаменитости, включая Марлен Дитрих и Джорджию О’Кифф, и прежде заказывали его портным жакеты, брюки и юбки. Эти изделия, великолепно пошитые из первоклассных шерстяных тканей, полностью отвечали взыскательному вкусу художницы. То, что они предназначались для мужского гардероба, не играло никакой роли: именно в таком образе она нравилась себе. Мир моды заинтересовался Джорджией О’Кифф на ранних этапах ее творческой карьеры. В 1924 г. журнал Vogue опубликовал статью о ней с фотографиями Альфреда Стиглица. Облик, запечатленный на этих знаменитых снимках, отличается от более позднего образа художницы, словно начало инь от начала ян. На ранних портретах у нее распущены волосы и соблазнительно подчеркнуты формы; она выглядит столь же свободной и раскованной, как в зрелые годы — суровой и целеустремленной. На протяжении всей ее жизни известные фотографы — включая Ричарда Аведона, Сесила Битона и Энни Лейбовиц — приглашали О’Кифф на съемки. Однако после смерти Стиглица она сама решала, в каком виде предстать перед камерой. Художница являла публике намеренно аскетичный, отстраненный образ до самой своей кончины в 1986 г. в возрасте девяноста восьми лет. В 1983 г., беседуя с Энди Уорхолом, она призналась, что как-то побывала в гостях у Элизабет Арден, которая уговорила ее сделать макияж. После этого художница, по ее собственным словам, «пришла домой, увидела себя в зеркале и устыдилась. Надо было как можно скорее умыться».

АНРИ МАТИСС Те, кто вкладывает в работу все силы души и горячее стремление выразить себя… именно они становятся большими художниками. — Анри Матисс. Из потерянного интервью 1941 г. с Пьером Куртийоном

А

Напротив: Анри Матисс в мастерской, 1913 г.

192

нри Матисс, выросший во французском городке Боэн-анВермандуа, с детства видел вокруг себя роскошные шелка, созданные ткачами его родного края. Неудивительно, что его всегда вдохновлял текстиль. Художник неизменно держал под рукой «рабочую библиотеку» — так он называл многочисленные образцы узорных тканей, которые использовал для подбора цветовой гаммы и мотивов, вкрапляя их фактуры и тона в свои произведения. В 2005 г. его коллекцию портьер, вышивки, французских и турецких костюмов и африканских настенных ковров выставил Метрополитен-музей; впервые показанные «вживую», они дают ясное представление о любви художника к текстилю, отображенной в названиях его картин: «Одалиска в красных шароварах», «Дама в синей шляпе», «Желтое платье» и «Женщина в полосатом пуловере». Капелла чёток в городке Ванс неподалеку от Ниццы — которую сам художник называл «главным делом своей жизни» — была полностью построена по эскизам Матисса, от желто-сине-зеленых витражей до резных дверей в исповедальне. Как он рассказал в 1949 г. в интервью журналу Vogue, капелла должна была стать «местом радости — церковью, в которой людям хорошо». Придуманные им облачения

Поглядите на этот портрет молодой женщины в шляпке со страусиным пером. Перо здесь служит украшением, это декоративный элемент, но его присутствие ощутимо почти физически. Кажется, мы чувствуем эту легкость, этот мягкий воздушный пух, который колышется от малейшего движения воздуха. Ткань ее блузы — совершенно особый материал. У его рисунка собственный уникальный характер. Мне хотелось разом запечатлеть индивидуальное и типичное, квинтэссенцию всего, что я вижу и чувствую, в одном мотиве. — Анри Матисс о своей картине «Белые перья» (1919). Джек Флам. Matisse on Art (1995)

для священников — в бодрых розовых, фиолетовых и зеленых тонах — изготовили в Каннской художественной школе местные портные и монахини доминиканского ордена. Эти одеяния напоминают золотистые, розовые и оранжевые костюмы, которые Матисс создал в 1919 г. для балета Сергея Дягилева «Песнь соловья». В интервью Джерому Секлеру (1946 г.) Матисс сказал: «Неприятности, горе надо держать при себе. Всегда можно найти что-то светлое». И его творчество как нельзя убедительнее подтверждает эту максиму. На исходе седьмого десятка Матисс начал создавать коллажи из обрезков бумаги. У него обнаружили рак кишечника, и новая техника (которую сам он называл «нарезкой цвета») возникла потому, что писать маслом художнику становилось все труднее. Навеянные любовью к «геометрическим тканям Заира» и раскрашенные гуашью, эти коллажи — иногда огромных размеров — вошли в число самых знаменитых Картину Матисса «Женщина в шляпе» работ Матисса и надолго прижились приобрели Гертруда и Лео Стайн в мире моды. Их простая визуальная сила после выставки фовистов в 1905 г. подсказала Иву Сен-Лорану идею осенне- Позже Матисс подарил мадам Стайн зимней коллекции 1980–1981 гг. Вечерние портрет своей жены Амели, добавив платья из черного бархата с аппликациями к нему шляпку, потому что писаиз атласных листьев и геометрических тельнице нравилось, как Амели фигур навеяны коллажами Матисса носит головной убор. «Венок» и «Улитка» (1953). В авторской новогодней открытке, выпущенной дизайнером в 1983 г., также отчетливо сквозит влияние Матисса. Сен-Лоран был его горячим поклонником и даже приобрел картину «Кукушки, голубой ковер и роза» (1911). Ее мотивы, символически выражающие любовь художника к природе, прослеживаются в коллекциях Сен-Лорана 1980-х. Кутюрье обращался и к картине «Румынская блуза» (1940): он в точности воспроизвел вышитую блузу модели и показал ее в комплекте с сапфирово-синей бархатной юбкой, как на холсте Матисса. Другие дизайнеры тоже ищут вдохновения в его творчестве. В коллекцию Вивьен Вествуд «Ностальгия по грязи. Buffalo Girls» (1982) входило платье-тога цвета охры — с длинным шлейфом и шоколадно-коричневым принтом, отсылающим к работам Матисса. Осенне-зимняя коллекция Comme des Garçons 2012 г. уверенно переносила находки Матисса в XXI в. Несомненно, художнику понравились бы смелые, яркие платья-коллажи.

195

По словам биографа Матисса, писательницы Хилари Сперлинг, в молодости художник часто носил красновато-коричневый костюм, который служил ему для «парадных выходов». На прогулки по улочкам Монпарнаса он отправлялся в потертой черной дубленке, надетой мехом наружу. Дома он обыкновенно ходил в пижаме; полосатый комплект, который он носил в мастерской, увековечен на картине «Разговор» (1909). Довершали образ забрызганные краской белые робы и очки в черепаховой оправе. Однако к пятидесяти годам Матисс уже мог позволить себе роскошь. В 1919 г., когда Одним из первых покровителей шведский искусствовед Рагнар Хоппе брал Матисса был русский фабриу художника интервью, тот явился на встречу кант и благотворитель Сергей «в сером костюме, скроенном по последней Щукин — один из самых влимоде… Цвет шейного платка и мягкой шелятельных коллекционеров искусковой сорочки, несомненно, подбирался долго ства в Европе. Он неоднократно и тщательно». В книге «Анри Матисс: нестанзаказывал художнику картины дартный модернист» (Henri Matisse: и поддерживал его на ранних Modernist Against the Grain. Penn State этапах творческой карьеры. University Press, 2010) Кэтрин Бок-Вайсс предполагает, что с годами художник решил создать себе серьезный, «ученый» образ. Снимки, сделанные его сыном Пьером во время поездки в США, кажется, подтверждают эту гипотезу. В октябре 1930 г. журнал Time разместил на обложке фотографию Матисса, которому тогда исполнилось шестьдесят. Художник, повернувшийся к камере в профиль и удивительно моложавый для своих лет, одет в белую рубашку с распахнутым воротом, что для него совсем не характерно. Бок-Вайсс полагает, что Матисс хотел предстать перед публикой мужчиной в расцвете сил, готовым к дальнейшим свершениям. До самых последних дней Матисс жил, окруженный яркими красками, и как будто подпитывался от них энергией. В 1949 г., после восьмидесятого дня рождения, он дал журналу Vogue интервью, «сидя в красной кровати, одетый в бирюзовый джемпер с галстуком… и укрытый желто-красным одеялом». После операции на кишечнике он передвигался в инвалидной коляске, зрение у него слабело. Однако художник по-прежнему рисовал — кистью, привязанной к длинной палке.

196

Модель в наряде, навеянном коллажами Матисса, из осенне-зимней коллекции Comme des Garçons 2012–2013 гг. Париж, март 2012 г.

БИБЛИОГРАФИЯ Abramovic M. An Intellectual Fashion: Marina Abramovic / M. Abramovic // AnOther. 2010. December 13. URL: anothermag.com/fashion-beauty/680/marina-abramovic. Abramovic M. Embracing Fashion: Marina Abramovic / M. Abramovic // Art 21. 2012. May 11. URL: art21. org/watch/extended-play/marina-abramovic-embracing-fashion-short/. Adams B. Spring 2013 Ready-to-Wear: Daniel Vosovic / B. Adams // Vogue. 2012. October 15. URL: vogue.com/fashion-shows/spring-2013ready-to-wear/daniel-vosovic. Adams J. Marina Abramovic: «I’ve Always Been a Soldier» / J. Adams // The Talks. 2012. June 13. URL: the-talks.com/interview/marina-abramovic/. Adams T. Cindy Sherman: «Why am I in these photos?» / T. Adams // Guardian. 2016. July 3. URL: theguardian.com/artanddesign/2016/ jul/03/cindy-sherman-interview-retrospective-motivation. Adburgham A. Fashion archive: Cecil Beaton’s testament of fashion / A. Adburgham // Guardian. 2014. September 22. URL: theguardian.com/ fashion/2014/sep/22/fashion-cecil-beaton-anthology-v-a. Ades D. Hannah Höch: Works on Paper. Munich: Prestel / D. Ades, D. F. Hermann // Random House. 2014. URL: randomhouse. de/ leseprobe/Hannah-Hoech-Works-on-Paper/ leseprobe_9783791353432. pdf. Aitkenhead D. Steve McQueen: my hidden shame / D. Aitkenhead // Guardian. 2014. January 4. URL: theguardian.com/film/2014/jan/04/ steve-mcqueen-my-painful-childhood-shame. Alison Jacques Gallery. Robert Mapplethorpe: Fashion Show // Alison Jacques Gallery. 2013. URL: alisonjacquesgallery.com/exhibitions/98/ overview/. Allen G. This Louise Bourgeois Shackle Necklace By Chus Burés Has No Title / G. Allen // Greg.org. 2016. August 4. URL: greg.org/ archive/2016/08/04/this_louise_bourgeois_ shackle_necklace_by_chus_bures_has_no_title. html. Alloway L. The World Is a Painting: Rauschenberg / L. Alloway // Vogue. 1965. October 15. Allwood E. H. Rick Owens: «I have to contribute beauty to the world» / E. H. Allwood // Dazed. 2015. October 2. URL: dazeddigital.com/fashion/article/26814/1/rickowens-on-the-inspiration-behind-his-humanharnesses. Andersen C. Remembrance of an Open Wound: Frida Kahlo and Post-revolutionary Mexican Identity / C. Andersen // South Atlantic Review. 2009. Vol. 74, № 4. P. 119–130. URL: www.jstor.org/stable/41337719. Anderson A. The Collectors: Robert Mapplethorpe — An Eye for Tomorrow’s Taste / A. Anderson // Vogue. 1985. March.

198

Anderson K. 20 Surreal Fashions to Fall Hard For, From Dalí to Magritte / K. Anderson // Vogue. 2015. November 20. URL: vogue.com/article/ surreal-fashion-runway-salvador-dali-schiaparelli. An Uncommon Vision: The Des Moines Art Center / N. D. Benezra, F. Schulze, L. Rosenfield Noun [et al.]. Manchester, VT: Hudson Hills, 1998. Archives of American Art. Oral history interview with Louise Nevelson. January 30, 1972. URL: aaa.si.edu/collections/interviews/oral-history-interview-louise-nevelson-13163. Art Quotes. Tamara de Lempicka Quotes // Art Quotes. URL: art-quotes.com/auth_search. php?authid=6877#.W0NZ8vZFzIU. Arts and Entertainment, All Hail Hockney // Vogue. 2017. January 30. URL: vogue.co.uk/article/david-hockney-exhibition-from-vogue-february-issue. Artspace. Elizabeth Peyton. Undated. URL: artspace.com/elizabeth_peyton. Artspace. Robert Mapplethorpe: American Photographer. The Art Story. URL: theartstory.org/artist-mapplethorpe-robert-artworks. htm#pnt_1. Ascari A. Cover Story: Vanessa Beecroft / A. Ascari // Kaleidoscope. 2016. Winter. Bade P. Lempicka / P. Bade. New York: Parkstone International, 2006. Bagley M. Marc Jacobs / M. Bagley // W. 2007. November 1. URL: wmagazine.com/story/ marc-jacobs-2. Baldwin T. Depictions of and Challenges to the New Woman in Hannah Höch’s Photomontage / T. Baldwin // Things Created by People. 2015. April 20. URL: thingscreatedbypeople.com/ zine/depictions-of-and-challenges-to-the-newwoman-in-hannah-hochs-photomontage. Barbato R. Robert Mapplethorpe: Look at the Pictures / R. Barbato, F. Bailey. HBO Documentary Films, 2016. Barnett L. Portrait of the artist: Steve McQueen, artist and film-maker / L. Barnett // Guardian. 2009. September 14. URL: theguardian.com/artanddesign/2009/sep/14/ steve-mcqueen-artist-filmmaker. Bartlett D. FashionEast: The Spectre that Haunted Socialism / D. Bartlett. Cambridge: MIT Press, 2010. Basquiat J.-M., Mayer M., Hoffman F., eds. Basquiat. London and Brooklyn, New York: Merrell Publishers / Brooklyn Museum, 2005. BBC-TV. Marcel Duchamp 1968 BBC interview. Posted by Dennis Liu, April 21, 2013. URL: youtube.com/watch?v=Bwk7wFdC76Y. Beaton C. Fashion, «Spring Ball Gowns» / C. Beaton // Vogue. 1951. Beecroft V. VB16 Piano Americano-Beige. Jeffrey Deitch (blog post), January 1996 / V. Beecroft. URL: deitch.com/deitch-projects/ vb16-piano-americano-beige.

Belcove J. The Bazaar World of Dalí. The wildly imaginative Dalí led a life as surreal as his work / J. Belcove // Harper’s Bazaar. 2012. December 19. URL: harpersbazaar.com/culture/features/ g2436/salvador-dali-profile-1212/?slide=1. Belinky B. Four things you never knew about Leigh Bowery / B. Belinky // Dazed. 2015. May 28. URL: dazeddigital.com/fashion/article/24888/1/four-things-you-never-knew-aboutleigh-bowery. Bernier R. People and Ideas: Matisse Designs a New Church / R. Bernier // Vogue. 1949. Bhattacharya S. David Hockney: What I’ve Learned / S. Bhattacharya // Esquire. 2016. February 6. URL: esquire.com/uk/culture/news/ a10072/david-hockney-what-ive-learned/. Bisson S. The Rodchenkos’ Circle. Stylish People / S. Bisson // Urbanautica. URL: urbanautica.com/review/the-rodchenkoas-circle-stylish-people/39. Blanks T. Spring 2008 Menswear, «Ann Demeulemeester» / T. Blanks // Vogue. 2007. June 30. URL: vogue.com/fashion-shows/spring2008-menswear/ann-demeulemeester. Blanks T. Spring 2016 Menswear, «Rick Owens» / T. Blanks // Vogue. 2015. June 25. URL: vogue.com/fashion-shows/spring-2016-menswear/rick-owens. Bock-Weiss C. Henri Matisse: Modernist Against the Grain / C. Bock-Weiss. University Park: Pennsylvania State University Press, 2009. Boré B. S. Deconstructing Paris AW15: What does Joseph Beuys have in common with the Paris menswear shows? / B. S. Boré // Dazed. 2015. January 27. URL: dazeddigital.com/fashion/article/23389/1/deconstructing-paris-aw15. Bowles H. The Individualists, «Poetic Bohemia» / H. Bowles // Vogue. 2007. May 1. Boy George. Leigh Bowery by Boy George // Paper. 2005. November 1. URL: papermag.com/ leigh-bowery-by-boy-george-1425181672. html. Bradley L. Marina and Tisci: Dancing on the Edge / L. Bradley // Dazed. 2013. August 9. URL: dazeddigital.com/artsandculture/ article/16836/1/marina-and-tisci-dancing-onthe-edge. Bravo T. The Wearable-Haring Pioneers: Keith Haring Continues to Draw Followers / T. Bravo // San Francisco Chronicle. 2014. December 13. URL: sfgate.com/living/article/The-wearable-Haring-pioneers-Keith-Haring-5949088. php. Brockes E. Jeff Koons: «People respond to banal things — they don’t accept their own history» / E. Brockes // Guardian. 2015. July 5. URL: theguardian.com/artanddesign/2015/jul/05/ jeff-koons-people-respond-to-banal-things-theydont-accept-their-own-history. Brown L. Cindy Sherman: Street-Style Star / L. Brown // Harper’s Bazaar. 2016. February 9. URL: harpersbazaar.com/culture/features/ a14005/cindy-sherman-0316/.

Brown S. The Art of Yves Saint Laurent: Catherine Elkies’ Perspective / S. Brown // Denver Post. 2012. May 17. URL: blogs.denverpost.com/style/2012/05/17/art-yvessaint-laurent/16182/. Bryant Jr. K. L. Genteel Bohemian from Indiana: The Boyhood of William Merritt Chase / Jr. K. L. Bryant // Indiana Magazine of History. 1985. March. URL: scholarworks.iu.edu/journals/index. php/imh/article/view/10601. Burnley I. Simone Rocha on Louise Bourgeois / I. Burnley // Dazed. 2015. March 1. URL: dazeddigital.com/fashion/article/17160/1/exclusive-simone-rocha-vs-louise-bourgeois. Camhi L. Designed for Living / L. Camhi // New York Times. 2007. April 15. URL: nytimes.com/2007/04/15/style/tmagazine/15tlouise.html?mcubz=1. Camhi L. Grand Gestures / L. Camhi // Vogue. 2005. November. Casley-Hayford A. Top 10 Warhol Inspired Collections / A. Casley-Hayford // Hunger. 2015. October 6. URL: hungertv.com/feature/ top-ten-andy-warhol-inspired-collections/. Caws M. A. Pablo Picasso / M. A. Caws. London: Reaktion Books, 2005. Caws M. A. Salvador Dalí / M. A. Caws. London: Reaktion Books, 2008. Chadwick A. The Legend of Leigh Bowery / A. Chadwick, M. Brand // Day to Day. NPR. 2003. November 28. URL: npr.org/templates/story/ story. php?storyId=1524768. Chan K. Belle Haleine: Marcel Duchamp’s Readymade Perfume Bottle / K. Chan // MadPerfumista. 2012. April 16. URL: madperfumista.com/2012/04/16/everything-iscoming-up-roses-marcel-duchamps-readymadeperfume-bottle/. Chilvers S. Robert Rauschenberg: the quiet minimalism of a style hero / S. Chilvers // Guardian. 2016. August 1. URL: theguardian.com/ fashion/2016/aug/01/robert-rauschenberg-quiet-minimalism-style-hero. Chipp H. B. Theories of Modern Art: A Source Book by Artists and Critics / H. B. Chipp P. Selz, J. C. Taylor. Berkeley: University of California Press, 1984. Christobel S. 24 Hours with artist Marina Abramovic / S. Christobel // Harper’s Bazaar Australia. 2017. February 1. URL: pressreader.com/australia/harpers-bazaar-australia/20170201/281698319397863. Chu C. 8 Things That Will Change the Way You Think About Egon Schiele / C. Chu // Artnet News. 2015. June 12. URL: news.artnet.com/ market/7-things-to-know-egon-schiele-305958. Claridge L. Tamara de Lempicka: A Life of Deco and Decadence / L. Claridge. New York: Clarkson Potter, 1999. Clarke N. Show’s lost berets at the ICA paint a picture of Pablo Picasso’s influence on Britain / N. Clarke // Independent. 2013. November 24. URL: independent.co.uk/arts-entertain ment/ art/news/show-s-lost-berets-at-the-ica-painta-picture-of-pablo-picassos-influence-on-britain-8960894.html. Clothing and Fashion: American Fashion from Head to Toe / J. Blanco, P. K. Hunt-Hurst H.

Vaughan Lee, M. Doering. Santa Barbara, CA: ABC-CLIO, 2015. Colacella B. When Robert Mapplethorpe Took New York / B. Colacella // Vanity Fair. 2016. March. URL: vanityfair.com/culture/2016/03/ robert-mapplethorpe-new-york. Collins A. F. Diary of a Mad Artist / A. F. Collins // Vanity Fair. 1995. September. URL: vanityfair.com/culture/1995/09/frida-kahlo-diego-rivera-art-diary. Comme des Garçons, Vogue Fete Tokyo Store // WWD. 2009. May. URL: wwd.com/fashion-news/fashion-scoops/comme-des-garconsvogue-fete-tokyo-store-2147500/. Cook R. The Observer, Louise Bourgeois, «My Art Is a Form of Restoration» / R. Cook // Guardian. 2008. October 14. URL: theguardian.com/ artanddesign/2007/oct/14/art4. Cotter H. Art Review, «Fluffing Up Warhol: Where Art and Fashion Intersect» / H. Cotter // New York Times. 1997. November 7. URL: nytimes.com/1997/11/07/arts/art-review-fluffingup-warhol-where-art-and-fashion-intersect.html. Cox N. Picasso and Politics / N. Cox // Tate Etc. Issue 19 (Summer 2010). 2010. May 1. URL: tate.org.uk/context-comment/articles/ peace-and-politics-freedom. Crane TV. Egon Schiele: The Radical Nude // Crane.tv. URL: crane.tv/egon-schiele. Crimmens T. Five minutes with Marina Abramovic / T. Crimmens // Elle. 2014. July 11. URL: elle.com/uk/fashion/celebrity-style/ articles/a22301/five-minutes-with-marina-abramovic-performance-artist-serpentine-gallery-512-hours/. Cumming L. The Observer: Art, «Hannah Höch — Review» / L. Cumming // Guardian. 2014. January 13. URL: theguardian.com/ artanddesign/2014/jan/13/hannah-hoch-whitechapel-review. Cutler E. P. Art + Fashion: Collaborations and Connections Between Icons / E. P. Cutler J. Tomasello. San Francisco: Chronicle Books, 2015. Dada in the Collection of the Museum of Modern Art / eds. A. Umland, A. Sudhalter. New York: Museum of Modern Art, 2008. Dalí P. Dalí & Fashion. Espace Dalí / P. Dalí. URL: daliparis.com/en/salvador-dali/dali-andfashion. Dalí S. Costume do ano 2045, 1949–1950 / P. Dalí // MASP (Museu de Arte de São Paolo). URL: masp.org.br/busca?search=Dali. Danchev A. Picasso’s Politics / A. Danchev // Guardian. 2010. May 8. URL: theguardian.com/ artanddesign/2010/may/08/pablo-picasso-politics-exhibition-tate. Dannatt A. Dalí in Manhattan / A. Dannatt // Beyond: The St. Regis Magazine. 2017. URL: magazine.stregis.com/the-surreal-life-of-daliin-new-york/. Darwent C. Louise Bourgeois: Inventive and influential sculptor whose difficult childhood informed her life’s work: Obituary / C. Darwent // Independent. 2010. June 1. URL: independent.co.uk/news/obituaries/ louise-bourgeois-inventive-and-influential-sculptor-whose-difficult-childhood-informed-her-lifes-1988691.html.

De Lempicka T. // artquotes.com. URL: artquotes.com/auth_search. php?authid=6877#. WmIbxVKcbR1. Deitch Projects. Paradise Garage // The Paradise Garage exhibition catalogue, 2001. Keith Haring Foundation. URL: haring.com/!/selected_writing/paradise-garage#.Wh1QEFVl_IU. Dillon B. Hannah Höch: art’s original punk / B. Dillon // Guardian. 2014. January 9. URL: theguardian.com/artanddesign/2014/jan/09/hannah-hoch-art-punk-whitechapel. D’Orgeval D. Macaparana: Chus Burés, A Dialogue between Art & Design / D. D’Orgeval // Marlborough Monaco Gallery (exhibition catalogue). 2014. March 31. URL: abstractioninaction.com/happenings/macaparana-chus-bures-dialogue-art-design/. Dorment R. Matisse the materialist / R. Dorment // Telegraph. 2005. March 9. URL: telegraph.co.uk/culture/art/3638423/ Matisse-the-materialist.html. Duchamp M. The Writings of Marcel Duchamp / M. Duchamp; ed. by M. Sanouillet, E. Peterson. Boston: Da Capo Press, 1973. Duffy E. Scots designer to launch pop art fashion line with Kanye West / E. Duffy // STV News. 2016. November 2. URL: stv.tv/news/ features/1371635-scots-designer-to-launch-popart-fashion-line-with-kanye-west/. Duffy J. H. Reading Between the Lines: Claude Simon and the Visual Arts / J. H. Duffy. Liverpool: Liverpool University Press, 1998. Editors of ARTnews. Artist, Academic, Shaman: Joseph Beuys on His Mystical Objects, in 1970 // ARTnews. 2015. March 20. URL: artnews.com/2015/03/20/academic-artist-scholar-shaman-joseph-beuys-on-his-mystical-objects-in-1970/. Edwards G. Lorca, Buñuel, Dalí: Forbidden Pleasures and Connected Lives / G. Edwards. London: I. B. Tauris, 2009. Elkann A. Elizabeth Peyton / A. Elkann // Alain Elkann Interviews, August 25, 2014. URL: alainelkanninterviews.com/elizabeth-peyton/. Epps P. Why Egon Schiele is one of art’s greatest provocateurs / P. Epps // Dazed. 2017. June 19. URL: dazeddigital.com/artsandculture/ article/36384/1/why-egon-schiele-is-one-of-artsgreatest-provocateurs. Erdem Takes a Stroke from Jackson Pollock // Interview. 2011. February 22. URL: interviewmagazine.com/fashion/erdem-fall2011-london. Fage C. Who is Vanessa Beecroft, the artist adored by Kanye West and the fashion world? / C. Fage // Numero. 2017. March 13. URL: numero.com/en/art/who-is-vanessa-beecroftthe-artist-adored-by-kanye-west-and-the-fashion-world. Fashion, Dali Prophesies «Mobile» Jewels // Vogue. 1939. January. Fashions in Living, Vogue’s Decorating Finds and Ideas for Fashions in Living: Action Decorating: Cecil Beaton’s Idea // Vogue. 1968. Fashion Institute of Technology. 2009 Couture Council Award for Artistry of Fashion: Dries van Noten // The Museum at FIT. 2009. URL: fitnyc. edu/museum/support/couture-council/ dries-van-noten.php.

199

Fashion, Picasso paintings on display // Vogue. 1940. January 1. Feitelberg R. Costume National in Collaboration With Marina Abramovic / R. Feitelberg A. Turra // WWD. 2014. December 29. URL: wwd.com/fashion-news/fashion-scoops/ just-heavenly-8086056/. Feitelberg R. Q&A: Yayoi Kusama, Pop Artist / R. Feitelberg // WWD. 2012. July 10. URL: wwd.com/fashion-news/designer-luxury/kusamareturns-to-new-york-6063142/. Felder R. Beyond Studio 54: Halston and Andy Warhol / R. Felder // Financial Times. 2014. May 9. URL: ft.com/content/6d42c4ee-d21c-11e397a6-00144feabdc0. Ferrier M. Louise Bourgeois — the reluctant hero of feminist art / M. Ferrier // Guardian. 2016. March 14. URL: theguardian.com/ lifeandstyle/2016/mar/14/louise-bourgeois-feminist-art-sculptor-bilbao-guggenheim-women. Fondazione Prada. On 9 May 2015, Fondazione Prada Opens Its New Permanent Milan Venue and Presents a New Exhibition in Venice // Fondazione Prada. 2015. URL: fondazioneprada.org/ wp-content/uploads/Fondazione-Prada_In-Part_ Press-release.pdf. Freeland C. Portraits and Persons / C. Freeland. Oxford: Oxford University Press, 2010. Fretz E. Jean-Michel Basquiat: A Biography / E. Fretz. Westport, CT: Greenwood Publishing Group, 2010. Friedman B. H. An Interview with Lee Krasner Pollock / B. H. Friedman // Jackson Pollock: Black and White (exhibition catalogue). New York: Marlborough-Gerson Gallery, 1969. URL: moma.org/documents/moma_catalogue_226_300198614. pdf. Frigeri F. How Matisse made his masterpiece: the Vence Chapel / F. Frigeri // Tate. 2014. September 1. URL: tate.org.uk/context-comment/blogs/how-matisse-made-his-masterpiecevence-chapel. Frowick L. Fashion Forward Leadership: Halston for the Girl Scouts of the USA / L. Frowick // Halston Style on Display. 2017. October 8. URL: halstonstyle.com/halston-archivesgirlscouts-blog/. Fuentes C. The Diary of Frida Kahlo: An Intimate Self-Portrait (Introduction) / C. Fuentes. New York: Harry N. Abrams, 1995. Futurism. Didier Ottinger. Milan: Centre Pompidou: 5 Continents Editions, 2008. Gajo P. Q&A: 5 minutes with Erdem / P. Gajo // Fashion. 2011. August 31. URL: fashionmagazine.com/fashion/5-minutes-with-erdem/. Geldzhaler H. Basquiat, From the Subways to Soho / H. Geldzhaler // Interview, January 1983. Reposted as New Again, Jean-Michel Basquiat, April 18, 2012. URL: interviewmagazine.com/ art/jean-michel-basquiat-henry-geldzahler. Gingeras A. Takashi Murakami / A. Gingeras // Interview. 2010. July 15. URL: interviewmagazine.com/art/takashi-murakami. Girst T. The Duchamp Dictionary / T. Girst, L. Frost, T. Vandling. London: Thames & Hudson, 2014. Girst T. Marcel Duchamp: a riotous A–Z of his secret life / T. Girst, L. Frost, T. Vandling //

200

Guardian. 2014. April 7. URL: theguardian.com/ artanddesign/2014/apr/07/marcel-duchamp-artist-a-z-dictionary. Glimcher A. Oral history interview with Louise Nevelson. January 30, 1972 / A. Glimcher // Smithsonian Archives of American Art. URL: aaa.si.edu/download_pdf_transcript/ajax?record_ id=edanmdm-AAADCD_oh_212133. Goodyear A. C. Marcel Duchamp: Meditations on the Identities of an Artist / A. C. Goodyear J. W. McManus. Washington, DC: Smithsonian Institution Scholarly Press, 2014. Gould H. The journey towards more sustainable rubber leads to Russian dandelions / H. Gould // Guardian. 2015. November 6. URL: theguardian.com/sustainable-business/2015/ nov/06/rubber-tyres-russian-dandelions-sustainability-timberland-shoes-waste. Green A. People Are Talking About: Theater. Outtakes / A. Green // Vogue. 2003. November. Gruen J. Keith Haring: The Authorized Biography / J. Gruen. Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall & IBD, 1992. Gumble A. Julian Schnabel: Art of the possible / A. Gumble // Independent. 2008. February 23. URL: independent.co.uk/news/people/profiles/ julian-schnabel-art-of-the-possible-786136. html. Gurewitsch M. David Hockney and Friends / M. Gurewitsch // Smithsonian. 2016. August. URL: smithsonianmag.com/arts-culture/david-hockney-and-friends-124133487/. Haden-Guest A. Burning Out / A. Haden-Guest // Vanity Fair. 2014. April 2. URL: vanityfair.com/ news/1988/11/jean-michel-basquiat. Hannan J. Dries van Noten on the Art that Inspired Him / J. Hannan // Sleek 54. 2017. Summer. URL: sleek-mag.com/2017/06/21/ dries-van-noten-favorite-artworks/. Harding L. My granddad the clown / L. Harding // Guardian. 2010. February 10. URL: theguardian.com/artanddesign/2009/feb/10/ tate-modern-modernism. Haring K. Keith Haring Journals (Penguin Classics Deluxe Edition) / K. Haring; R. F. Thompson (Introduction), S. Fairey (Foreword). New York: Penguin Random House, 2010. Harper G. Five Things You Might Not Know About Louise Bourgeois / G. Harper // AnOther. 2015. March 20. URL: anothermag.com/art-photography/7170/five-things-you-might-not-knowabout-louise-bourgeois. Harris L. S. Around Washington Square: An Illustrated History of Greenwich Village / L. S. Harris. Baltimore, MD: Johns Hopkins University Press, 2003. Harvey M. Costume drama: photographer Fergus Greer talks about capturing the bold, pioneering work of the late performance artist Leigh Bowery / M. Harvey // Advocate. 2002. October 29. Heide Education. Louise Bourgeois at Heide // Heide Museum of Modern Art. 2012. URL: d2x6fvmwptmao1.cloudfront.net/cdn/farfuture/ vTV-tVDKv4K2i9PuzzAqLKpIis_5gxwxRYgOkI1qJ0Q/mtime:1444181197/sites/default/ files/HeideEdResourceLouiseBourgeoisAtHeide_opt.pdf.

Hellyer I. Calvin Klein just secured access to totally unseen Warhol artworks / I. Hellyer // i-D. 2017. November 29. URL: i-d.vice.com/en_ uk/article/mb3mmb/calvin-klein-just-securedaccess-to-totally-unseen-warhol-artworks. Henestrosa C. Appearances Can Be Deceiving: Frida Kahlo’s Wardrobe / C. Henestrosa // Museo Frida Kahlo. URL: museofridakahlo.org.mx/assets/files/page_files/ document/133/FILE_2_4. pdf. Henry Matisse Biography. URL: henrimatisse.org. Herrera H. Art View, Why Frida Kahlo Speaks to the 90’s / H. Herrera // New York Times. 1990. October 28. URL: nytimes.com/1990/10/28/arts/ art-view-why-frida-kahlo-speaks-to-the-90-s. html?pagewanted=all. Herrera H. Frida: A Biography of Frida Kahlo / H. Herrera. New York: Harper Perennial, 2002. Höch H. A Few Words on Photomontage / H. Höch // Art of the Twentieth Century: A Reader / ed. by J. Gaiger, P. Wood. New Haven: Yale University Press, 2003. Hodge D. Joseph Beuys: Felt Suit 1970 / D. Hodge // The Tate website. URL: tate.org.uk/art/artworks/beuys-felt-suit-ar00092. Holgate M. View, Dancer from the Dance / M. Holgate // Vogue. 2011. September. Horyn C. Givenchy’s Spectacular 9/11 Fashion Show Actually Worked / C. Horyn // The Cut. 2015. September 12. URL: thecut.com/2015/09/ givenchys-spectacular-911-fashion-show worked. html. Horyn C. The Real Cindy Sherman / C. Horyn // Harper’s Bazaar. 2012. January 11. URL: harpersbazaar.com/culture/art-books-music/ interviews/g1802/cindy-sherman-artist-interview-0212/?slide=1. Howard J. A Host with a Genius for Jarring Juxtapositions / J. Howard // Life. 1966. December 9. Huntsman Savile Row. A Life in Fashion: The Wardrobe of Cecil Beaton. Undated. URL: huntsmansavilerow.com/a-life-in-fashion-thewardrobe-of-cecil-beaton/. Hyde, S. How Egon Schiele Went From Radical Punk to Respected Artist / S. Hyde // Artnet News. 2017. February 27. URL: news.artnet.com/exhibitions/new-vienna-exhibition-challenges-our-perception-of-egon-schiele-871616. Hyland V. Watch a Day at London Fashion Week With Leigh Bowery in 1986 / V. Hyland // The Cut. 2015. April 21. URL: thecut.com/2015/04/ watch-a-day-at-lfw-with-leigh-bowery-in-1986. html. In Conversation with Patti Smith: How Frida Kahlo’s Love Letter Shaped Romance for Punk Poet Patti Smith // Smithsonian. 2016. January. URL: smithsonianmag.com/smithsonian-institution/how-frida-kahlos-love-lettershaped-romance-punk-poet-laureate-pattismith-180957682/. Interview contributors. Cindy Sherman // Interview. 2008. November 23. URL: interviewmagazine.com/culture/cindy-sherman#_. Is Fashion an Art? / N. Norell, L. Nevelson [et al.] // Metropolitan Museum of Art Bulletin.

URL: metmuseum.org/pubs/bulletins/1/ pdf/3258881.pdf.bannered.pdf. Jackson B. Rei Kawakubo and Louise Bourgeois Come Together In Our Newest Window Installation / B. Jackson // The Window. Barneys.com. 2017. May 1. URL: thewindow.barneys.com/reikawakubo-louise-bourgeois-comme-des-garcons/. Jackson Pollock: Interviews, Articles, and Reviews / ed. P. Karmel. New York: Museum of Modern Art, 1999. URL: moma.org/documents/ moma_catalogue_226_300198614. pdf. Jacobs L. See Karlie Kloss, Cate Blanchett and More in These Breathtaking Watercolors / L. Jacobs // Vanity Fair. 2015. August 10. URL: vanityfair.com/culture/2015/08/ david-downton-illustrations-fashion-karlie-kloss-cate-blanchett. Jana R. The powerful personal style of Frida Kahlo / R. Jana // Dazed. 2017. April 28. URL: dazeddigital.com/fashion/article/35745/1/ frida-kahlo-fashion-style-clothing-nikolas-muray-portraits. The Joan Rivers Show. Club kids interview [Leigh Bowery et al.] / Posted by S. Carrie. 2006. February 20. URL: youtube.com/watch?v=aAm1RcsCOEg. Johnson K. Beautiful People Caught in Passivity by Peyton and Warhol / K. Johnson // New York Times. 2008. August. URL: nytimes.com/2006/08/18/arts/design/18peyt. html?n=Top/Reference/Times%20Topics/ People/P/Peyton,%20Elizabeth?ref=elizabethpeyton. Johnson K. Niki de Saint Phalle, Sculptor, Is Dead at 71 / K. Johnson // New York Times. 2002. May 23. URL: nytimes.com/2002/05/23/ arts/niki-de-saint-phalle-sculptor-is-dead-at-71. html. Johnstone N. The Observer, Dare to bare / N. Johnstone // Guardian. 2005. March 13. URL: theguardian.com/artanddesign/2005/mar/13/art. Jones J. «He took sex to the point of oblivion»: Tracey Emin on her hero Egon Schiele / J. Jones // Guardian. 2017. June 16. URL: theguardian.com/artanddesign/2017/jun/16/ tracey-emin-vienna-expressionist-egon-schieleall-his-angst-made-sense. Jones J. Joseph Beuys: Bits and Pieces / J. Jones // Guardian. 2002. April 2. URL: theguardian.com/artanddesign/2002/apr/03/art. artsfeatures1. Kaplan J. // Big New York. 1996. August 12. Karimzadeh M. Wearable Art / M. Karimzadeh // W. 2008. October 1. URL: wmagazine.com/ story/versace-jewels. Keh P.-R. Who’s hue: Warby Parker puts Robert Rauschenberg in the frame / P.-R. Keh // Wallpaper. 2017. May 25. URL: wallpaper.com/fashion/ warby-parker-robert-rauschenberg-roci-sunglasses-collection. Kiaer C. Rodchenko in Paris / C. Kiaer // MIT Press. 1996. October 75. P. 3–35. Kimmelman M. Dada Dearest: An Artist Alone with Her Work / M. Kimmelman // New York Times. 1997. February 28. URL: nytimes.com/1997/02/28/arts/dada-dearest-anartist-alone-with-her-calling.html?mcubz=1. Kimmelman M. Robert Rauschenberg, American Artist, Dies at 82 / M. Kimmelman

// New York Times. 2008. May 14. URL: nytimes.com/2008/05/14/arts/design/14rauschenberg.html. Kimmelman M. The Secret of My Excess. Robert Rauschenberg, America’s Most Irrepressible Artist, Spills the Beans to Michael Kimmelman / M. Kimmelman // The Guardian. 2000. September 9. Kolesnikov-Jessop S. Julian Schnabel Painting Inspired Victoria Beckham’s Latest Collection / S. Kolesnikov-Jessop // Blouin Artinfo. 2014. May 11. Kotz M. L. Rauschenberg: Art and Life / M. L. Kotz. New York: Harry N. Abrams, 1990. LaBouvier C. The meaning and magic of Basquiat’s clothes / C. LaBouvier // Dazed. 2017. February 16. URL: dazeddigital.com/fashion/ article/34691/1/jean-michel-basquiat-fashionand-sense-of-style. Larocca A. The Bodies Artist / A. Larocca // The Cut. 2016. August 9. URL: thecut.com/2016/08/ vanessa-beecroft-bodies-artist.html. La Ferla R. Art, and Handbags, for the People / R. La Ferla // New York Times. 2014. July 23. URL: nytimes.com/2014/07/24/fashion/hm-andjeff-koons-collaborate-on-a-handbag.html. La Ferla R. For Your Distorted Pleasure / R. La Ferla // New York Times. 2008. June 19. URL: nytimes.com/2008/06/19/fashion/19ROW. html. L. A. Times Staff and Wire Reports. Keith Haring; Subway Pop Graffiti Artist // Los Angeles Times. 1990. February 17. URL: articles.latimes.com/1990-02-17/news/ mn-439_1_keith-haring. Laverty C. Pollock: Ed Harris in paint splattered clothing / C. Laverty // Clothes on Film. 2011. February 15. URL: clothesonfilm.com/pollock-ed-harris-in-paint-splattered-jeans/11059/. Lavin M. Cut with the Kitchen Knife: The Weimar Photomontages of Hannah Höch / M. Lavin. New Haven: Yale University Press, 1993. Lavrentiev A. N. Aleksandr Rodchenko: Experiments for the Future / A. N. Lavrentiev. New York: The Museum of Modern Art, 2004. Leaper C. V&A announces 2018 exhibition dedicated to Frida Kahlo’s Wardrobe / C. Leaper // Telegraph. 2017. September 6. URL: telegraph.co.uk/fashion/people/va-announces-2018-exhibition-dedicated-frida-kahlos-wardrobe/. Leopold E. Egon Schiele: Poems and Letters 1910–1912 / E. Leopold. New York and London: Prestel, 2008. Leung A. Hannah Höch at the Whitechapel Art Gallery / A. Leung // The Art Section. 2014. March. URL: theartsection.com/hannah-hoch. Levasseur A. Ten Creative Talents Tell AD How Matisse Has Influenced Their Work / A. Levasseur // Architectural Digest. 2014. September 30. URL: architecturaldigest.com/gallery/tencreatives-inspired-by-matisse-slideshow/all. Levy A. H. Henri Matisse: The Lost Interview / A. H. Levy // Design Observer. 2015. January 22. URL: designobserver.com/feature/henri-matisse-the-lost-interview-part-ii/38739. Levy A. Beautiful Monsters: Art and Obsession in Tuscany / A. Levy // The New Yorker. 2016. April 18. URL: newyorker.com/maga-

zine/2016/04/18/niki-de-saint-phalles-tarotgarden. L’Heureux C. Inside Cecil Beaton’s Impeccable Wardrobe / C. L’Heureux // The Cut. 2016. February 28. URL: thecut.com/2016/02/cecilbeaton-life-in-fashion.html. Life. Pockets for No Purpose Are Fashion’s Newest Decoration // Time Inc. 1940. January 22. Lisle L. Nevelson L.: A Passionate Life / L. Lisle. New York: Summit/Simon & Schuster, 1990. Living, 2 Design (er) s For Living: Marc Bohan and Calvin Klein // Vogue. 1975. Macaulay A. Rauschenberg and Dance: Partners for Life / A. Macaulay // New York Times. 2008. May 14. URL: nytimes.com/2008/05/14/arts/ dance/14coll.html. Mackrell J. Tamara’s Story. (Extracted from Flappers: Six Women of a Dangerous Generation.) / J. Mackrell. London: Pan Macmillan, 2013. MacSweeney E. Footnotes / E. MacSweeney // New York Times. 2000. July 2. URL: nytimes.com/2000/07/02/magazine/footnotes-975311.html?mcubz=3. Madsen A. C. When Raf Met Robert / A. C. Madsen // i-D. 2016. June 17. URL: i-d.vice.com/en_uk/article/9kypg5/when-rafmet-robert. Mail on Sunday Reporter. Grayson Perry hat trick boosts his hearing: Artist wears a bonnet as a «sort of ear trumpet» // Daily Mail. 2015. February 10. URL: dailymail.co.uk/health/ article-2924576/Grayson-Perry-hat-trick-boostshearing-Artist-wears-bonnet-sort-ear-trumpet. html. Magritte: The Mystery of the Ordinary 1926– 1938 (exhibition catalogue) / ed. A. Umland, text by S. D’Allesandro, M. Draguet, C. Goormans. New York: Museum of Modern Art, 2013. URL: macaulay.cuny.edu/eportfolios/calirmanfall2013/files/2013/08/Magritte-Catalogue2. pdf; // moma.org/interactives/exhibitions/2013/ magritte/#/featured/1. Margiela M. Interview with Sphere / M. Margiela // Knack. 1983. March 2. Appeared in 6+Antwerp Fashion by Geert Bruloot and Debo Kaat, Ludion Editions, 2007. Marriot H. Sense and sensuality: Dior embraces female artists while Saint Laurent sparkles / H. Marriot // Guardian. 2017. September 26. URL: theguardian.com/fashion/2017/sep/26/ christian-dior-yves-saint-laurent-paris-fashionweek-spring-summer-2018-collections. Marshall R. Jean-Michel Basquiat / R. Marshall. New York: Whitney Museum of American Art: Harry N. Abrams, 1992. Martin R. Christian Dior / R. Martin, H. Koda. New York: Metropolitan Museum of Art, 1996. Martin R. Fashion and Surrealism / R. Martin. London: Thames & Hudson, 1987. Martineau P. Robert Mapplethorpe: The Photographs / P. Martineau, B. Salvesen. Los Angeles: J. Paul Getty Museum, 2016. Martinez A. Can You Guess the Famous Artists Behind This Jewelry? / A. Martinez // Observer. 2017. April 19. URL: observer.com/2017/04/artist-designed-jewelry-portable-art-project-hauser-wirth-exhibition/.

201

Martinez A. The Many Notable Times Julian Schnabel Has Worn Pajamas in Lieu of Real Clothes / A. Martinez // Observer. 2016. May 30. URL: observer.com/2016/05/the-many-notabletimes-julian-schnabel-has-worn-pajamas-in-lieuof-real-clothes/. Matisse: The Fabric of Dreams — His Art and His Textiles // Press release. Metropolitan Museum of Art. 2005. URL: metmuseum.org/ press/exhibitions/2005/matisse-the-fabric-ofdreamshis-art-and-his-textiles. Matisse on Art / ed. J. D. Flam. Berkeley: University of California Press, 1995. Matthews H. Living with Niki / H. Matthews // Tate Etc. Issue 12 (Spring 2008). 2008. January 1. URL: tate.org.uk/context-comment/articles/ living-niki. McAteer S. Commentary on Louise Bourgeois by Robert Mapplethorpe / S. McAteer // Tate. 2013. February. URL: tate.org.uk/art/artworks/ mapplethorpe-louise-bourgeois-ar00215. McAuley J. The Artists and Their Alley, in Postwar France / J. McAuley // New York Times. 2016. September 22. URL: nytimes.com/2016/09/22/t-magazine/art/ impasse-ronsin-artists-montparnasse-constantin-brancusi.html. McCarthy F. Artist of the Fascist superworld: the life of Tamara de Lempicka / F. McCarthy // Guardian. 2004. May 15. URL: theguardian.com/artanddesign/2004/may/15/art. McCorquodale S. How Warhol’s work influenced our wardrobes / S. McCorquodale // BBC Culture. 2015. April 27. URL: bbc.com/culture/ story/20150427-soup-cans-that-changed-fashion. Mead R. Robert Mapplethorpe’s Intimate Gifts to His Lover and First Male Model, David Croland / R. Mead // New Yorker. 2017. September 5. URL: newyorker.com/culture/photo-booth/ robert-mapplethorpes-intimate-gifts-to-his-lover-and-first-male-model-david-croland. Meisler S. Restoring the Portrait of an Artist: How a New Exhibition is Giving William Merritt Chase His Due / S. Meisler // Los Angeles Times. 2016. June 23. URL: latimes.com/entertainment/arts/la-ca-mn-william-merritt-chase20160526-snap-htmlstory.html. Menkes S. Designers Dip into Klimt’s Well / S. Menkes // New York Times. 2012. November 12. URL: nytimes.com/2012/11/13/fashion/13iht-fklimt13.html?mcubz=3. Menkes S. Ode to the Abstract: When Designer Met Dance / S. Menkes // New York Times. 1998. January 8. URL: nytimes.com/1998/01/08/ style/ode-to-the-abstract-when-designer-metdance.html. Menkes S. Positive Energy: Comme at 40 / S. Menkes // New York Times. 2009. June 8. URL: nytimes.com/2009/06/09/fashion/09iht-fcomme. html. Menkes S. #SuzyPFW: Dior’s Modern Muse, Artist Niki de Saint Phalle / S. Menkes // Vogue. 2017. September 26. URL: vogue.co.uk/article/ suzypfw-diors-modern-muse-artist-niki-desaint-phalle. Mercurio G. Keith Haring: In the Moment / G. Mercurio // The Keith Haring Foundation. 2005. URL: haring.com/!/selected_writing/keith-haring-in-the-moment#.Wh1OgVVl_IU.

202

Metropolitan Museum of Art, Brooklyn Museum Costume Collection. Shades of Picasso, dress by Gilbert Adrian // Metropolitan Museum of Art. URL: metmuseum.org/art/collection/ search/158903. Metropolitan Museum of Art, Costume Institute. Dali, dress by Christian Dior, 1949–1950 // Metropolitan Museum of Art. URL: metmuseum.org/art/collection/search/83745. Mistry M. Fall 2012 Ready-to-Wear, A. F. Vandevorst / M. Mistry // Vogue. 2012. March 1. URL: vogue.com/fashion-shows/fall-2012-readyto-wear/a-f-vandevorst. American Iconology: New Approaches to Nineteenth-Century Art and Literature / ed. D. C. Miller. New Haven: Yale University Press, 1993. Milligan L. King Of Anarchy / L. Milligan // Vogue. 2010. April 9. URL: vogue.co.uk/gallery/ malcolm-mclaren-vivienne-westwood-pays-tribute. Moran J. Meet the Queer New York Designer Championing Upcycled Fashion / J. Moran // Out. 2017. February 5. URL: out.com/ fashion/2017/5/02/meet-queer-new-york-designer-championing-upcycled-fashion. Mower S. Fall 2004 Couture, Christian Dior / S. Mower // Vogue. 2004. July 6. URL: vogue.com/ fashion-shows/fall-2004-couture/christian-dior. Mower S. Vetements Is a No-Show — Demna Gvasalia Announces He’s Stepping Away From the Fashion Show System / S. Mower // Vogue. 2017. June 2. URL: vogue.com/article/vetements-steps-away-from-fashion-shows. Murphy M. Basquiat Before He Was Famous: video interview with Alexis Adler / M. Murphy, L. Van Straaten // New York Times. 2017. February 13. URL: nytimes.com/2017/02/13/arts/ design/jean-michel-basquiat-artwork.html. Murphy T. Julian Schnabel Gives Us a Schnug / T. Murphy // The New York. 2008. February 1. URL: nymag.com/daily/intelligencer/2008/02/ julian_schnabel_gives_us_a_sch.html. Nelson K. Pulse, The Man Made the Clothes / K. Nelson // New York Times. 2010. July 25. URL: archive.nytimes.com/ query.nytimes.com/gst/fullpage-9B07E6DF1230F936A15754C0A9669D8B63.html. Nemser C. Interview in Eva Hess / C. Nemser; ed. by Mignon Nixon. Cambridge: MIT Press, 2002. Nevelson L. Dawns and Dusks: Conversations with Diana MacKown / L. Nevelson. New York: Macmillan & Co., 1976. Newell-Hanson A. Elizabeth Peyton on Painting David Bowie from YouTube / A. Newell-Hanson // i-D. 2016. December 14. URL: i-d.vice.com/en_us/article/xwd8wj/ elizabeth-peyton-on-painting-david-bowie-from-youtube. Newman A. Life cover photograph of Niki de Saint Phalle / A. Newman // Time Inc. 1949. September 26. Newman J. The Roving Eye: Lee Miller, Artist and Muse / J. Newman // The New Yorker. 2008. June 21. Ng D. Bruce Nauman Wins a Golden Globe at Venice Biennale // Culture Monster, a Los Angeles Times blog. 2009. June 6. URL: latimesblogs.latimes.com/culturemon-

ster/2009/06/bruce-nauman-topological-gardens-venice-biennale-.html. Nikkah R. New exhibition reveals Picasso’s love affair with English style / R. Nikkah // Telegraph. 2012. February 5. URL: telegraph.co.uk/culture/ art/art-news/9061282/New-exhibition-reveals-Picassos-love-affair-with-English-style. html. Nobel P. Julian Schnabel, The Reluctant Decorator / P. Nobel // New York Times. 2006. August 3. URL: nytimes.com/2006/08/03/garden/03hotel.html?mcubz=3. Nothing Sacred: Selected Writings / ed. A. Carter. New York: Time Warner Books, 1982. O’Brien G. Andy Warhol. Interview conducted June 1977 / G. O’Brien // Interview. 2008. December 1. URL: interviewmagazine.com/art/ andy-warhol. O’Brien G. Basquiat: Dressing to Conjure / G. O’Brien // Nowness. 2010. April 28. URL: nowness.com/story/basquiat-dressing-to-conjure. O’Brien G. Marc Jacobs interview / G. O’Brien // Interview. 2008. November 30. URL: interviewmagazine.com/fashion/marc-jacobs. O’Hagan S. Canvassing support / S. O’Hagan // Guardian. 2003. October 26. URL: theguardian.com/film/2003/oct/26/features. magazine. Ono Y. Over 1,057,000 people have been killed by guns in the USA since John Lennon was shot and killed on 8 Dec 1980 / Y. Ono // Twitter. 2013. March 20. URL: twitter.com/yokoono/ status/314339147672322050?lang=en. Pablo Picasso: Hands painted in trompel’oeil imitating gloves. Maison Schiaparelli // Schiaparelli.com. URL: schiaparelli.com/en/ maison-schiaparelli/schiaparelli-and-the-artists/ pablo-picasso/hands-painted-in-trompe-l-oeilimitating-gloves/. Paley M. On Being Photographed / M. Paley // Vogue. 1985. November. Parker I. A Bizarre Body of Work / I. Parker // Independent. 1995. February 26. URL: independent.co.uk/arts-entertainment/a-bizarre-body-of-work-1574885.html. Parmal P. A. Dress in the Paintings of William Merritt Chase: Video of lecture / P. A. Parmal // Museum of Fine Arts. Boston. 2016. December 30. URL: youtube.com/watch?v=vOX1jIXFs00. Pasori C. Interview: Barbara Kruger Talks Her New Installation and Art in the Digital Age / C. Pasori // Complex. 2012. August 21. URL: complex.com/style/2012/08/interview-barbarakruger-talks-her-new-installation-and-art-in-thedigital-age. Pernet D. Alex Van Gelder and How He Met Louise Bourgeois / D. Pernet // A Shaded View on Fashion: blog. 2016. December 20. URL: youtube.com/watch?v=3ttsPnh2WtM. Perreault J. Art: What’s News, What’s Coming, Willem de Kooning in East Hampton / Frida Kahlo / J. Perreault // Vogue. 1978. February. Phelps N. From N. E. R. D to Bella Hadid — Off-White’s Virgil Abloh Talks Influences / N. Phelps // Vogue. 2017. August 17. URL: vogue.com/article/off-white-virgil-abloh-forcesof-fashion-interview. Pinnington M. Jackson Pollock: Separating Man from Myth / M. Pinnington // Tate. 2015. July 22.

URL: tate.org.uk/context-comment/articles/ jackson-pollock-man-myth. Pisano R. G. William Merritt Chase: Portraits in Oil / R. G. Pisano, completed by C. K. Kane and D. F. Baker. New Haven: Yale University Press, 2017. Pithers E. David Hockney: back on the fashion map / E. Pithers // Telegraph Fashion. 2012. January 25. URL: fashion.telegraph.co.uk/columns/ ellie-pithers/TMG9037761/David-Hockneyback-on-the-fashion-map.html. Planet Group Entertainment. The Billy Name Interview (from the Factory People Notebook). URL: planetgroupentertainment.squarespace.com/ the-billy-name-interview/. Planet Group Entertainment. The Victor Bockris Interview (from the Factory People Notebook). URL: planetgroupentertainment.squarespace.com/ the-victor-bockris-interview. Pogrebin R. A Basquiat Sells for ‘Mind-blowing’ $110.5 Million at Auction / R. Pogrebin S. Reyburn // New York Times. 2017. May 18. URL: nytimes.com/2017/05/18/arts/jean-michel-basquiat-painting-is-sold-for-110-million-at-auction. html. Poiret P. King of Fashion: The Autobiography of Paul Poiret / P. Poiret. London: V&A Publishing, 2009. Porter C. American Graffiti / C. Porter // Guardian. 2001. March 30. URL: theguardian.com/ lifeandstyle/2001/mar/30/fashion1. Prickett S. N. Who Is Marc Jacobs? / S. N. Prickett // New York Times. 2015. August 20. URL: nytimes.com/2015/08/20/t-magazine/whois-marc-jacobs.html?mcubz=0&mcubz=0. Rebels and Martyrs: The Image of the Artist in the Nineteenth Century. (exhibition catalogue) / A. Sturgis, R. Christiansen, L. Oliver, M. Wilson. New Haven: Yale University Press: National Gallery Publications, 2006. Reed B. M. Hand in Hand: Jasper Johns and Hart Crane / B. M. Reed // Modernism/Modernity. 2010. № 17, Issue 1. P. 21–45. Reily N. H. A Private Friendship. Рart 1: Walking to the Sun Prairie Land / N. H. Reily. Santa Fe, NM: Sunstone Press, 2014. Ricard R. The Radiant Child / R. Ricard // Artforum. 1981. December. URL: artforum.com/ print/198110/the-radiant-child-35643. Richardson J. Leigh Bowery, 1961–94 / J. Richardson // The New Yorker. 1995. January 16. URL: newyorker.com/magazine/1995/01/16/ leigh-bowery-1961-94. Rigg N. Robert Rauschenberg’s Million Dollar Window Displays / N. Rigg // AnОther. 2016. August 8. URL: anothermag.com/ fashion-beauty/8943/robert-rauschenbergs-million-dollar-window-displays. Rodman S. Conversations with Artists / S. Rodman. New York: Devin-Adair Publishing Company, 1957. Roux C. The Exceptional Portrait Painter / C. Roux // The Gentlewoman. 2013. Issue 8. Autumn and Winter. URL: thegentlewoman.co.uk/library/elizabeth-peyton. Rose B. A Garden of Earthly Delights / B. Rose // Vogue. 1987. December 1.

Rose B. The Individualist American Sculputor, Louise Nevelson / B. Rose // Vogue. 1976. June 1. Rose B. People Are Talking About Rauschenberg: The Artist as Witness / B. Rose // Vogue. 1977. February 1. Rosenbaum R. Barbara Kruger’s Artwork Speaks Truth to Power / R. Rosenbaum // Smithsonian. 2012. July. URL: smithsonianmag.com/arts-culture/barbara-krugers-artwork-speaks-truth-topower-137717540/. Rubin W. Violence? Yes, and Passion, Joy, Exuberance; Pollock Was No Accident / W. Rubin // New York Times. 1974. January 27. URL: nytimes.com/1974/01/27/archives/ pollock-was-no-accident-violence-yes-and-passion-joy-exuberance.html?mcubz=0&mcubz=0. Saatchi Art. There are no miracles, there is only what you make // Tamara de Lempicka: twitter. 2015. May 16. URL: twitter.com/SaatchiArt/ status/599711061684662272. Saint Phalle N. Niki de Saint Phalle: the artist’s workshop (English-speaking archive footage) / N. Saint Phalle // Grand Palais. 2014. November 25. URL: youtube.com/watch?v=jDxpIKqks6o. Salvador Dalí Foundation. Salvador Dalí I Domènech, biograhy of Dalí. URL: salvador-dali.org/en/dali/bio-dali/. San Francisco Museum of Modern Art. Artwork Guide: Robert Rauschenberg // San Francisco Museum of Modern Art. URL: sfmoma.org artwork-guide-robert-rauschenberg/. Scaasi A. Women I Have Dressed (and Undressed!) / A. Scaasi. Simon & Schuster, 2007. Scaggs A. Madonna Looks Back: The Rolling Stone Interview / A. Scaggs // Rolling Stone. 2009. October 29. URL: rollingstone.com/ music/news/madonna-looks-back-the-rollingstone-interview-20091029. Schnabel J. The Artistry of Alaïa / J. Schnabel // Interview. 2013. December 30. URL: interviewmagazine.com/fashion/the-artistryof-alaia/#_. Schneier M. Raf Simons salutes Robert Mapplethorpe, a Fellow Provocateur / M. Schneier // New York Times. 2016. June 17. URL: nytimes.com/2016/06/18/fashion/mens-style/ raf-simons-robert-mapplethorpe-spring-2017mens-fashion.html. Schroder K. A. Egon Schiele — Self-portrait with peacock vest: video of lecture / K. A. Schroder // Albertina Museum. 2017. February 22. URL: castyourart.com/2017/05/09/ egon-schiele-selbstbildnis-mit-pfauenweste/. Schulz B. Well Cut: Hannah Höch at the Whitechapel Gallery / B. Schulz // Apollo. 2014. January 30. URL: apollo-magazine.com/wellcut-hannah-hoch-whitechapel-gallery/. Schwendener M. Avedon, Breaking Through the Artifice of Celebrity / M. Schwendener // New York Times. 2011. June 25. URL: nytimes.com/2011/06/26/nyregion/richard-avedon-photographer-of-influence-review.html? mcubz=3. Searle A. Dream weaver / A. Searle // Guardian. 2005. March 8. URL: theguardian.com/culture/2005/mar/08/1.

Secher B. Alexander Rodchenko: a man who took life lying down / B. Secher // Telegraph. 2008. February 9. URL: telegraph.co.uk/culture/ art/3671028/Alexander-Rodchenko-A-man-whotook-life-lying-down.html. Secher B. Andy Warhol TV: maddening but intoxicating / B. Secher // Telegraph. 2008. September 30. URL: telegraph.co.uk/culture/ film/3561451/Andy-Warhol-TV-maddening-but-intoxicating.html. Seed J. The Blog: Driving Mr. Basquait / J. Seed // Huffington Post. 2010. July 29. URL: huffingtonpost.com/john-seed/driving-mr-basquiat_b_658553.html. Selsdon E. Egon Schiele / E. Selsdon, J. Zwingenberger. London: Parkstone Press International, 2011. Sen R. 12 Things to Know About Vanessa Beecroft, Kanye West’s Visual Art Collaborator / R. Sen, V. Castro // Complex. 2013. December 5. URL: complex.com/style/2013/12/kanye-westvanessa-beecroft/. Shafrazi T. Keith Haring. A Great Artist, A True Friend / T. Shafrazi // Essay in The Keith Haring Show (exhibition catalogue). Milan: Skira, 2005. URL: haring.com/!/selected_writing/keith-haring-a-great-artist-a-true-friend#.WhwVPlVl_IU. Shanes E. The Life and Masterworks of Salvador Dalí / E. Shanes. London: Parkstone Press Ltd, 2010. Shapiro D. Interview, Vanessa Beecroft / D. Shapiro // Museo. 2008. URL: museomagazine.com/ VANESSA-BEECROFT. Sheff D. Keith Haring, An Intimate Conversation / D. Sheff // Rolling Stone. 1989. August. URL: haring.com/!/selected_writing/rolling-stone-1989#.WhwL0VVl_IU. Sidhu T. J. Raf Simons debuts Mapplethorpe-inspired SS17 campaign / T. J. Sidhu // Dazed. 2017. January 31. URL: dazeddigital.com/ fashion/article/34538/1/raf-simons-debuts-mapplethorpe-inspired-ss17-campaign. Sischy I. Kid Haring / I. Sischy // Vanity Fair. 1997. URL: haring.com/!/selected_writing/ kid-haring#.Wh1o0lVl_IU. Six Times David Hockney Collided with Fashion // Topshop blog. 2015. February 9. URL: topshop.com/blog/2016/02/six-times-davidhockney-collided-with-fashion-2. Smith R. Critics’ Notebook, Standing and Staring, Yet Aiming for Empowerment / R. Smith // New York Times. 1998. May 6. URL: nytimes.com/1998/05/06/arts/critic-s-notebookstanding-and-staring-yet-aiming-for-empowerment.html. Smith R. Raoul Dufy — «Fashion Drawings for Paul Poiret and Other Works» / R. Smith // Art in Review. 1999. September 3. URL: nytimes.com/1999/09/03/arts/art-in-reviewraoul-dufy-fashion-drawings-for-paul-poiret-andother-works.html. Smithgall E. William Merritt Chase: A Modern Master / E. Smithgall, J. Davis. New Haven: Yale University Press, 2016. Solomon D. Jackson Pollock: A Biography / D. Solomon. New York: Simon & Schuster, 1987. Sooke A. Miuccia Prada Interview: Fondazione Prada, Milan / A. Sooke // Telegraph online. 2009. May 5. URL: telegraph.co.uk/culture/

203

art/5277507/Miuccia-Prada-interview-Fondazione-Prada-Milan.html. Spero N. Dear Louise / N. Spero, H. Lang // Tate Etc. 2007. Issue 11. URL: tate.org.uk/ context-comment/articles/dear-louise. Spindler A. M. Patterns: Call it Deconstruction / A. M. Spindler // New York Times. 1994. June 14. URL: nytimes.com/1994/06/14/style/patterns-389765.html?mcubz=3. Spivack E. Yayoi Kusama, High Priestess of Polka Dots / E. Spivack // Smithsonian. 2012. September 28. URL: smithsonianmag.com/ arts-culture/yayoi-kusama-high-priestess-of-polka-dots-53981061/. Spurling H. The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869–1908 / H. Spurling. New York: Knopf: Random House, 1998. Spurling H. Matisse, His Art and His Textiles / H. Spurling, A. Dumas, N. Rosenthal // The Fabric of Dreams (exhibition catalogue). London: Royal Academy of Arts, 2004. Stafford J. «Do you find beauty in horror?» Peter Philips, Creative and Image Director of Christian Dior Make-up, meets The Queen of Art-Gore, Cindy Sherman / J. Stafford // System. 2014. Issue 4. October 16. URL: system-magazine.com/issue4/cindy-sherman-peter-philips/. Stansfield T. Cindy Sherman turns mock streetstyle star for Harper’s / T. Stansfield // Dazed. 2016. February 12. URL: dazeddigital.com/ fashion/article/29782/1/cindy-sherman-turnsmock-street-style-star-for-harper-s. Stansfield T. The dA-Zed guide to Gosha Rubchinskiy / T. Stansfield // Dazed. 2016. June 15. URL: dazeddigital.com/fashion/article/31582/1/ the-da-zed-guide-to-gosha-rubchinskiy. Steiner R. Egon Schiele, 1890–1918: The Midnight Soul of the Artist / R. Steiner. Cologne: Taschen, 2000. Stone B. Grayson Perry’s Dresses are going on display in Liverpool / B. Stone // It’s Nice That. 2017. October 26. URL: itsnicethat.com/news/ grayson-perry-dresses-walker-art-gallery-liverpool-art-261017. Studio International. Mondrian in London, December 1966 // Via Snap-dragon.com. URL: snap-dragon.com/PMStudioInt.html. Sunnucks J. Rockstud Untitled: Vanessa Beecroft Collaborates with Valentino / J. Sunnucks // i-D/Vice. 2016. May 3. URL: i-d.vice.com/en_uk/article/59g4yq/rockstud-untitled-vanessa-beecroft-collaborates-with-valentino. Swanson C. Marina Abramovic at 70 / C. Swanson // The New Yorker. 2016. October 17. URL: thecut.com/2016/10/marina-abramovic-walkthrough-walls-c-v-r.html. Szmydke-Cacciapalle P. Edeline Lee RTW Fall 2017 / P. Szmydke-Cacciapalle // WWD. 2017.

February 19. URL: wwd.com/runway/fall-readyto-wear-2017/london/edeline-lee/review/. Teodorczuk T. Julian Schnabel: the artist and film director makes his London comeback / T. Teodorczuk // Evening Standard. 2014. May 1. URL: standard.co.uk/lifestyle/esmagazine/ julian-schnabel-the-artist-and-film-directormakes-his-london-comeback-9306876.html. Tilley S. Leigh Bowery: The Life and Times of an Icon / S. Tilley. London: Hodder & Stoughton, 1997. The Daily Beast. Neil Winokur: 1980s Portraits // Daily Beast. 2009. October 28. URL: thedailybeast.com/neil-winokur-1980s-portraits. The Very Best of Vanessa Beecroft: slideshow // New York Times. 2016. May 19. URL: nytimes.com/slideshow/2016/05/19/t-magazine/ the-very-best-of-vanessa-beecroft/s/19tmagbeecroft-slide-X2YG.html. Tomkins C. The Artists of the Portrait; The Deliverance of Elizabeth Peyton / C. Tomkins // The New Yorker. 2008. October 6. URL: newyorker.com/magazine/2008/10/06/the-artistof-the-portrait. Tomkins C. Western Disturbances: Bruce Nauman’s Singular Influences / C. Tomkins // The New Yorker. 2009. June 1. URL: newyorker.com/ magazine/2009/06/01/western-disturbances. Toynton E. Jackson Pollock / E. Toynton. New Haven: Yale University Press, 2012. Trebay G. The Oscar For Best Provocateur… / G. Trebay // New York Times. 2011. November 18. URL: nytimes.com/2011/11/20/fashion/marina-abramovics-crossover-moment.html?m. Tscherny N. Beautiful People / N. Tscherny // Art in America. 2009. February 23. URL: artinamericamagazine.com/news-features/magazines/elizabeth-peyton/. Tulloch C. The Birth of Cool: Style Narratives of the African Diaspora / C. Tulloch. London: Bloomsbury, 2008. Vidal S. M. Frida Kahlo: Fashion as The Art of Being / S. M. Vidal. New York: Assouline Publishing, 2016. Volandes S. Fashion: Vogue’s View, Puff Pieces: Rei Kawakubo’s Designs for the Merce Cunningham Dance Company May Find a New Generation Doing the Bump / S. Volandes // Vogue. 1997. October 1. Volandes S. Fashion: News: Exports to Paris, American Designs // Vogue. 1950. February. Wakefield N. Vanessa Beecroft: South Sudan / N. Wakefield // Flash Art. 2006. December. URL: flashart.com/article/vanessa-beecroft-2/. Walker T. An Egon Schiele — Inspired Shoot by Tim Walker / T. Walker // i-D. 2017. May 17. URL: i-d.vice.com/en_uk/article/vbdekx/ an-egon-schiele-inspired-shoot-by-tim-walker. Warhol A., Petrarca E., Halston. Interview with Keith Haring // Interview. 1984; Reposted as New Again: Keith Haring. 2013. August 6. URL:

interviewmagazine.com/art/new-again-keithharing. Welters L. Matisse: the fabric of dreams / L. Welters // Textile. 2006. Vol. 4, № 3. P. 376–382. URL: tandfonline.com/doi/ abs/10.2752/147597506778691503. Whitechapel Gallery. Elizabeth Peyton: Live Forever // Whitechapel Gallery. 2009. URL: whitechapelgallery.org/exhibitions/live-forever-elizabeth-peyton/. Widdicomb B. Now Fawning: Vanity Fair’s International Best-Dressed List / B. Widdicomb // New York Times. 2008. July 29. URL: tmagazine.blogs.nytimes.com/2008/07/29/ now-fawning-vanity-fairs-international-best-dressed-list/. Wilcox C. The Golden Age of Couture. Paris and London 1947–1957 / C. Wilcox. London: V&A Publishing, 2007. Wild B. A Life in Fashion: The Wardrobe of Cecil Beaton / B. Wild. London: Thames & Hudson, 2016. Wilson L. Louise Nevelson: Light and Shadow / L. Wilson. London: Thames & Hudson, 2016. Wilson M. A. The Complete Guide to Jean-Michel Basquiat References in Hip-Hop / M. A. Wilson // Complex. 2013. June 28. URL: complex.com/style/2013/06/jean-michel-basquiat-hip-hop/. Wiseman E. Profile: Marc Jacobs, A designer with bags of talent / E. Wiseman // Guardian. 2008. August. URL: theguardian.com/lifeand style/2008/aug/31/fashion. celebrity1. Wolfe B. D. Features, Rise of Another Rivera / B. D. Wolfe // Vogue. 1938. November 1. Wroe N. David Hockney: a life in art / N. Wroe // Guardian. 2012. January 13. URL: theguardian.com/culture/2012/jan/13/davidhockney-life-in-art. Wullschlager J. Seven Exhibitions Inaugurate Milan’s Prada Foundation / J. Wullschlager // Financial Times. 2015. May 8. URL: ft.com/content/fe403bdc-f3dd-11e4-99de-00144feab7de. Young J. Chronology. Rauschenberg Foundation / J. Young, S. Davidson // URL: rauschenbergfoundation.org/artist/chronology-new. Zahm O. In the Skin of the Artist / O. Zahm // Purple. 2017. Issue 27. Spring/Summer. URL: purple. fr/magazine/ss-2017-issue-27/vanessa-beecroft-2/. Книги, изданные на русском языке Дали С. Дневник одного гения. М. : Эксмо, 2008. Дали С. Моя тайная жизнь. Мн. : Попурри, 2017. Смит П. Просто дети. М. : Corpus, 2019. Уорхол Э. Дневники. 1976–1987. М. : Ад Маргинем, 2015. Уорхол Э. Философия Энди Уорхола (от А к Б и наоборот). М. : Ад Маргинем, 2016.

ИСТОЧНИКИ ФОТОГРАФИЙ Обложка: Nickolas Muray © Nickolas Muray Archives. Alamy Stock Photo: Agencja Fotograficzna Caro/Alamy Stock Photo: 86; Art Collection 2/Alamy Stock Photo: 144; Dominic Dibbs: 50; Granger Historical Picture Archive: 119; WorldPhotos/Alamy Stock Photo: 141. Bridgeman: Allen Memorial Art Museum, Oberlin College, Ohio, USA/ Gift of Helen Hesse Charash/Bridgeman Images: 53. DACS 2018: © Hannah Höch: 123. Getty Images: Barbara Alper/Contributor: 52, снизу; Austrian Archives/ Imagno/Getty Images: 181; Bettmann: 30, 39, 129, 172; Lee Black Childers/Redferns: 15; Bloomberg/Contributor: 85; Stephane Cardinale/ Corbis via Getty Images: 110; Gareth Cattermole/Staff: 148; Michele Crosera/Stringer: 118; Robert Doisneau/Gamma-Rapho/Getty Images: 89; Nick Elgar/Corbis/VCG via Getty Images: 79; Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images: 149, 184; Sean Gallup/Staff: 52, сверху; Yann Gamblin/Paris Match via Getty Images: 64; Pierre Guillaud/AFP/ Getty Images: 92; Jacques Haillot/Sygma/Sygma via Getty Images: 157; Evelyn Hofer/Getty Images: 21; Martha Holmes/The LIFE Picture Collection/Getty Images: 113; Hulton Archive/Getty Images: 27; Kim Jae-hwan/AFP/Getty Images: 71; Imagno/Getty Images: 169; Michael Kappeler/AFP/Getty Images: 67; Keystone-France/Gamma-Keystone via Getty Images: 107; King Collection/Photoshot/Getty Images: 33; Alexander Klein /AFP/Getty Images: 197; Pascal Le Segretain/Getty Images: 152; Michael Loccisano: 45; Shaun Mader/Patrick McMullan via Getty Images: 24; Gabriela Maj: 49; Jack Manning/Contributor: 87; Guy Marineau/Conde Nast via Getty Images: 116; Chris Moore/Catwalking/Contributor: 76; Lusha Nelson/Condé Nast via Getty Images: 132; Arnold Newman/Getty Images: 120; Rindoff Petroff/Dufour/Getty Images: 151; Print Collector/Getty Images: 142; Kerstin Rodgers/Redferns: 73; Steve Russell/Contributor: 84; Nancy R. Schiff/Getty Images: 95; Schütt/Ullstein Bild via Getty Images: 127; Bert Stern/Condé Nast

205

via Getty Images: 135; Allan Tannenbaum/Getty Images: 83; The Royal Photographic Society Collection/National Science and Media Museum/ SSPL/Getty Images: 193; Antonello Trio: 18; Ullstein Bild/Contributor: 146; Ullstein Bild/Ullstein Bild via Getty Images: 40; Universal History Archive: 163; Tony Vaccaro/Hulton Archive/Getty Images: 191; Pierre Verdy/AFP/Getty Images: 121; Willy Vanderperre/Conde Nast via Getty Images: 179; Victor Virgile/Gamma-Rapho via Getty Images: 138, 160; Oscar White/Corbis/VCG via Getty Images: 99. François Le Diascorn: © François Le Diascorn: 147. The Norman Parkinson Archives/Iconic Images: © Iconic Images/ Norman Parkinson: 120, 166. Dusan Reljin: © Dusan Reljin: 175. Shutterstock: AP/Shutterstock: 34; Granger/Shutterstock: 187; Greg Mathieson/Shutterstock: 55; John Aquino/Penske Media/Shutterstock: 58; Sipa Press/Shutterstock: 61; Startraks Photo/Shutterstock: 101; Unimediaimages Inc–ADC/Shutterstock: 104; © Shutterstock/Abstractor: серая текстура; © Shutterstock/LUMIKKSSS: синий фон. WireImage: Antonio de Maraes Barros Filho/WireImage: 42.

БЛАГОДАРНОСТИ

Э

та книга посвящается Уильяму, Фредди и Эндрю. Огромное спасибо Хейли Харрисон, Наиме Миа, Франческе Роуз, Дженнифер Сезей Барнс, Джине Гиббонс, Дайане Руни, Лулу Гиннесс, Джо Унвину, Пиппе Хили, Франсин Боско, Керри Каниа, Элизабет Вискотт Салливан, Линн Йеменс, Тане Росс-Хьюз, Трише Ливай и Дани Зегельбаум.

ОБ АВТОРЕ

Т

ерри Ньюман работает в индустрии моды более двадцати пяти лет. Она была редактором в журналах i-D, Attitude и Self Service и писала статьи для многих британских газет, включая Guardian, Independent, Times и Sunday Times. Кроме того, Терри готовила и вела фэшн-шоу на британском телеканале Channel 4. Она также автор книги Legendary Authors and the Clothes They Wore, соавтор книг i-D’s Fashion Now, Fashion Now 2 и Soul i-D. Сейчас Терри Ньюман преподает в Университете искусств города Эпсом (Англия) и живет в Лондоне с мужем и двумя детьми.

МИФ Культура ИСКУССТВО АРХИТЕКТУРА И УРБАНИЗМ БИОГРАФИИ И МЕМУАРЫ ПУБЛИЦИСТИКА И ЭССЕИСТИКА НОНФИКШН ИСТОРИИ МУЗЫКА, ТЕАТР, ТАНЕЦ КУЛЬТУРА ДРЕВНОСТИ ЛИТЕРАТУРА СТРАНОВЕДЕНИЕ

#mifbooks Подписывайтесь на полезные книжные письма со скидками и подарками: mif.to/kultura-letter

Все книги по культуре на одной странице: mif.to/kultura mifbooks

УДК 73+687.016 ББК 85.14+37.24-2 Н93 Научно-популярное издание Н а у ч н ы й р е д а к т о р Татьяна Быковская На русском языке публикуется впервые Ньюман Терри

Культовые художники и их стиль

Как гении искусства и моды вдохновляли друг друга Фрида Кало, Кристиан Диор, Сальвадор Дали, Ив Сен-Лоран, Марина  Абрамович, Марк Джейкобс и другие Шеф-редактор Ольга Киселева Ответственные редакторы Анна Гришина, Ирина Ксендзова Литературный редактор Ольга Свитова Арт-директор Мария Красовская Верстка обложки Мария Долгова Верстка Людмила Гроздова Корректоры Лилия Семухина, Евлалия Мазаник Подписано в печать 11.01.2021. Формат 84×1081/16. Гарнитура Caslon. Бумага офсетная. Печать офсетная. Усл. печ. л. 21,84. Тираж 2600 экз. Заказ ООО «Манн, Иванов и Фербер» 123104, Россия, г. Москва, Б. Козихинский пер., д. 7, стр. 2 mann-ivanov-ferber.ru facebook.com/miftvorchestvo vk.com/miftvorchestvo instagram.com/miftvorchestvo Отпечатано в АО «Первая Образцовая типография», филиал «Дом печати — ВЯТКА» 610033, Россия, г. Киров, ул. Московская, д. 122 gipp.kirov.ru Все права защищены. Никакая часть данной книги не может быть воспроизведена в какой бы то ни было форме без письменного разрешения владельцев авторских прав. Original title: Legendary Artists and the Clothes They Wore Text © 2019 Terry Newman Published by arrangement with Harper Design, an imprint of HarperCollins Publishers © Издание на русском языке, перевод, оформление. ООО «Манн, Иванов и Фербер», 2021 ISBN 978-5-00169-441-0

16+

Будь то мексиканский костюм Фриды Кало или эпатажные выходы Сальвадора Дали, одежда художника часто отражает сущность его работы. В этой книге представлены более сорока красочных глав о мастерах, чье непреходящее искусство отличается яркой уникальностью — так же как их личный стиль, выраженный через фирменный образ, прическу или аксессуары. Модный эксперт Терри Ньюман в деталях рассматривает диалог между искусством и модой и прослеживает связи между выдающимися художниками и не менее легендарными дизайнерами — например, то, как полотна Пита Мондриана вдохновили Ива Сен-Лорана на создание знаменитых платьев-трапеций, или то, как Марк Джейкобс сделал искусство современных мастеров доступным всему миру. Множество потрясающих деталей — фотографии художников в мастерских и снимки с подиумов, меткие высказывания творцов и истории из их жизни — делают это исследование увлекательным как для любителей моды, так и для ценителей искусства.

Жан-Мишель Баския

Ли Миллер

Кристиан Диор

Миучча Прада

Фрида Кало

Джексон Поллок

Ив Сен-Лоран

Карл Лагерфельд

Сальвадор Дали

Пит Мондриан

Александр Маккуин

Ёдзи Ямамото

Энди Уорхол

Марсель Дюшан

Марк Джейкобс

Вивьен Вествуд

Ли Бауэри

Александр Родченко

Эльза Скиапарелли

Дрис ван Нотен

Кит Харинг

Марина Абрамович

Мартин Маржела

Джон Гальяно

Йоко Оно

Эгон Шиле

Рей Кавакубо

Гоша Рубчинский

Пабло Пикассо

и другие

Раф Симонс

и другие

#культовыехудожникииихстиль